Synopsis: The legend of Popeye haunts a group of young people who intend to renovate a "haunted" house, haunted by memories of a murder committed years ago at a kind of "summer camp" (especially for tourists who don't know the history of the place and what happened inside).

When it comes to horror, one of my favorite subgenres is slasher (thanks to the 70s, 80s and 90s for still supplying us with countless projects that are worth watching and rewatching over the years). I appreciate all the authenticity that these projects try to bring (even though, for the most part, they are low-budget) to this type of subgenre, even though it is something so subjugated by the general public. However, in the case of this specific movie, everything is really a big mess of epic proportions, where there is not a single aspect that really works well.

Bloody Disgusting

It all begins with a supposedly didactic explanation (at an almost childish level, with drawings scribbled in a totally amateurish way in relation to the technique that was used to create the characters) about the origin of Popeye and his deformed arms with superhuman strength. A narrative introduction that could have been something even curious in relation to everything that was to come, but the way things were done brings no credibility whatsoever to the script. Then, the movie really begins, with an opening sequence as embarrassing as the entire movie itself.

When a group of teenagers from the town of Sweetville (yes, you read that right... this is indeed the name of the fictional town in this movie) get together to renovate the house where Popeye lived as a child (a material possession that the "protagonist's" mother received, in a totally random way) and turn this place into a "tourist attraction" with considerable financial potential (with the horror stories that haunt the territory as its main attraction), the mysteries of the place begin to be revealed. However, the teenagers start disappearing one by one until this happens.

ACMODASI

After watching the trailer, I already knew the movie would be bad, and no, I really don't mind when that happens. The idea when watching these specific movies is simply to have fun amidst the horror and with all the creativity of the screenwriters (because they have more freedom to do it independently), but in the case of this project, not even the fun aspect was evoked throughout its less than 80 minutes. Quite the contrary, here is the worst slasher horror experience I've had the displeasure of watching this year (and no... I'm not exaggerating).

Nothing that was attempted works within this script, which is simply awful in every possible and impossible aspect to be thought of. The plot is totally absurd, and without any kind of solid foundation to support what is trying to be built on screen. The big problem with the script is not the idea being nonsense, it's precisely staying within this segment without trying to explain what is happening in a logical way. All the narrative aspects of the movie are summarized in one or two lines of explanation, which are embarrassingly included in the script.

Prime Video

Featuring a remarkable parade of stupid characters, built upon all the clichés of this subgenre (the drugged-up boy, the rich girl, the bully, the promiscuous girl, the benevolent girl, the good guy, and the vigilante girl), the cast delivers a deplorable performance. It had been a long time since I'd seen a slasher movie with such poor acting. All the actors and actresses here, without exception, are terrible (as are their respective characters, who, incidentally, don't hesitate to take totally stupid actions in any and every dangerous situation).

There are moments when the script tries to shock the audience with violently bloody scenes, but what could have been visceral and very creative gore actually becomes a big joke considering how it was all done. The technical aspects are also a real disaster (with the sole exception of the use of fog, which, even though it's somewhat exaggerated, still managed to bring a bit of "sobriety" to create an atmosphere more characteristic of the theme) and did nothing to improve what was already bad (and everything gets worse as the movie progresses).

MovieWeb

Popeye's Revenge was (shamefully) directed by William Stead, from a screenplay by the duo Harry Boxley and E.C. Segar, and I'm going to make sure I never watch anything involving those three people again, because the level of frustration with this project was beyond normal (at least in my opinion). This is the kind of movie I would be more than happy to forget, and at the same time, make up for the wasted time spent watching it. Nothing in this movie works well, not even the clear references to the animated characters.

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CRÍTICA DE PELÍCULA: “Popeye's Revenge” (2025)

Sinopsis: La leyenda de Popeye persigue a un grupo de jóvenes que pretenden renovar una casa supuestamente embrujada, atormentada por los recuerdos de un asesinato cometido años atrás en una especie de campamento de verano (especialmente para turistas que desconocen la historia del lugar y lo que allí ocurrió).

En cuanto al terror, uno de mis subgéneros favoritos es el slasher (gracias a los 70, 80 y 90 por seguir brindándonos innumerables películas que vale la pena ver y volver a ver a lo largo de los años). Aprecio la autenticidad que estas producciones intentan aportar (aunque, en su mayoría, sean de bajo presupuesto) a este subgénero, a pesar de ser tan poco popular entre el público general. Sin embargo, en el caso de esta película en particular, todo es un auténtico desastre, donde ningún aspecto funciona realmente bien.

Todo comienza con una explicación supuestamente didáctica (a un nivel casi infantil, con dibujos garabateados de forma totalmente amateur en relación con la técnica utilizada para crear los personajes) sobre el origen de Popeye y sus brazos deformes con fuerza sobrehumana. Una introducción narrativa que podría haber resultado incluso curiosa en relación con lo que vendría después, pero la forma en que se hizo no le aporta ninguna credibilidad al guion. Entonces, la película empieza de verdad, con una secuencia inicial tan bochornosa como la película misma.

Cuando un grupo de adolescentes del pueblo de Sweetville (sí, has leído bien... este es el nombre del pueblo ficticio de la película) se reúne para renovar la casa donde Popeye vivió de niño (una posesión material que la madre del "protagonista" recibió de forma totalmente fortuita) y convertirla en una "atracción turística" con un considerable potencial económico (con las historias de terror que acechan en el lugar como principal atractivo), los misterios del sitio comienzan a desvelarse. Sin embargo, los adolescentes comienzan a desaparecer uno por uno hasta que esto sucede.

Después de ver el tráiler, ya sabía que la película sería mala, y no, la verdad es que no me importa cuando eso pasa. La idea al ver este tipo de películas es simplemente divertirse con el terror y la creatividad de los guionistas (ya que tienen más libertad para ser independientes), pero en este caso, ni siquiera se logró ese aspecto divertido en sus menos de 80 minutos. Todo lo contrario, esta es la peor experiencia de terror slasher que he tenido la desgracia de ver este año (y no... no exagero).

Nada de lo que se intentó funciona en este guion, que es simplemente horrible en todos los sentidos imaginables. La trama es totalmente absurda y carece de cualquier base sólida que la sustente. El gran problema del guion no es que la idea sea nonsense, sino que se queda estancada en este segmento sin intentar explicar lo que sucede de forma lógica. Todos los aspectos narrativos de la película se resumen en una o dos líneas de explicación, que resultan vergonzosas al estar incluidas en el guion.

Con un desfile interminable de personajes estúpidos, basados en todos los clichés del subgénero (el chico drogado, la chica rica, el matón, la chica promiscua, la chica bondadosa, el chico bueno y la justiciera), el reparto ofrece una actuación deplorable. Hacía mucho tiempo que no veía una película de terror slasher con tan mala actuación. Todos los actores y actrices, sin excepción, son pésimos (al igual que sus respectivos personajes, quienes, dicho sea de paso, no dudan en cometer estupideces en cualquier situación de peligro).

Hay momentos en que el guion intenta impactar al público con escenas violentamente sangrientas, pero lo que podría haber sido gore visceral y creativo se convierte en una broma de mal gusto, considerando cómo se hizo. Los aspectos técnicos también son un verdadero desastre (con la única excepción del uso de la niebla, que, aunque algo exagerada, logró aportar un poco de "sobriedad" para crear una atmósfera más característica del tema) y no hicieron nada por mejorar lo que ya era malo (y todo empeora a medida que avanza la película).

Popeye's Revenge fue dirigida (vergonzosamente) por William Stead, con guion de Harry Boxley y E.C. Segar, y me aseguraré de no volver a ver nada relacionado con ellos tres, porque la frustración que me produjo este proyecto fue desmesurada (al menos en mi opinión). Es el tipo de película que me encantaría olvidar, y al mismo tiempo, recuperar el tiempo perdido viéndola. Nada en esta película funciona bien, ni siquiera las claras referencias a los personajes animados originales.

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CRÍTICA DE FILME: “A Vingança de Popeye” (2025)

Sinopse: A lenda do Popeye assombra um grupo de jovens que pretendem reformar uma casa “mal-assombrada” pelas lembranças de um assassinato cometido anos atrás em uma espécie de “acampamento de verão” (especialmente para os turistas que não conhecem a história do lugar e o que aconteceu dentro dele).

Quando o assunto é horror, um dos meus subgêneros favoritos é o slasher (obrigado aos anos 70, 80 e 90 por nos abastecer até hoje com incontáveis projetos que valem à pena serem assistidos e reassistidos ao longo dos anos). Eu aprecio toda a autenticidade que esses projetos tentam trazer (ainda que em sua maioria, com baixo orçamento) para esse tipo de subgênero mesmo sendo algo tão subjugado pelo grande público. No entanto, no caso deste filme em específico, tudo é realmente uma grande bagunça de proporções épicas, onde não há um único aspecto que realmente funciona bem.

Tudo começa com uma explicação supostamente didática (em um nível quase infantil, com desenhos rabiscados de um jeito totalmente amador em relação a técnica que foi utilizada para criar os personagens) sobre a origem do Popeye e seus braços deformados com força sobre-humana. Uma introdução narrativa que poderia ter sido algo até curioso com relação a tudo o que estava por vir, mas o como como as coisas foram feitas não traz credibilidade algum para o roteiro. Em seguida, o filme começa de verdade, com uma sequência de abertura tão vergonhosa quanto todo o próprio filme.

Quando um grupo de adolescentes da cidade de Sweetville (sim, você não leu errado... este é mesmo o nome da cidade fictícia deste filme) se reúne para reformar a casa onde o Popeye viveu enquanto criança (um bem material que à mãe da “protagonista” recebeu, de uma maneira totalmente aleatória por sinal) e fazer desse lugar um “ponto turístico” de potencial financeiro considerável (tendo como principal atração as histórias de horror que assombram o território), os mistérios do lugar começam a ser revelados. Porém, os adolescentes vão desaparecendo um por um até isso acontecer.

Depois de ter assistido ao trailer, eu já sabia que o filme seria ruim, e não, eu realmente não ligo quando isso acontece. A ideia ao assistir esses filmes em especifico, é simplesmente me divertir no meio do horror e com toda a criatividade dos roteiristas (porque eles têm mais liberdade para fazer isso de maneira independente), mas no caso deste projeto, nem mesmo o aspecto divertido foi evocado ao longo dos seus menos de 80 minutos. Muito pelo contrário, eis aqui a pior experiência de horror slasher que eu tive o desprazer de assistir este ano (e não... eu não estou sendo exagerado).

Nada do que foi tentado funciona dentro desse roteiro, que é simplesmente horrível em todos os aspectos possíveis e impossíveis de serem pensados. A trama é totalmente absurda, e sem ter nenhum tipo de alicerce sólido que sustente o que está tentando ser construído na tela. O grande problema do roteiro não é a ideia ser nonsense, é justamente se manter dentro desse segmento sem tentar explicar o que está acontecendo de uma maneira lógica. Todos os aspectos narrativos do filme são resumidos a uma ou duas linhas de explicações, que são embaraçosamente incluídas no roteiro.

Trazendo um notável desfile de personagens estúpidos, e construídos em cima de todos os clichês desse subgênero (o garoto drogado, a garota patricinha, o garoto valentão, a garota vadia, a garota benevolente, o bom moço e a garota justiceira), o elenco traz uma performance deplorável. Já fazia muito tempo que eu não assistia a um filme slasher com uma carga de atuação tão ruim. Todos os atores e atrizes aqui, sem exceção, são péssimos (assim como seus respectivos personagens, que aliás, não se privam de tomar atitudes totalmente estúpidas de toda e qualquer situação de perigo).

Há momentos em que o roteiro quer tentar chocar o público com cenas violentamente sangrentas, mas o que poderia ter sido um gore visceral e muito criativo, na verdade se torna em uma grande piada considerando como tudo foi feito. Os aspectos técnicos também são verdadeiro desastre (com a única exceção do uso da neblina, que mesmo sendo algo exagerado, ainda conseguiu trazer um pouco de “sobriedade” para criar uma atmosfera mais característica do tema) e não ajudaram em nada a melhorar tudo o que já estava ruim (e tudo fica pior à medida em que o filme vai avançando).

A Vingança de Popeye foi (vergonhosamente) dirigido William Stead, sob o argumento da dupla de roteiristas formada por Harry Boxley e E.C. Segar, e eu vou me certificar de nunca mais assistir nada que envolva essas três pessoas, porque o nível de frustração com este projeto foi algo para além do normal (ao menos no meu ponto de vista). Esse é aquele tipo de filme que eu teria o maior prazer de esquecer, e ao mesmo tempo, recuperar o tempo desperdiçado para poder assisti-lo. Nada nesse filme funciona bem, nem mesmo as referências claras que são feitas aos personagens originais animados.

En lo que posiblemente sea el film independiente con mejor promoción en el 2025, "Good Boy" relata la historia de "Indy" un perro de raza "Retriever de Nueva Escocia" quien es el fiel compañero de "Todd", un joven hombre que después de padecer problemas de salud decide irse a vivir junto a su fiel amigo a la cabaña abandonada de su abuelo; lo que no sabe Scott es que en ese alejado lugar se encuentra un ente oscuro que le acechará en cada momento y solamente tendrá como defensa a un fiel compañero que hará todo lo posible para salvarlo; con esa simple sinopsis creo que no había nada más que esperar de este film que usa el terror sobrenatural para relatar la vieja historia de amistad entre el perro y el hombre, pero que anteriormente fue relatada desde el punto de vista del humano y que en esta oportunidad, sin humanizar a la mascota, se decide dar todo protagonismo al perro.

In what is possibly the best-promoted independent film of 2025, Good Boy tells the story of Indy, a Nova Scotia Duck Tolling Retriever who is the faithful companion of Todd, a young man who, after suffering health problems, decides to go and live with his loyal friend in his grandfather's abandoned cabin. What Scott doesn't know is that in that remote place there is a dark entity that will stalk him at every turn, and his only defense will be his faithful companion, who will do everything possible to save him. With this simple synopsis, I think there was nothing more to expect from this film, which uses supernatural horror to tell the old story of friendship between man and dog, but which was previously told from the human point of view. This time, without humanizing the pet, they decides to give the dog the leading role.

Fuente / Source

La perspectiva de quién relata la historia en un film siempre es un factor relevante y en mi opinión es lo que determina al verdadero protagonista, ya que es quién debemos conectar para de alguna manera sentir empatía o hasta aberración; en esta oportunidad la empatía estaba más que ganada por quien debe ser el guía en toda la historia; creo que esa es una excelente decisión por parte de Alex Cannon y el director del film, Ben Leonberg, al momento de escribir el guion que seguramente al no presentar tantos diálogos, se puede pensar que fue el más fácil de escribir, pero creo que había mucha experiencia personal en poder plasmar la relación de los dos personajes principales y lo cual es de suma importancia para el desarrollo de la historia y como dije con anterioridad, para crear una completa empatía hacia la historia, ya que personas que tienen mascotas pueden sentirse relacionadas con varias de las escenas.

The perspective of the person telling the story in a film is always an important factor and, in my opinion, it is what determines the true protagonist, since it is the person we must connect with in order to feel empathy or even revulsion. In this case, empathy was more than earned by the person who should be the guide throughout the story. I think this was an excellent decision by Alex Cannon and the film's director, Ben Leonberg, when writing the script. Since there isn't much dialogue, one might think it was the easiest script to write, but I believe it took a lot of personal experience to capture the relationship between the two main characters, which is extremely important for the development of the story and, as I said before, to create complete empathy with the story, since people who have pets can relate to several of the scenes.

Fuente / Source

La manera de enfocar la narrativa desde la perspectiva del perro era sin ninguna duda lo que más me causó expectativa; en mi opinión, Leonberg hizo un correcto trabajo al espectador en la visual del Indy, y no solo eso, también se enfocó en la manera en como funciona su audición y olfato, siendo herramientas que nos ayuda a conocer como percibe el mundo que rodea; todas esas características ayudan a impulsar los elementos de terror y suspenso en esta historia, ya que es Indy quien supuestamente ve y percibe la maldad que rodea a su amigo y eso siempre hace que exista la sensación de estar alerta a cualquier amenaza que padezca Todd; ahora, como es de esperar, la historia no solo se debe enfocar en la perspectiva del perro, Leonberg tiene la oportunidad de realizar tomas que desarrollan la historia, principalmente la relación entre Todd e Indy, son momentos breves, pero necesarios que ayudan al espectador a saber el porqué deben ambos personajes experimentar el terror que los acecha.  

The way the narrative was approached from the dog's perspective was undoubtedly what excited me the most. In my opinion, Leonberg did a good job of showing the viewer Indy's visual perspective, and not only that, but he also focused on how his hearing and sense of smell work, which are tools that help us understand how he perceives the world around him. All these characteristics help to drive the elements of horror and suspense in this story, as it is Indy who supposedly sees and senses the evil surrounding his friend, which always makes us feel alert to any threat Todd may face. Now, as expected, the story should not only focus on the dog's perspective. Leonberg has the opportunity to shoot scenes that develop the story, mainly the relationship between Todd and Indy. These are brief but necessary moments that help the viewer understand why both characters must experience the terror that haunts them.  

Fuente / Source

El perro que protagoniza este film, es la mascota de Leonberg, así que no le dificultó hacerse con el rol principal de la película; Indy quien interpreta a "Indy", es el mejor personaje, es un amigo incondicional, protector, preocupado, dispuesto a todo para ayudar a su dueño; la manera de como está escrito es excelente porque como protagonista debe explorar y buscar primeramente una respuesta y después una solución para salvarse él y a "Todd", justamente eso es lo que me ha gustado de Indy porque no se limita a ladrar, dormir y nada más, su rol es de proteger y hacer todo lo posible para ayudar; no hay ninguna duda que como personaje está escrito como homenaje a todo can que ayudo a su dueño y amigo a solventar cualquier problema o ser un gran acompañante en la vida.

The dog that stars in this film is Leonberg's pet, so it wasn't difficult for him to land the lead role in the movie. Indy, who plays "Indy," is the best character. He is an unconditional friend, protective, caring, and willing to do anything to help his owner. The way he is written is excellent because, as the protagonist, he must first explore and search for an answer and then a solution to save himself and "Todd." That's exactly what I liked about Indy because he doesn't just bark, sleep, and nothing else. His role is to protect and do everything possible to help. There is no doubt that as a character he is written as a tribute to every dog who has helped his owner and friend solve any problem or been a great companion in life.

Fuente / Source

Good Boy es un film sumamente corto y ese es un gran punto a favor; considero que es una historia muy bien planeada que explora la relación entre un humano y un perro, la importancia del acompañante y la fidelidad, creo que es lo que más me ha gustado del relato porque funciona muy bien en el momento en que el terror hace aparición en la historia lo cual es muy bien usado y no es exagerado lo cual sumo a lo pausado del relato a pesar de ser como señalé, ser un film con una corta duración, pero es bastante correcto que funciona bien con respecto a su definición de ser terror sobrenatural lo cual aprecio a pesar de ser relatada desde la perspectiva de un perro. Mi consejo para quien decida ver está película es que como yo, no creen grandes expectativas, este es un film simple, con un presupuesto corto, con escenografías lúgubres, una historia oscura, en dónde la esperanza la provee un perro, uno que me hizo recordar a todo amigo incondicional que he tenido en todos mis años y que me generó más aprecio a Roky, mi perro actual y al que le dedicó esta reseña.

Good Boy is an extremely short film, which is a big plus; I think it's a very well-planned story that explores the relationship between a human and a dog, the importance of companionship and loyalty. I think that's what I liked most about the story because it works very well when the horror appears in the story, which is very well used and not exaggerated, which adds to the slow pace of the story despite being, as I pointed out, a short film. but it is quite accurate and works well in terms of its definition as supernatural horror, which I appreciate despite it being told from a dog's perspective. My advice to anyone who decides to watch this film is that, like me, they should not have high expectations. This is a simple film, with a low budget, gloomy sets, and a dark story, where hope is provided by a dog, one that reminded me of all the unconditional friends I have had over the years and made me appreciate Roky, my current dog, even more. This review is dedicated to him.

Esta semana no he tenido una película o serie que me deje una buena impresión, de esas especiales, de las que terminan bien. Hasta ahora la única que me llamo la atención tuvo unos excelentes artistas y por eso volvieron la historia muy llamativa y de comportamiento muy humano.

Nos han dejado un final que cada quien le pondrá su punto final. Para algunos será un buen final pero para otros les quedará la duda si lo encuentran.

Es una película estadounidense de mucho suspenso del 2013. Las escenas fuertes se insinúan pero no se muestran algunas tan directamente, pero si nos dejan en mucho suspenso.

This week I haven't seen a movie or series that really stood out, one of those special ones that have a satisfying ending. So far, the only one that caught my attention had excellent actors, which made the story very compelling and portrayed very human characters.

They left us with an ending that everyone will interpret in their own way. For some, it will be a satisfying conclusion, but for others, it will leave them wondering if they can find the right ending.

It's a 2013 American thriller. The intense scenes are hinted at, but some aren't shown explicitly, leaving us in suspense.

Fuente/Source filmaffinity

La película nos cuenta el secuestro de dos niñas en Pensilvania en el día de acción de gracias donde dos familias se reúnen para celebrarlo. Comienza una búsqueda del culpable por parte de la policía. Un vehículo visto por el hermano de una de las niñas cerca de la casa, lleva a la policía a la detención de un sospechoso.

El sospechoso en liberado ya que no hay nada que indique que las niñas estuvieron allí. El detective a cargo del caso, se da cuenta que el coeficiente intelectual del sospechoso le impide ser el autor del secuestro. Llega el momento que el padre de una de las niñas decide tomar la justicia por su mano torturándolo hasta que confiese. Se van descubriendo o enlazando con otros casos que tampoco han sido resueltos. Hay muchos niños desaparecidos en años atrás.

Yo particularmente observo las diferentes reacciones que puede tener un padre y la familia, ante el secuestro o la desaparición de un hijo, algunos no quieren saber nada, otros se sienten culpables y otros se presionan mucho para encontrarlo. La verdad es que nadie sabe cual va a ser su reacción en estas circunstancias.

La película narra el secuestro de dos niñas en Pensilvania y la posterior búsqueda del culpable por parte de la policía. Tras la detención y posterior liberación de un joven sospechoso, el padre de una de las niñas decide tomar la justicia por su mano.

The film tells the story of the kidnapping of two girls in Pennsylvania on Thanksgiving Day, where two families are gathered to celebrate. A police search for the culprit begins. A vehicle seen by the brother of one of the girls near the house leads the police to the arrest of a suspect.

The suspect is released since there is no evidence that the girls were there. The detective in charge of the case realizes that the suspect's IQ makes him unlikely to be the perpetrator of the kidnapping. The moment arrives when the father of one of the girls decides to take justice into his own hands, torturing him until he confesses. The case is uncovered or linked to other unsolved cases. There are many missing children from years past.

I personally observe the different reactions that a parent and family can have to the kidnapping or disappearance of a child; some want nothing to do with it, others feel guilty, and still others put immense pressure on themselves to find them. The truth is, no one knows how they will react in these circumstances.

The film tells the story of the kidnapping of two girls in Pennsylvania and the subsequent police search for the culprit. After the arrest and later release of a young suspect, the father of one of the girls decides to take justice into his own hands.

Youtube

Un padre Keller Dover se enfrenta a la peor de las pesadillas: Anna, su hija de seis años, ha desaparecido con su amiga Joy. Las horas y los días van pasando, ha leído que las probabilidades de encontrarlas con vida se van acortando.

Es un padre que reacciona desesperado y decide ocuparse personalmente de encontrar a su hija y su amiga. Pero, ¿hasta dónde está dispuesto una persona, en este caso un padre para averiguar quien se llevo a su hija y donde la tiene?

La película un poco lenta al principio comienza a ir tomando ritmo mientras te va acumulando varias historias anteriores, que al final se enlazan perfectamente. No te lo dice simplemente te lo va mostrando. Tienes que estar atento a los detalles que te va ensartando en la historia.

Y como te dije al principio y si eres como yo que siempre quiero saber de que trata la película y si termina bien, no sabría que tanto decirte.

La película con su suspenso y saltos de tiempo; me gusto. Nos dejaron el último capítulo con alguna duda, para que el espectador pensara a su gusto, si lo encontraron o no.

A father, Keller Dover, faces his worst nightmare: his six-year-old daughter, Anna, has disappeared along with her friend Joy. As the hours and days pass, he's read that the chances of finding them alive are dwindling.

As a desperate father, he decides to personally take matters into his own hands and find his daughter and her friend. But how far is a person, in this case a father, willing to go to find out who took his daughter and where she is?

The film, a bit slow at first, gradually picks up pace as it weaves together several previous storylines, which ultimately intertwine perfectly. It doesn't tell you everything; it simply shows you. You have to pay attention to the details it subtly weaves into the narrative.

And as I said at the beginning, if you're like me and always want to know what the movie is about and if it has a happy ending, I'm not sure what to tell you.

I enjoyed the film, with its suspense and time jumps. They left us with a cliffhanger at the end, allowing the viewer to decide for themselves whether they found them or not.

_{Fotos con fuente identificadas Traducido con google (versión gratuita)}

_{Photos with source identified Translated with google (free version)}

¡Gracias por tu visita/Thank you for your visit!

Compared to other great names in film history, Stanley Kubrick's filmography is brief, little more than a dozen films; however, his impact and talent are undeniable. We owe him such diverse gems as Spartacus, A Clockwork Orange, Barry Lyndon, The Shining, and the iconic 2001: A Space Odyssey. Had he made just one of these films, he would have gone down in history, but he made them all. All of these and more, including the one I'm bringing you today.

En comparación con otros grandes nombres de la historia del cine, la filmografía de Stanley Kubrick es breve, poco más de una decena de películas; sin embargo, su impacto y talento no tienen discusión alguna. A él debemos joyas tan diversas como Spartacus, A Clockwork Orange, Barry Lyndon, The Shining o la icónica 2001: A Space Odyssey. Con que hubiera hecho una sola de estas películas, habría pasado a la historia, pero él las hizo todas. Todas estas y otras más, incluyendo la que les traigo hoy.

In 1964, two years after his adaptation of Lolita with a screenplay by Vladimir Nabokov himself, Kubrick bequeathed us a critical, incisive, and beautifully filmed cinematic gem about the Cold War. From its long, ironic, and humorous title, Dr. Strangelove, or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb is a prime example of satire brought to the big screen. The film begins twenty years after World War II with an American general ordering the deployment of the so-called Wing Attack Plan R, which involves sending B-52 bombers to drop nuclear warheads on various strategic points in the Soviet Union. This plan existed as a contingency plan in the event of a Russian attack on American soil, but has an attack actually occurred? Due to the plan's own protocols, both the base and the planes heading to the USSR are isolated and without any means of communication. Then, in Washington, the President of the United States meets with his top officials in a roundtable discussion that also includes the Russian ambassador to inform him of a situation that sounds like this: American planes are currently en route to drop atomic bombs on Russian soil, but neither the President nor his cabinet has given the order; moreover, they want to abort the plan, but there's no way to bring them back. So, the only alternative for the Americans to avoid a third world war—nuclear this time—is to help their ideological enemies—the Soviets—shoot down their own planes.

En 1964, dos años después de su adaptación de Lolita con guion del propio Vladimir Nabokov, Kubrick nos legó una joya cinematográfica crítica, incisiva, bellamente filmada, sobre la guerra fría. Desde ese largo, irónico y gracioso título, Dr. Strangelove, or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb es una muestra de la mejor sátira llevada a la gran pantalla. La película inicia veinte años después de la segunda guerra mundial con la orden de un general norteamericano de desplegar el llamado Plan de Ataque R que implica enviar aviones B-52's a bombardear con cargas nucleares diferentes puntos estratégicos en suelo soviético. Este plan existía como alternativa de respuesta ante un eventual ataque ruso sobre suelo norteamericano, pero ¿realmente ha ocurrido un ataque? Debido a los protocolos del plan en sí mismo, tanto el cuartel base como los aviones que se dirigen a la U.R.S.S. quedan aislados y sin posibilidad de comunicación. Entonces, en Washington, el presidente de los Estados Unidos se reúne con su altos mandos en una mesa redonda que además incluye al embajador ruso para que esté al tanto de una situación que suena más o menos así: aviones norteamericanos se dirigen en este momento a dejar caer bombas atómicas en suelo ruso, pero ni el presidente ni sus ministros han dado la orden; es más, quieren abortar el plan, pero no hay forma de hacerlos volver, así que la única alternativa de los yankees para evitar una tercera guerra mundial - nuclear esta vez - es ayudar a sus enemigos ideológicos - los soviéticos - a derribar sus propios aviones.

Scene from the movie | Escena de la película

However, what further aggravates this situation is that the Russian ambassador reveals the existence on Soviet soil of the Doomsday Machine, an enormous machine with the nuclear capacity to destroy the entire world, which activates automatically in the event of any attack on the Russians. Until then, it had been conceived as a deterrent, to discourage anyone from launching an attack against them that could also destroy the entire planet. But since its existence had not been made public, now there is only one solution: either all the planes on a mission to attack the USSR are shot down, or life on planet Earth will disappear.

Ahora bien, lo que agrava más esta situación es que el embajador ruso revela la existencia en suelo soviético de la Doomsday Machine, una máquina enorme con la capacidad nuclear de hacer explotar el mundo entero y que se activa automáticamente ante cualquier ataque que sufran los rusos. Hasta entonces había sido concebida como una medida disuasoria, para que nadie se atreviera a enviar contra ellos un ataque que pudiera además acabar con el planeta entero, pero como no se había publicado su existencia, ahora la única salida es una: o se derriban todos los aviones que van con la misión de atacar la U.R.S.S. o la vida en el planeta tierra desaparecerá.

In broad strokes, that's the plot of Dr. Strangelove, which would make for a gripping thriller, but Kubrick had something else in mind when adapting Peter George's novel Red Alert: a hilarious black comedy. Despite the seriousness of the situation, Kubrick highlights the absurd and humorous elements of the plot, such as the sheer number of security protocols (and their vulnerability), the ideological struggle (and the stark differences between those ideologies), the absurdity of the logic of war, and offers critical (yet truthful) portrayals of ideas like patriotism, sexism, power, and authority. Furthermore, it plays with the names of things; characters named Jack D. Ripper or T.J. "King" Kong, or places with funny names, are another element of the comedy. But if this film manages to be a great work, it's not only thanks to these details but above all to the technical resources employed by Kubrick and the performances of a great cast that includes names like the experienced George C. Scott playing General Buck Turgidson and a debuting James Earl Jones. Yes, Darth Vader himself made his first appearance on the big screen in Dr. Strangelove as a B-52 bomber pilot. And leading all the performances is the great Peter Sellers, in charge of not one, not two, but three of the characters in the story. When was the last time you saw an actor play three different roles in the same film?

A grandes rasgos, ese es el argumento de Dr. Strangelove..., lo que daría para un trepidante thriller, pero Kubrick tenía otra cosa en mente a la hora de adaptar la novela Red Alert de Peter George: una hilarante comedia negra. A pesar de lo seria de la situación, Kubrick realza los elementos absurdos y graciosos de la trama como la cantidad de protocolos de seguridad (y su vulnerabilidad), la lucha ideológica (y las marcadas diferencias de esas ideologías), lo estúpido de la lógica bélica y hace retratos críticos (pero con mucha verdad) sobre ideas como patriotismo, machismo, poder y autoridad. Además, juega con los nombres de las cosas; personajes llamados Jack D. Ripper o T. J. "King" Kong; o lugares con nombres graciosos, son un elemento más de la comedia. Pero si esta película logra ser una gran obra, no es sólo gracias a esos detalles sino sobre todo a los recursos técnicos empleados por Kubrick y a las actuaciones de un gran elenco que incluye nombres como el del experimentado George C. Scott interpretando al General Buck Turgidson, personaje clave en la película; y al de un debutante James Earl Jones. Sí, el mismísimo Darth Vader hizo su primera aparición en la gran pantalla en Dr. Strangelove como bombardero de uno de los B-52's. Y al frente de todas las actuaciones tenemos al gran Peter Sellers, a cargo no de uno, ni de dos, sino de tres de los personajes de la historia, ¿cuándo fue la última vez que vieron a un actor interpretar tres papeles distintos en una misma película?

Peter Sellers

Sellers plays Captain Mandrake, a British officer and second-in-command at the base from which the attack is ordered; the President of the United States, Merkin Muffley; and the eccentric Dr. Strangelove, a former Nazi scientist now working for the Americans. These are very different characters, physically, in their acting styles, and in their personalities, and Sellers shines in all of them, carrying a great deal of the plot and the success of this film on his shoulders—a film I can't forgive myself for not having seen sooner. It is truly one of the best black comedies I've ever seen and one of the best critiques of war, power, and excessive patriotism there is.

Sellers interpreta al capitán Mandrake, británico y segundo al mando en la base desde la que se ordena el ataque; al Presidente de los EEUU, Merkin Muffley; y al excéntrico Dr. Strangelove, un antiguo científico nazi ahora al servicio de los norteamericanos. Son personajes muy diferentes, en lo físico, lo interpretativo y en la personalidad y Sellers brilla en todos ellos llevando sobre sus hombros gran peso de la trama y del éxito de esta película que no me perdono no haber visto antes. En verdad es una de las mejores comedias negras que he visto en mi vida y una de las mejores críticas que existen contra la guerra, el poder y el exceso de patriotismo.

Dr. Strangelove received four Oscar nominations (picture, director, actor and screenplay) but went home empty-handed after a gala that brought together iconic works such as Mary Poppins, Zorba the Greek, Beckett, James Bond's Goldfinger and Les Parapluies de Cherbourg, and where the big winner of the night was George Cukor's My Fair Lady, which took home eight statuettes. But time has established Kubrick's dark comedy as one of the greatest comedies in history, one of the most influential films of all time, and it has been deemed "culturally, historically, and aesthetically significant" by the Library of Congress, which selected it for preservation in the National Film Registry. There are iconic moments and scenes in the film, such as the general in a hat riding a nuclear bomb as if it were a horse, or that impeccable and legendary round table sequence at the war council (copied by the band Muse in their video for "Time Is Running Out"), conversations that are funny because of their absurdity and realism, jokes like the one about the renowned Dr. Strangelove's former surname, Merkwürdigliebe (which literally means "Strange Love"), and details like the fact that only one female character appears in the entire film. One. Dr. Strangelove, or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb is a prime example of cinema at its best, Kubrick at his best, and best humor at its best. It's worth watching, recommending, rewatching, and enjoying as the gem it is. Who among you has already seen it? Let me know in the comments.

Dr. Strangelove obtuvo cuatro nominaciones al Oscar (película, director, actor y guion) pero se fue a casa con las manos vacías tras una gala que reunió obras icónicas como Mary Poppins, Zorba the Greek, Becket, la Goldfinger de James Bond y Les Parapluies de Cherbourg y en donde la gran ganadora de la noche fue My Fair Lady de George Cukor que se llevó ocho estatuillas. Pero el tiempo se ha encargado de situar la comedia negra de Kubrick como una de las mejores comedias de la historia, una de las películas más influyentes de todos los tiempos y ha sido considerada "cultural, histórica y estéticamente significativa" por la Biblioteca del Congreso de los EEUU quienes la seleccionaron para su preservación en el National Film Registry. Hay momentos y escenas muy icónicas en la cinta, como la de un general con sombrero montando una bomba nuclear como si fuese un caballo, o esa impecable y mítica secuencia de la mesa redonda del concilio de guerra (copiada por la banda Muse en su video de Time is Running Out), conversaciones graciosas por lo absurdas y realistas que son, chistes como el del antiguo apellido del renombrado Dr. Strangelove, Merkwürdigliebe (que en español significa literalmente Amor extraño) y detalles como el hecho de que aparezca un único personaje femenino en toda la cinta. Uno. Dr. Strangelove, or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb es una muestra del mejor cine, del mejor Kubrick, del mejor humor y vale la pena verla, recomendarla, volver a verla y disfrutarla como la joya que es, ¿quiénes de ustedes ya la han visto? Los leo en los comentarios.

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3 x 1: This Girl Is Everywhere! |

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Yes, Halloween is over, but as I mentioned in my previous post about this special curation I decided to do in October (about horror and suspense movies), today is the day to publish one last text related to this contest. I wanted to be able to help more people, but I have to focus on what I can do alone, and that's exactly what I decided to focus on when restricting this new round of awards only to those who have already been selected.

The idea here was very simple (just like this post... which was written only to close with a high note, what I intend to repeat next year, or whenever there is a special date that can be related to movies), and what I did to select the last winners of this contest was to go back a few weeks, reread all the content that I had chosen and that was published by each of them. Arriving then, at a new result and distributing the prizes.

In summary, considering the relevance of the content (text structures, coherence of ideas, immersion in the themes were some of my evaluation criteria along the way) and all the consistency in participation in the contest (in general), I chose @nattosenpai, @erigm, @thomashnblum, @nameless16 and @naath to receive 2,000 ECENCY POINTS (each) as an extra prize, and the choice was not easy, considering that all those chosen did a very interesting and well-structured job.

New ideas (for other contests) are already popping into my mind, and I think that in December I might do something related to Christmas. For now, that's it, folks. I would like to thank everyone who was part of this contest, and I hope to see you all in the next ones that will certainly happen. Cinema has an infinite form of content, and that is precisely what I want to do with these contests: spread this content around the world.

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¿Truco o trato? | ROUND ESPECIAL.

Sí, Halloween ya pasó, pero como mencioné en mi publicación anterior sobre esta selección especial que decidí hacer en octubre (sobre películas de terror y suspenso), hoy es el día para publicar un último texto relacionado con este concurso. Quería poder ayudar a más personas, pero tengo que concentrarme en lo que puedo hacer solo, y eso es precisamente en lo que decidí centrarme al limitar esta nueva ronda de premios solo a quienes ya han sido seleccionados.

La idea era muy simple (igual que esta publicación... que escribí solo para cerrar con broche de oro, lo que pretendo repetir el próximo año, o cuando haya una fecha especial relacionada con el cine), y lo que hice para seleccionar a los últimos ganadores de este concurso fue revisar varias semanas atrás, releer todo el contenido que había elegido y que cada uno de ellos había publicado. Así llegué a un nuevo resultado y distribuí los premios.

En resumen, considerando la relevancia del contenido (la estructura del texto, la coherencia de las ideas y la inmersión en los temas fueron algunos de mis criterios de evaluación) y la constancia en la participación en el concurso (en general), elegí a @nattosenpai, @erigm, @thomashnblum, @nameless16 y @naath para recibir 2.000 PUNTOS ECENCY (cada) como premio adicional. La elección no fue fácil, ya que todos los seleccionados realizaron un trabajo muy interesante y bien estructurado.

Ya se me ocurren nuevas ideas (para otros concursos), y creo que en diciembre podría organizar algo relacionado con la Navidad. Por ahora, eso es todo. Me gustaría agradecer a todos los que participaron en este concurso y espero verlos en los próximos, que sin duda se celebrarán. El cine tiene un contenido infinito, y eso es precisamente lo que quiero hacer con estos concursos: difundirlo por todo el mundo.

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Doces ou Travessuras? | ROUND ESPECIAL.

Sim, o Halloween já acabou, mas como eu havia dito no meu post anterior sobre essa curadoria especial que eu decidi fazer no mês de outubro (sobre filmes de horror e suspense), hoje é dia de publicar um último texto relacionado a este concurso. Eu queria poder ajudar mais pessoas, mas tenho que focar no que eu posso fazer sozinho, e foi exatamente nisso que eu decidi focar ao restringir esta nova rodada de premiações apenas para aqueles que já foram selecionados.

A ideia aqui foi muito simples (assim como esse post... que foi escrito apenas para fechar com chave de ouro, o que eu pretendo repetir no próximo ano, ou quando houver alguma data especial que possa ser relacionada com filmes), e o que eu fiz para selecionar os últimos vencedores desse concurso foi voltar algumas semanas, reler todo conteúdo que eu havia escolhido e que foi publicado por cada um deles. Chegando então, a um novo resultado e distribuir os prêmios.

Em síntese, considerando a relevância de conteúdo (estruturas de textos, coerência de ideias, imersão nos temas foram alguns dos meus critérios de avaliação aqui) e a constância na participação do concurso (de um modo geral), eu escolhi @nattosenpai, @erigm, @thomashnblum, @nameless16 e @naath para receber 2.000 PONTOS ECENCY (cada) como premiação extra e a escolha não foi fácil, considerando que todos os escolhidos fizeram um trabalho muito interessante e bem estrutural.

Novas ideias (para fazer outros concursos) já estão pipocando na minha mente, e eu acho que em dezembro talvez eu faça algo relacionado ao Natal. Por enquanto é isso pessoal. Eu gostaria de agradecer a todos que fizeram parte deste concurso, e espero poder encontrar todos vocês nos próximos que certamente irão acontecer. Cinema tem uma forma de conteúdo infinita, e é justamente isso que desejo fazer com esses concursos: espalhar esse conteúdo mundo à fora.

I like stories about the despicable terrorists of ETA. I think it's important that there always be something to remind us of the atrocities committed by those who seek to impose their ideas by killing innocent people. It's something that must not be forgotten. Perhaps many people are tired of seeing this recurring theme. I think the same thing happens with the Spanish Civil War, because in film forums I always saw Spaniards complaining that their cinema was full of films about that war and the subsequent Franco dictatorship.

I remember the first thing I saw by this director was a long time ago, when I was a young man attending the film club in my city. Baton Rouge and No One Will Speak of Us When We Are Dead were those films. He is not so well known on this side of the pond, although he also directed the film adaptation of Alatriste. By the way, take note that he is the co-writer of J. A. Bayona's next film, an adaptation about the Civil War.

When I started watching the film, I couldn't help but make comparisons with The Infiltrator (if you want to know my opinion on that film, here's the link https://peakd.com/hive-166847/@jcrodriguez/the-infiltrator-or-film-review ). Both have some similarities, but also differences. If you haven't seen The Infiltrator, you can watch it after this one and you'll notice those similarities. The most obvious one is a sequence that takes place inside the apartment where the protagonist lives and has to shelter an important member of ETA for a while. Although The Infiltrator is inspired by a real agent, whose identity is protected, who spent eight years infiltrating ETA, the one in this film is a representation of different agents.

I don't want to say which one is better; that's not the point. On the contrary, I would recommend watching both films, which have very different forms and styles. I liked both of them. If I had to choose, I would probably go for Un fantasma en la batalla. What I am sure of is that both the film and the lead actress will be nominated at the next Goya Awards ceremony. Make a note of it.

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Me gustan las historias que tratan sobre los despreciables terroristas de ETA. Creo que es importante que siempre haya algo que nos recuerde las atrocidades cometidas por aquellos que buscan imponer sus ideas matando a personas inocentes. Es algo que no debe olvidarse. Quizás mucha gente esté cansada de ver este tema recurrente. Creo que ocurre lo mismo con la Guerra Civil Española, porque en los foros de cine siempre veía a españoles quejarse de que su cine estaba lleno de películas sobre esa guerra y la posterior dictadura de Franco.

Recuerdo que lo primero que vi de este director fue hace mucho tiempo, cuando yo era un joven que asisita al cine club de mi ciudad. Baton Rouge y Nadie hablarán de nosotras cuando estemos muertas fueron esas peliculas. El no es tan conocido a este lado del charco, aunque también dirigió la adaptación cinematográfica de Alatriste. Por cierto, tomen nota de que es el coguionista de la próxima película de J. A. Bayona, una adaptación que trata sobre la Guerra Civil.

Cuando empecé a ver la película, no pude evitar hacer comparaciones con La Infiltrada (si quieres saber mi opinión sobre esa película, aquí tienes el enlace https://peakd.com/hive-166847/@jcrodriguez/the-infiltrator-or-film-review ). Ambas tienen algunas similitudes, pero también diferencias. Si no has visto La Infiltrada, puedes verla después de esta y notarás esas similitudes. La más evidente es una secuencia que tiene lugar dentro del apartamento donde vive el protagonista y tiene que dar refugio a un miembro importante de ETA durante un tiempo. Aunque La Infiltrada está inspirada en un agente real, cuya identidad está protegida, que pasó ocho años infiltrado en ETA, el de esta película es una representación de diferentes agentes.

No quiero decir cuál es mejor; esa no es la cuestión. Al contrario, recomendaría ver ambas películas, que tienen formas y estilos muy diferentes. Me gustaron las dos. Si tuviera que elegir, probablemente me decantaría por Un fantasma en la batalla. De lo que estoy seguro es de que tanto la película como la actriz protagonista serán nominadas en la próxima ceremonia de los premios Goya. Apuntenlo.

The protagonist of the story is Amaia, a young civil guard who has the mission of infiltrating ETA, where she will spend several years gaining the trust of those bastards. She will be a key player in the major operation that located important places where ETA had stored weapons, a blow that completely weakened the terrorists.

It is important to note that these parasites are not glorified or portrayed as heroes. Of course, there are scenes in which the protagonist has conflicts, because she can become attached to one of those dogs, but it is not about sugarcoating the terrorists. They were and continue to be a bunch of human scum. Without being from that country, I am outraged to see that some former members of that terrorist group, which supported the killing of innocent people, are now free and even hold political office. A while ago, I saw one of those sons of bitches demanding respect, rights, etc. in a session. They are shameless, when they have many deaths on their conscience. Unfortunately, they are governed by scum who support those sons of bitches. How horrible!

The undercover agent cliché always follows the same pattern, but the movie is worth watching. Also, if you want to see more productions of this style, such as the already recommended La Infiltrada, I suggest you watch El Lobo, which was the first movie I saw about an undercover agent in ETA, based on a real person. It's quite old, from 2004, but if you want something more recent, I recommend the miniseries La línea invisible, which is about the rise of ETA and the moment they crossed that line, committing their first murder. None of these sugarcoat these scourges, because we must never forget, we must always remember, that these terrorists are murderers, they are scum, no matter how much they say they are repentant. They are a disgrace!

I hope you like the movie, it's on Netflix. Watch it and leave me your opinion in the comments.

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La protagonista de la historia es Amaia, una joven guardia civil que tiene la misión de infiltrarse en ETA, donde pasará varios años ganándose la confianza de esos cabrones. Ella será una pieza clave en la gran operación que localizó importantes lugares donde ETA tenía almacenadas armas, un golpe que debilitó por completo a los terroristas.

Es importante destacar que estos parásitos no son glorificados ni retratados como héroes. Por supuesto, hay escenas en las que la protagonista tiene conflictos, porque puede llegar a encariñarse con uno de esos perros, pero no se trata de edulcorar a los terroristas. Eran y siguen siendo un puñado de mierdas humanas. Sin ser de ese país, me indigna ver que algunos antiguos miembros de ese grupo terrorista, que respaldó la muerte de personas inocentes, ahora están libres e incluso ocupan cargos políticos. Hace un tiempo, vi a una de esas hijas de puta exigiendo respeto, derechos, etc. en una sesión. Son caraduras, cuando tienen muchas muertes en su conciencia. Por desgracia, están gobernados por escoria que apoya a esos hijos de puta. ¡Qué horror!

El cliché del infiltrado siempre sigue el mismo patrón, pero la película merece la pena. Además, si quieres ver más producciones de este estilo, como la ya recomendada La Infiltrada, te sugiero que veas El Lobo, que fue la primera película que vi sobre un infiltrado en ETA, basada en una persona real. Es bastante antigua, de 2004, pero si quieres algo más reciente, te recomiendo la miniserie La línea invisible, que trata sobre el surgimiento de ETA y el momento en que cruzaron esa línea, cometiendo su primer asesinato. Ninguna de estas endulza esas lacras, porque nunca hay que olvidar, siempre hay que recordar, que esos terroristas son asesinos, son escoria, por mucho que digan estar arrepentidos. ¡Son unas lacras!

Espero que te guste la película, está en Netflix. Mírala y déjame tu opinión en los comentarios.

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Greetings, movie and series lovers! 🎥

¡Saludos, amantes del cine y las series! 🎥

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Hello everyone, I hope you're all doing great, this time I want to bring a new review to this great community, I want to talk a little about a movie that I originally wanted to see, but I had mixed feelings about, it's: Trap. I always go in with that mix of excitement and nerves, because with this director you never know if you're going to leave with your mind blown or, well... scratching your head without understanding anything... look, I've always been a fan of Shyamalan, I'm not ashamed to say it, so chances are my opinion isn't the most objective, but I swear I went in with a super open mind, especially since I'd already seen that the reviews were divided, well... the experience was... quite a roller coaster, to start with, let's talk about the main idea, which is brutal and the best thing is that it's not even a spoiler, the trailer itself gives you everything! The thing goes like this: a dad, who is Josh Hartnett, takes his teenage daughter to a concert of a very famous pop star, a certain Lady Raven... the perfect father-daughter plan, right?

But suddenly, he realizes that the place is packed with police everywhere, here comes the good part, people: the entire concert, with thousands and thousands of people, is actually a giant trap by the FBI to catch a serial killer they haven't been able to catch, the twist, which I insist, the trailer throws in your face, is that the cool dad... he is the killer they're looking for. From that moment on, the film grabs you and doesn't let go, it's a super risky move, I mean, putting you in the villain's shoes from the very first minute... here we're not seeing the detective who solves the case, no! We’re inside the killer’s head as everything comes crashing down on him, it’s a pressure cooker that’s about to explode from the start… this is where I have to stand up and applaud Josh Hartnett… he’s incredible, the guy has so much charisma, he’s so nice, that he puts you in an uncomfortable place, because suddenly you realize that… you want him to get away!

Seriously, you end up caring about this psychopath, it’s like what Jake Gyllenhaal did in Nightcrawler or Tom Cruise in Collateral, they seduce you into rooting for the character you shouldn’t be rooting for, Hartnett nails that “cool dad” façade perfectly; on the outside he’s all smiles and kindness while he gets information out of everyone, but you can see in his eyes that inside his brain is going a mile a minute, calculating every step… literally, it’s a performance that takes the entire movie on its shoulders.

Hola a todos, espero que estén genial, en esta ocasión les quiero traer a esta genial comunidad una nueva reseña, les quiero hablar un poco de una película que quise ver en un principio, y obtuve sentimientos encontrados, se trata de: Trap. Siempre voy con esa mezcla de emoción y nervios, porque con este director uno nunca sabe si va a salir con la mente explotada o, pues... rascándose la cabeza sin entender nada.. miren, yo soy fan de Shyamalan desde siempre, no me da pena decirlo, así que chance y mi opinión no es la más objetiva, pero les juro que entré con la mente súper abierta, sobre todo porque ya había visto por ahí que las críticas estaban divididas, bueno... la experiencia fue... toda una montaña rusa, para empezar, hablemos de la idea principal, que es brutal y lo mejor es que ni siquiera es spoiler, ¡el mismo tráiler te lo suelta todo! La cosa va así: un papá, que es Josh Hartnett, lleva a su hija adolescente a un concierto de una estrella pop famosísima, una tal Lady Raven.. el plan perfecto de padre e hija, ¿no?
Pero de repente, se da cuenta de que el lugar está repleto de policías por todos lados, aquí viene lo bueno, gente: todo el concierto, con miles y miles de personas, es en realidad una trampa gigante del FBI para atrapar a un asesino en serie que no han podido agarrar, el giro, que insisto, el tráiler te lo tira en la cara, es que el papá buena onda... él es el asesino que están buscando. Desde ese momento, la película te atrapa y no te suelta, es que es una movida súper arriesgada, o sea, ponerte desde el minuto uno en los zapatos del villano.. aquí no estamos viendo al detective que resuelve el caso, ¡no! Estamos metidos en la cabeza del asesino mientras todo se le viene encima, es una olla a presión que está a punto de explotar desde que empieza.. aquí, aquí es donde me tengo que poner de pie y aplaudirle a Josh Hartnett.. está increíble, el tipo tiene tanto carisma, es tan agradable, que te pone en un lugar incómodo, porque de repente te das cuenta de que... ¡quieres que se escape!
En serio, terminas preocupándote por este psicópata, es como lo que hizo Jake Gyllenhaal en Nightcrawler o Tom Cruise en Collateral, que te seducen para que apoyes al personaje que no deberías apoyar, Hartnett clava perfecto esa fachada del "papá buena onda"; por fuera es pura sonrisa y amabilidad mientras le saca información a todo el mundo, pero tú ves en su mirada que por dentro su cerebro va a mil por hora, calculando cada paso.. literal, es una actuación que se echa toda la película al hombro.

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And about the dialogue... which, let's face it, is sometimes Shyamalan's weak point, but here it works perfectly. A lot of people complain that the characters in his films speak in a weird way, like it's unnatural, you know? But for me, it's 100% on purpose here... I mean, think about it: it's a psychopath trying to act like a normal person while the world is falling apart around him, of course it's going to sound weird... even his own daughter tells him at one point: "Dad, you're acting really weird." That's what makes it so tense and fascinating to watch. Now, let's talk about the concert itself. It feels super real, everyone! Shyamalan immerses you in the experience, the cameras put you in the shoes of the people there... if Hartnett gets close to the stage, the camera goes with him, the sound envelops you... you hear the people, the music that blows your ears out... pay attention to this: the pop star, Lady Raven, isn't just acting, no!

She wrote and sang an entire album for the film, which is why the concert feels so real, that part is brutal, it completely immerses you, and if anyone out there is thinking "oh, how exaggerated, how could the FBI put on a whole concert to catch a guy", well... let me tell you, it's based on a true story. It’s called “Operation Flagship,” where a bunch of fugitives were tricked into giving away free Super Bowl tickets… so, it’s not that crazy, in the end, Trap feels like a 90s thriller, but in the best way possible, it’s fast-paced, it’s tense, and it gets straight to the point with its main idea… it reminded me a lot of those movies like The Negotiator, remember? And one detail that I loved: it was shot on tape, real film, and they used thousands of real extras, real people, you hardly ever see that anymore… it gives it a texture, a feeling that you’re there, which modern movies with so much green background have lost, you really feel the madness of being in the middle of all that crowd.

Y sobre los diálogos... que, a ver, seamos sinceros, a veces son el punto débil de Shyamalan, aquí funcionan perfecto, mucha gente se queja de que los personajes de sus pelis hablan como raro, como que no es natural, ¿saben? Pero para mí, aquí es 100% a propósito.. o sea, piénsenlo: es un psicópata tratando de actuar como una persona normal mientras el mundo se le cae encima, pues claro que va a sonar raro.. hasta su propia hija se lo dice en un momento: "Papá, estás actuando súper extraño".. eso es lo que lo hace tan tenso y fascinante de ver. Ahora, hablemos del concierto en sí. ¡Se siente súper real, gente! Shyamalan te mete de cabeza en la experiencia, las cámaras te ponen en los zapatos de la gente que está ahí.. si Hartnett se acerca al escenario, la cámara va con él, el sonido te envuelve... escuchas a la gente, la música que te revienta los oídos... ojo a este dato: la estrella pop, Lady Raven, no es que solo actúa, ¡no!
La chica se escribió y se cantó un álbum entero para la película, por eso el concierto se siente tan de verdad, esa parte está brutal, te sumerge por completo, y si por ahí alguno está pensando "ay, qué exagerado, cómo el FBI va a montar todo un concierto para atrapar a un tipo", pues... déjenme decirles que está basado en una historia real. Se llama "Operación Flagship", donde engañaron a un montón de fugitivos con entradas gratis para el Super Bowl.. así que, tan loco no es, al final, Trap se siente como un thriller de los 90, pero en el mejor de los sentidos, es rápida, es tensa, y va directo al grano con su idea principal.. me recordó un montón a esas pelis como El Negociador, ¿se acuerdan? Y un detalle que a mí me encantó: está grabada en cinta, en película de verdad, y usaron miles de extras reales, gente de carne y hueso, eso ya casi no se ve.. le da una textura, una sensación de que estás ahí, que las pelis de ahora con tanto fondo verde ya perdieron, de verdad sientes la locura de estar en medio de toda esa multitud.

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Look, the first half... ugh, I was completely hooked on the movie. It's just that this cat-and-mouse game, where the protagonist is both the cat and the mouse at the same time... is brilliant. Buuuut... and here comes the huge "but," people... this is where things started to get a little complicated for me, and I think that's why the reviews are so divided. The second half of the movie... let's see, how do I tell you this without spoilers... let's just say it starts to take some paths that make you say, "Oh, really?" The plot gets off track, and for me, that took away all the power, all the tension that had been built so well at the beginning. It gets a little... unbelievable, but in a bad way, even for a thriller... there are decisions the characters make, especially at the end, that feel forced, like they don't make much sense.

Suddenly, you already imagine what's going to happen, and that feeling at the beginning, that one mistake and everything will go to hell, starts to fade, it dissolves. The film lasts about an hour and forty-five, and I couldn't stop thinking that if they had cut about 15 minutes, if they had made it more condensed, more confined to the stadium, ugh!, this would have been a masterpiece of suspense. It's that at times it feels as if the idea was perfect for an hour-long episode of, I don't know, Law & Order or Dexter, but in trying to stretch it out to last the length of a full movie, they added things that weren't necessary and that make it stumble a bit at the end.

Miren, la primera mitad... uff, yo estaba adentro de la película, enganchadísimo, es que este juego del gato y el ratón, donde el protagonista es el gato y el ratón al mismo tiempo... es una genialidad. Peeeeero... y aquí viene el "pero" gigante, gente.. aquí es donde la cosa se me empezó a complicar un poquito, y creo que por esto las críticas están tan divididas, la segunda mitad de la peli... a ver, cómo se los digo sin spoilers... digamos que empieza a tomar unos caminos que te hacen decir "¿a ver, a ver, en serio?". La trama se sale del concierto y, para mí, eso le quitó toda la fuerza, toda la tensión que había construido tan bien al principio, se pone un poco... increíble, pero en el mal sentido, incluso para una película de suspenso.. hay decisiones que toman los personajes, sobre todo al final, que se sienten forzadas, como que no tienen mucho sentido.
De repente, ya te imaginas lo que va a pasar, y esa sensación del principio, esa de que un solo error y todo se va al diablo, se empieza a perder, se diluye, la película dura como una hora cuarenta y cinco, y yo no podía dejar de pensar que si le hubieran cortado unos 15 minutitos, si la hubieran dejado más apretada, más encerrada en el estadio, ¡uf!, esto habría sido una obra maestra del suspenso. Es que a ratos se siente como si la idea fuera perfecta para un capítulo de una hora de, no sé, La Ley y el Orden o de Dexter, pero al querer estirarla para que dure como una película completa, le metieron cosas que no hacían falta y que la hacen tropezar un poco al final.

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And in the end, what am I left with? Well, a broken heart, people. The typical feeling after seeing a Shyamalan film is that, on the one hand, you have this idea that's a bomb, a first half that has you on the edge of your seat, and a performance by Josh Hartnett that is, quite easily, one of the best of his career. The concert experience grabs you, pulls you in, but, on the other hand, the second half kind of falls flat, you know? It makes some rather strange decisions and twists that, to be honest, took me a bit out of the story... so... my final rating is 7.5/10. Do I recommend it? Yes, of course, go see it, but know that it's a roller coaster: the rush at the beginning is brutal, but the descent at the end is kind of... bumpy... the film entertains, makes you tense, and leaves you talking about it, which at the end of the day is what we want, right? The idea was original; there were simply better ways to develop it and exploit its full potential... and well, that's it for today's review. See you in the next one! Take care! Bye!

Y al final, ¿con qué me quedo? pues con el corazón partido, gente, la típica sensación después de ver una de Shyamalan.. es que por un lado, tienes esta idea que es una bomba, una primera mitad que te tiene al borde del asiento y una actuación de Josh Hartnett que es, fácil, de lo mejor de su carrera, la experiencia del concierto te atrapa, te mete de lleno, pero, por el otro, la segunda mitad como que se desinfla, ¿saben? Toma unas decisiones y unos giros medio raros que a mí, la verdad, me sacaron un poco de la historia.. así que... mi calificación final es un 7.5/10, se las recomiendo? Sí, claro que sí, vayan a verla, pero vayan sabiendo que es una montaña rusa: el subidón del principio es brutal, pero la bajada al final es medio... accidentada.. la peli entretiene, te pone tenso y te deja hablando de ella, que al final del día es lo que queremos, ¿no? La idea era original, simplemente habían mejores maneras de desarrollarla y explotar todo su potencial.. y bueno, hasta aquí la reseña de hoy, nos veremos en las próximas! Cuidense! Byebye!

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Esta película es un homenaje desgarrado a la vida que se aferra, tal vez, al artificio para sobrevivir. "Todo sobre mi madre" (1999), la obra quizá más redonda y profundamente humana de Pedro Almodóvar, trasciende, digamos que, su propia estética colorista y se convierte en un drama de una pureza emocional yo diría que inigualable.

Se sabe que esta película es una especie de tributo a "Un tranvía llamado Deseo" del gran e inolvidable Tennessee Williams. Pero va más allá incluso, el manchego teje su propio melodrama, y va, desde la construcción de la identidad a la familia elegida.

Manuela tras la trágica muerte de su hijo es la cuerda de la que tira el caballo de esta trama. Creo entender que una especie de viaje circular, algo así como el regreso a los orígenes, una búsqueda que es, en realidad, una huida.

Para mí que he estudiado el guión como ese artístico pero además trabajo con guiones todos los días de la vida puedo decirte que el que esta película es un guión es intrincado, lo que pasa es que está tan bien ensamblado que cada encuentro, cada personaje, es como una pieza de un puzzle.

La aparente casualidad del melodrama (reencuentros, secretos revelados) se vuelve en esta puesta, una herramienta de una lógica narrativa superior. Es destino y es edención.

Almodóvar dota su historia de una carga simbólica y emocional que se reinterpreta como fortalezas en ese juego inaudito y atractivo.

Podrás encontrar almas rotas magnéticas que se rehacen en una estructura que podría aparecer caótica, digamos que abarrotada de sucesos. En esta película el dolor y la alegría son caras de una misma moneda.

Cecilia Roth, como Manuela, se explaya en una actuación monumental en su contención.

Hay dolor en su mirada en sus pequeños gestos de madre convertida al servicio o digamos mejor a la servidumbre de los demás.

Marisa Paredes, en Huma Rojo, es tragedia y carne, diva y fuerza en el escenario pero frágil como una rosa, frágil.

Penélope Cruz, consagrada ya dramáticamente, encarna a la hermana Rosa, y anuncia, una ternura y una fe a toda prueba, me parece que esta chica llega a convertirse sin lugar a dudas en el corazón incorruptible de la historia.

El monólogo de Antonia San Juan, puede que resulte algo así como, un manifiesto, y no creo equivocarme cuando digo que tal vez sea una de las escenas más memorables del cine español.

Técnicamente, Todo sobre mi madre es una obra maestra del estilo Almodóvar en su cenit. La fotografía de Affonso Beato baña Barcelona con una paleta de rojos passionarios, azules melancólicos y verdes esperanzados, regala una atmósfera tan artificial como veraz.

La dirección de arte es meticulosa, es significativa: cada escenario, desde el hospital hasta el piso de Rosa, cuenta una historia. Y la cuenta bien sí señor, La edición, digamos que es fluida, elegante...

Es una película que, aunque se mueve en los territorios del melodrama clásico, no cae en lo sensiblero. Es honesta en su planteamiento. Y alcanza a ser a la vez un homenaje al arte de actuar.

This film is a poignant homage to life that clings, perhaps, to artifice in order to survive. "All About My Mother" (1999), perhaps Pedro Almodóvar's most complete and profoundly human work, transcends, let's say, its own colorful aesthetic and becomes a drama of an emotional purity that I would say is unparalleled.

It is known that this film is a kind of tribute to "A Streetcar Named Desire" by the great and unforgettable Tennessee Williams. But it goes even further; the filmmaker from La Mancha weaves his own melodrama, exploring themes ranging from the construction of identity to the chosen family.

Manuela, after the tragic death of her son, is the driving force of this plot. I believe I understand it as a kind of circular journey, something like a return to origins, a quest that is, in reality, an escape.

As someone who has studied screenwriting as an artistic discipline, and who also works with screenplays every day, I can tell you that this film is an intricate screenplay, but it's so well-assembled that each encounter, each character, is like a piece of a puzzle.

The apparent coincidence of the melodrama (reunions, revealed secrets) becomes, in this production, a tool of superior narrative logic. It is destiny and it is redemption.

Almodóvar imbues his story with a symbolic and emotional weight that is reinterpreted as strengths in this unprecedented and captivating game.

You will find magnetic broken souls that are rebuilt within a structure that might appear chaotic, let's say, overflowing with events.

In this film, pain and joy are two sides of the same coin.

Cecilia Roth, as Manuela, delivers a monumental performance of restraint.

There is pain in her gaze, in her small gestures, like a mother turned into a servant, or rather, a servant, of others.

Marisa Paredes, in Huma Rojo, is tragedy and flesh, a diva and a force on stage, yet fragile as a rose, fragile.

Penélope Cruz, already a dramatic icon, embodies Sister Rosa, and her unwavering tenderness and faith seem to me to undoubtedly become the incorruptible heart of the story.

Antonia San Juan's monologue might be considered something of a manifesto, and I don't think I'm wrong in saying that it is perhaps one of the most memorable scenes in Spanish cinema.

Technically, All About My Mother is a masterpiece of Almodóvar's style at its peak. Affonso Beato's cinematography bathes Barcelona in a palette of passionate reds, melancholic blues, and hopeful greens, creating an atmosphere as artificial as it is truthful.

The art direction is meticulous and meaningful: every setting, from the hospital to Rosa's apartment, tells a story. And it tells it well, indeed. The editing is fluid and elegant.

It's a film that, while venturing into the realm of classic melodrama, avoids sentimentality. It's honest in its approach and manages to be, at the same time, a tribute to the art of acting.

É uma homenagem vibrante e crua a uma vida que se agarra ao artifício para sobreviver. "Tudo Sobre Minha Mãe" (1999), talvez a obra mais completa e profundamente humana de Pedro Almodóvar, transcende sua própria estética colorida para se tornar um drama de pureza emocional avassaladora.

Com este filme, Almodóvar não apenas presta homenagem a "Um Bonde Chamado Desejo", de Tennessee Williams, mas também tece seu próprio melodrama essencial sobre a construção da identidade e a família escolhida.

A trama gira em torno de Manuela após a trágica morte de seu filho. É uma jornada circular de volta às origens, uma busca que, na realidade, é um voo para frente.

Almodóvar constrói um roteiro intrincado e perfeitamente montado, onde cada encontro, cada personagem, é uma peça essencial de um quebra-cabeça. A aparente casualidade do melodrama (reencontros, segredos revelados) é uma ferramenta de uma lógica narrativa superior, que dita o destino e a redenção da humanidade.

Embora a trama possa ser acusada de depender excessivamente de coincidências, Almodóvar as reveste de um peso simbólico e emocional tão grande que elas são reinterpretadas como pontos fortes.

O mundo que ele apresenta é um mundo onde almas quebradas se atraem mutuamente para se curarem. A estrutura, por vezes densa, é na verdade um reflexo da própria trama caótica e sobreposta da vida, onde dor e alegria são duas faces da mesma moeda.

Cecilia Roth, como Manuela, oferece uma atuação monumental em sua contenção. Sua dor transparece em seu olhar, nos pequenos gestos de uma mãe que transformou sua vida em um ato de serviço. Ela é o eixo moral e emocional em torno do qual gira o universo almodovariano.

Marisa Paredes, como Huma Rojo, é a tragédia encarnada, a diva cuja força no palco contrasta com sua fragilidade na vida privada.

Penélope Cruz, no papel que a consagrou como atriz dramática, personifica a Irmã Rosa com uma ternura e fé comoventes, sendo o coração incorruptível da história. E Antonia San Juan, como La Agrado, é o motor da vitalidade e da honestidade mais crua. Seu monólogo sobre "autenticidade" é um manifesto em si e uma das cenas mais memoráveis do cinema espanhol. A química entre elas não é de uma amizade convencional, mas de uma irmandade forjada na adversidade, uma sinergia que sustenta todo o filme.

Tecnicamente, Tudo Sobre Minha Mãe é uma obra-prima do estilo de Almodóvar em seu auge. A fotografia de Affonso Beato banha Barcelona em uma paleta de vermelhos apaixonados, azuis melancólicos e verdes esperançosos, criando uma atmosfera tão artificial quanto verdadeira.

A direção de arte é meticulosa e significativa: cada cenário, do hospital ao apartamento de Rosa, conta uma história. A montagem, por sua vez, é fluida e elegante, permitindo que os momentos dramáticos respirem sem cair no sensacionalismo.

A trilha sonora, com o uso magistral de "Tajabone", de Ismael Lo, e a comovente partitura de Alberto Iglesias, envolve o filme em um manto de melancolia e esperança. Almodóvar demonstra aqui um domínio completo de sua arte, onde cada elemento técnico está a serviço da emoção e da ideia.

"Tudo Sobre Minha Mãe" é o ápice das obsessões de seu autor: maternidade, o teatro como vida, a fluidez da identidade, a resiliência feminina.

É um filme que, embora se movimente pelo território do melodrama mais clássico, jamais cai no sentimentalismo graças à sua honestidade intelectual e emocional. Consegue ser, ao mesmo tempo, uma homenagem à arte da atuação e um drama comovente sobre luto e reconstrução.

Este filme não é apenas para os amantes do cinema de Almodóvar, mas para qualquer pessoa que acredite no poder do cinema de abordar as grandes questões humanas com beleza, inteligência e um coração tão grande quanto o de seus protagonistas.

Uma obra-prima que não envelhece, porque seu tema é, simplesmente, eterno.