Quiero compartir con la comunidad de Celf-Magazine una reflexión que nace de mi práctica profesional y de una experiencia que me tocó de cerca. En mi trabajo suelo usar la musicoterapia para atender algunas cuestiones relacionadas con la salud mental. Hace poco, un paciente más o menos de mi edad me recordó “Música es”, la versión en español de “Musica è” (1988), de Eros Ramazzotti. La evocación fue muy emotiva. Por suerte, en ese momento hacíamos una actividad grupal y teníamos buena conexión a Internet —algo no tan frecuente en Cuba—, así que pudimos escucharla juntos. Fue una dicha para quienes ya la conocíamos y también para los presentes que, por las razones que uno imagina, no la conocían, pero la disfrutaron por primera vez.
“Música es” es, sin dudas, una de las obras más ambiciosas de Ramazzotti. Más que un sencillo pop al uso, es una suite de unos once minutos dividida en cinco movimientos, que tardó casi un año en completarse. Fue un proyecto arriesgado para la época. El propio artista comentó que en la industria musical actual quizá habrían tratado de disuadirlo de crear algo así, pero a finales de los ochenta había más espacio para la experimentación. La intención —que pienso que logró— era emular las suites de grandes grupos de rock progresivo como Genesis, Yes, Queen o The Who. Él la consideró una idea “loca”; yo, con los años y más música escuchada, la considero una idea atrevida.
El tema es una declaración de amor a la música, donde se mezclan lo íntimo y lo universal. Explora su poder en todos los aspectos de la vida, incluido el de la evocación: ese poder “retro” que activa recuerdos autobiográficos y estados emocionales ligados a la época en que empezamos a escuchar una canción. Es una de las aplicaciones de la musicoterapia: la escucha activa favorece la reminiscencia, la regulación emocional y el vínculo grupal.
Ramazzotti propone un viaje interior: “mirar hacia lo lejos dentro de sí mismo / la luz que nos refleja el centro abismo… / la inmensidad del cielo azul”. La música es nuestra íntima compañera de viaje; un mundo sin ella sería inimaginable en la soledad de la introspección. También celebra el amor con la metáfora “la danza regular de tu pecho respirando junto a mí”, y aborda la esperanza en el futuro de la humanidad y del contexto más cercano.
Merece mención especial el legendario dueto con Andrea Bocelli hacia finales de los noventa, incluido en el álbum “Eros” (1997), y la versión sinfónica de 2007 en “e2”, con Gian Piero Reverberi y la London Philharmonic Orchestra, que refuerza su tono grandioso. Pese a su duración y complejidad, es una de las piezas icónicas de Ramazzotti: transgredió patrones comerciales y, por su fuerza, ha perdurado.
La experiencia grupal me confirmó que la música conmueve y reconoce su papel fundamental en la vida. Nace de lo profundo del ser y puede mover ideas —incluso nuestras frecuentes distorsiones cognitivas— y la mentalidad. No es un lenguaje universal en el sentido de que todos lo descifren igual, sino un lenguaje compartido en su raíz emocional y corporal, con gramáticas culturales diversas.
Para mí, “Música es” es un viaje personal y generacional. Ramazzotti evoca su infancia y juventud: el ruido de la calle donde nació, los partidos de fútbol de los niños. A mí me lleva a mi infancia cubana: el béisbol era nuestro deporte, pero todos habíamos disfrutado la Argentina de Maradona en México 1986. Por esa concurrencia, el Mundial de 1990 en Italia, patria de Eros, también estuvo Maradona, que no “se cansa de jugar al balón”, y Goycochea, que no se cansa en mi memoria de detener penales. Al escuchar “Música es”, vuelven más vividos, junto al inolvidable subcampeonato.
Al final, la música es una de las experiencias humanas más sublimes: memoria, terapia y lenguaje que no necesita traducción para conmover. Es inimaginable un mundo sin la música, y “Música es” me lo recuerda cada vez que la escucho.
"A World Without Music Is Unimaginable"
I’d like to share with the Celf-magazine community a reflection that comes out of my professional practice and an experience that moved me deeply. In my work I often use music therapy to address certain mental health-related issues. Recently, a patient about my age reminded me of “Música es,” the Spanish version of “Musica è” (1988), by Eros Ramazzotti. The evocation was very emotional. Luckily, at that moment we were doing a group activity and had a good Internet connection—something not so common in Cuba—so we were able to listen to it together. It was a joy for those of us who could remember the song, and also for those present who, for obvious reasons, didn’t know it but enjoyed it for the first time.
“Música es” is, without a doubt, one of Ramazzotti’s most ambitious works. More than a standard pop single, it is a suite of about eleven minutes divided into five movements, and it took almost a year to complete. It was a risky project for the time. The artist himself said that in today’s music industry people might have tried to talk him out of creating something like that, but in the late eighties there was more room for experimentation. The intention—which I think he achieved—was to emulate the suites of great progressive rock bands like Genesis, Yes, Queen, or The Who. He considered it a “crazy” idea; I, with the years and more music listened to, consider it a bold one.
The song is a declaration of love for music, where the intimate and the universal meet. It explores music’s power in every aspect of life, including evocation: that “retro” power that activates autobiographical memories and emotional states tied to the time when we first started listening to a song. That is one of the applications of music therapy: active listening encourages reminiscence, emotional regulation, and group bonding.
Ramazzotti proposes an inner journey: “to look far into oneself / the light reflected back from the center abyss… / the vastness of the blue sky.” Music is our intimate traveling companion; a world without it would be unimaginable in the solitude of introspection. He also celebrates love with the metaphor “the steady dance of your chest breathing next to me,” and he touches on hope for the future of humanity and of the world closest to us.
The legendary duet with Andrea Bocelli toward the end of the nineties deserves special mention, included on the album “Eros” (1997), as does the symphonic version from 2007 on “e2,” with Gian Piero Reverberi and the London Philharmonic Orchestra, which reinforces its grandiose tone. Despite its length and complexity, it is one of Ramazzotti’s iconic pieces: it broke with commercial patterns and, because of its strength, has endured.
The group experience confirmed for me that music moves people and that it plays a fundamental role in life. It is born from the depths of the self and can move ideas—even our frequent cognitive distortions—and mindset. It is not a universal language in the sense that everyone deciphers it the same way, but a language shared at its emotional and bodily root, with diverse cultural grammars.
For me, “Música es” is a personal and generational journey. Ramazzotti evokes his childhood and youth: the noise of the street where he was born, the children’s soccer games. It takes me back to my Cuban childhood: baseball was our sport, but we had all enjoyed Maradona’s Argentina in Mexico 1986. Because of that convergence, the 1990 World Cup in Italy, Eros’s homeland, also had Maradona, who does not “grow tired of playing the ball,” and Goycochea, who in my memory does not grow tired of saving penalties. When I listen to “Música es,” they come back more vividly, along with that unforgettable runner-up finish.
In short, music is one of the most sublime human experiences: memory, therapy, and a language that needs no translation to move us. A world without music is unimaginable, and “Música es” reminds me of that every time I listen to it.
