Synopsis: Shelly is a dancer in her 50s who must face a sad professional reality: a show that has been her lifeblood for over 30 years is coming to an end. Now, she must find a new professional path while simultaneously dealing with her personal frustrations (which include a troubled relationship with her own daughter).

Aging is a natural process for human beings (and fortunate are those who experience it), but it tends to become quite complex when it occurs within environments that constantly strive for the "eternal youth" of bodies (especially female ones) to the detriment of skills and talents acquired over the years. This movie offers a sensitive and raw portrayal of this reality, as Shelly, a 57-year-old woman who has made her living dancing for 30 years, must face the unexpected end of her stage career. Fighting against yourself can be your greatest challenge, because you understand that it's a constant struggle.

Le Razzle Dazzle, as the protagonist herself describes it, is an exquisite show that "follows the tradition of the Lido in Paris". However, unlike the reality of the past, modern society values other types of shows, and this production full of feathers and sequins no longer attracts audiences (thus justifying its ending, which, even so, was somewhat unexpected for Shelly... perhaps because she believed she would be a lifelong dancer, physically speaking). From this event on, things begin to change in her life, but everything changes very quickly, bringing with it intense emotions. The crux of the issue that justifies the existence of this movie is very important and certainly deserves much discussion.

The way this script developed the story isn't groundbreaking, but it was very assertive in its approach (although it lacked considerably more depth in terms of not only its dilemmas, but especially its characters within a broader context). Amidst the dramatic episodes with significant weight, the plot brings to the light themes such as ageism, the clash of reality between generations, and redefinition... as well as a nice return to the past in a mother-daughter dynamic, seeking to untie knots still brutally tied. The script navigates the themes well, but does so a bit too shallowly, even though it was "functional".

There's a very consistent duality of concepts here, and primarily, it all centers on how the two generations view the same scenario: while Shelly and her friend Annette (older women) see their jobs as their greatest achievements, Jodie and Mary Anne (younger women) simply view their jobs as "professional rituals" that are easy to overcome. However, for Shelly, everything is more intense and becomes more important here because it connects with who she is as a person and represents everything she had to give up to live all this. How far will someone go to achieve a dream? And once they achieve it, what are they willing to do to stay there?

Sometimes, the movie seems a bit superficial (even due to the sometimes very clear "visual plasticity"), but the vulnerability of the plot will certainly resonate with those who have experienced something similar in their lives. Aging is never the issue, but rather how the people around us (especially those who hold power in the capitalist world) view age (which is just another number among many others). Shelly is in the midst of the conflict, and because of it, she begins to reevaluate her life, but she doesn't regret anything. This ultimately leads to an existential crisis, which worsens as the final show approaches.

Her greatest "loss" was the estrangement from her own daughter, Hannah, with whom she struggles to have a good relationship today. Both are trying to better understand what happened in the past, and in the midst of this search for explanations, an opportunity for reconciliation, long awaited by both sides, arises. The script's pacing is slow and intimate, all in an attempt to make the plot development more personal, which it does. However, there are moments where everything is so "slow" that it becomes emotionally "inert" (even though it's a fast-paced movie, its 80 minutes don't do it much favors when we consider the full context of all the plot threads).

Anyway, this doesn't diminish the brilliance of this project at all, which, incidentally, is Pamela Anderson's best starring role to date. Building a dreamy, sensitive, and somewhat "naive" character in the face of the world around her, what she did here certainly showed the audience that she can act (and it was a powerful performance). Alongside her, we have Jamie Lee Curtis, who delivers interesting moments (even within a more "artificial" bubble), as well as Dave Bautista, Kiernan Shipka and Brenda Song (with much less screen time, and even less relevance within the overall context... despite being "functional" and notable characters).

The Last Showgirl is a very simple movie (including all its technical aspects), but very precise in addressing the themes it brings to the table. Gia Coppola did a very moving job as director, because even without major scenes, the plot still manages to impact the magnitude of what needs to be said and shown to the audience (such as a scene where Shelly exposes the industry's approach to older dancers). The courage of the project makes it something worth watching, especially since it avoided the "clichés" of the universe to which it belongs (such as avoiding vulgar scenes involving gratuitous nudity or episodes involving physical violence), and this is significant.

Sinopsis: Shelly es una bailarina de unos 50 años que debe enfrentarse a una triste realidad profesional: un espectáculo que ha sido su alma durante más de 30 años llega a su fin. Ahora, debe encontrar un nuevo camino profesional mientras lidia con sus frustraciones personales (que incluyen una relación problemática con su propia hija).

Envejecer es un proceso natural para los seres humanos (y afortunados son quienes lo experimentan), pero tiende a volverse bastante complejo cuando ocurre en entornos que buscan constantemente la "eterna juventud" de los cuerpos (especialmente los femeninos) en detrimento de las habilidades y talentos adquiridos con los años. Esta película ofrece un retrato sensible y crudo de esta realidad, ya que Shelly, una mujer de 57 años que se ha ganado la vida bailando durante 30 años, debe enfrentar el final inesperado de su carrera escénica. Luchar contra uno mismo puede ser su mayor desafío, porque comprende que es una lucha constante.

Le Razzle Dazzle, como lo describe la propia protagonista, es un espectáculo exquisito que "sigue la tradición del Lido de París". Sin embargo, a diferencia de la realidad del pasado, la sociedad moderna valora otros tipos de espectáculos, y esta producción llena de plumas y lentejuelas ya no atrae al público (lo que justifica su final, que, aun así, fue algo inesperado para Shelly... quizás porque creía que sería una bailarina de por vida, físicamente hablando). A partir de este suceso, las cosas empiezan a cambiar en su vida, pero todo cambia muy rápidamente, trayendo consigo intensas emociones. El quid de la cuestión que justifica la existencia de esta película es muy importante y sin duda merece mucho debate.

La forma en que este guion desarrolla la historia no es innovadora, pero su enfoque es muy asertivo (aunque le faltaba mucha más profundidad, no solo en sus dilemas, sino especialmente en sus personajes dentro de un contexto más amplio). Entre los episodios dramáticos de gran peso, la trama ilumina temas como la discriminación por edad, el choque de realidades entre generaciones y la redefinición... además de un agradable regreso al pasado en una dinámica madre-hija, que busca desatar nudos aún brutalmente atados. El guion aborda bien los temas, pero lo hace con demasiada superficialidad, a pesar de ser "funcional".

Aquí hay una dualidad conceptual muy consistente, y principalmente, todo se centra en cómo las dos generaciones ven el mismo escenario: mientras Shelly y su amiga Annette (mujeres mayores) ven sus trabajos como sus mayores logros, Jodie y Mary Anne (mujeres más jóvenes) simplemente los ven como "rituales profesionales" fáciles de superar. Sin embargo, para Shelly, todo es más intenso y cobra mayor importancia aquí porque conecta con su identidad como persona y representa todo lo que tuvo que renunciar para vivir todo esto. ¿Hasta dónde llegaría alguien para alcanzar un sueño? Y una vez que lo logra, ¿qué está dispuesto a hacer para mantenerse?

A veces, la película parece un poco superficial (incluso debido a su a veces muy evidente "plasticidad visual"), pero la vulnerabilidad de la trama sin duda conectará con quienes hayan experimentado algo similar. El envejecimiento nunca es el problema, sino cómo quienes nos rodean (especialmente quienes ostentan el poder en el mundo capitalista) perciben la edad (que es solo un número más entre muchos otros). Shelly se encuentra en medio del conflicto, y debido a ello, comienza a reevaluar su vida, pero no se arrepiente de nada. Esto finalmente la lleva a una crisis existencial, que se agrava a medida que se acerca el último show.

Su mayor pérdida fue el distanciamiento de su hija, Hannah, con quien lucha por mantener una buena relación. Ambas intentan comprender mejor lo sucedido en el pasado, y en medio de esta búsqueda de explicaciones, surge una oportunidad de reconciliación, largamente esperada por ambas partes. El ritmo del guion es lento e íntimo, con el objetivo de que el desarrollo de la trama sea más personal, lo cual logra. Sin embargo, hay momentos en los que todo es tan lento que se vuelve emocionalmente inerte (aunque es una película de ritmo rápido, sus 80 minutos no le hacen mucho favor si consideramos el contexto completo de todos los hilos argumentales).

De todos modos, esto no disminuye la brillantez de este proyecto, que, dicho sea de paso, es el mejor papel protagonista de Pamela Anderson hasta la fecha. Al construir un personaje soñador, sensible y algo ingenuo frente al mundo que la rodea, lo que hizo aquí sin duda demostró al público que sabe actuar (y fue una actuación poderosa). Junto a ella, tenemos a Jamie Lee Curtis, quien ofrece momentos interesantes (incluso dentro de una burbuja más artificial), así como a Dave Bautista, Kiernan Shipka y Brenda Song (con mucho menos tiempo en pantalla y aún menos relevancia en el contexto general... a pesar de ser personajes "funcionales" y muy notables).

The Last Showgirl es una película muy sencilla (incluyendo todos sus aspectos técnicos), pero muy precisa al abordar los temas que plantea. Gia Coppola realizó una labor de dirección muy conmovedora, pues incluso sin escenas importantes, la trama logra impactar la magnitud de lo que debe decirse y mostrarse al público (como una escena en la que Shelly expone el enfoque de la industria hacia las bailarinas mayores). La valentía del proyecto la convierte en algo que vale la pena ver, especialmente porque evitó los clichés del universo al que pertenece (como evitar escenas vulgares con desnudez gratuita o episodios de violencia física), lo cual es significativo.

Sinopse: Shelly é uma dançarina que, na casa dos 50 anos, precisa enfrentar uma triste realidade profissional: um show que foi à sua vida por mais de 30 anos vai chegar ao fim. Agora, ela precisa encontrar um novo caminho profissional, e ao mesmo tempo, lidar com suas frustrações pessoais (que inclui um relacionamento conturbado com à própria filha).

Envelhecer é o processo natural dos seres humanos (e felizes são aqueles que vivem essa experiência), mas isso tende a se tornar um processo bastante complexo quando vai acontecendo dentro de ambientes que estão sempre buscando pela “eterna juventude” dos corpos (em especial, os femininos) em detrimento das habilidades e talentos ao longo dos anos. Neste filme, temos uma personificação sensível e muita crua sobre essa realidade, onde Shelly, uma mulher que está com 57 anos e ganhou à vida dançando por 30 anos, precisa enfrentar o inesperado fim da sua carreira nos palcos. Lutar contra você mesmo pode ser o maior dos seus desafios, porque você entende que é uma luta sempre recorrente.

*Le Razzle Dazzle, segundo a definição da própria protagonista, é um show requintado e que “segue a tradição do Lido em Paris”, mas ao contrário da realidade vivida no passado, a sociedade nos dias atuais valoriza outros tipos de shows, e esta produção repleta de plumas e lantejoulas já não atrai mais o público (justificando assim o seu final, que mesmo assim, ainda foi algo inesperado por Shelly... talvez por acreditar que seria uma eterna dançarina, fisicamente falando). A partir desse evento as coisas começam a mudar na vida dela, mas tudo muda bem rápido, e trazendo fortes emoções. O cerne da questão que justifica a existência desse filme é muito importante, e certamente precisa ser muito discutido.

O modo como esse roteiro desenvolveu a estória não tem nada de inovador, mas foi muito assertivo em sua abordagem (embora tenha ficado devendo uma profundidade consideravelmente maior em relação não apenas aos seus dilemas, mas principalmente aos seus personagens dentro de um contexto geral). Em meio aos episódios dramáticos com pesos muito relevantes, a trama traz luz a temas como etarismo, choque de realidade entre gerações, ressignificação... além de um bom retorno ao passado numa dinâmica entre mãe e filha, buscando desatar nós ainda brutalmente amarrados. O roteiro navega bem sobre os temas, mas faz isso de maneira um pouco rasa demais, ainda que tenha sido “funcional”.

Há uma dualidade de conceitos muito consistente aqui, e primariamente, tudo se concentra em como as duas gerações enxergam um mesmo cenário: enquanto Shelly e sua amiga Annette (mulheres mais velhas) enxergam seus empregos como suas maiores conquistas, Jodie e Mary Anne (mulheres mais jovens), apenas encaram seus trabalhos como “ritos profissionais” fáceis de serem superados. No entanto, para Shelly tudo é mais intenso, e se torna mais importante aqui porque está conectado com quem ela é como pessoa, e representa tudo que ela teve que abdicar para viver tudo isso. Até onde alguém conseguir ir para realizar um sonho?... E uma vez conseguindo, o que é capaz de fazer para ficar nele?

Em certos momentos o filme parece um pouco superficial (até pela “plasticidade visual” que por vezes é muito nítida), mas a vulnerabilidade da trama certamente poderá ser sentida por aquelas pessoas que já vivenciaram algo parecido em suas vidas. Envelhecer nunca será o problema, mas sim, como as pessoas ao nosso redor (principalmente aquelas que são detentoras de poder no mundo capitalista) olham para a idade (que é só mais um número no meio de tantos outros). Shelly está no meio do conflito, e por causa dele começa a reavaliar à sua vida, mas não se arrepende de nada. Isso acaba gerando uma crise existencial, que vai sendo agravada à medida em que o último show vai se aproximando.

A maior das suas “perdas” foi o distanciamento da própria filha, Hannah, com quem ela luta para ter uma boa relação atualmente. Ambas tentam entender melhor o que aconteceu no passado, e no meio dessa busca por explicações, vai nascendo uma oportunidade de reconciliação tão esperada pelos dois lados. O ritmo do roteiro é lento, intimista, tudo isso numa tentativa de tornar o desenvolvimento da trama em algo mais pessoal, o que de fato acontece, mas existem momentos onde tudo é “lento” demais a ponto de se tornar algo “inerte” de emoções (mesmo sendo um filme rápido, onde os seus 80 minutos não lhe favorecem muito quando consideramos o contexto por completo de todas as tramas).

De qualquer modo, isso não diminui em nada o brilho deste projeto, que aliás, é o melhor trabalho protagonizado por Pamela Anderson até então. Construindo uma personagem bem sonhadora, sensível e de certo modo um tanto quanto “ingênua” perante o mundo que a cerca, o que ela fez aqui, certamente mostrou ao público que ela sabe atuar (e foi uma atuação poderosa). Ao lado dela temos Jamie Lee Curtis, que entrega momentos interessantes (mesmo dentro de uma redoma mais “artificial”) além de Dave Bautista, Kiernan Shipka e Brenda Song (com muito menos tempo de tela, e ainda menos relevância dentro do contexto geral... apesar de serem personagens “funcionais” e realmente notáveis).

A Última Showgirl é um filme muito simples (inclusive em todos os seus aspectos técnicos), mas muito preciso ao tratar dos temas que trouxe para à mesa. Gia Coppola fez um trabalho muito tocante como diretora, porque mesmo sem ter grandes cenas, a trama ainda consegue impactar magnitude do que precisa ser dito e mostrado ao público (como uma cena onde Shelly expõe o modo de ação da indústria ao tratar as dançarinas mais velhas). A coragem do projeto torna ele em algo digno de ser visto, principalmente por ter fugido dos “clichês” do universo do qual ele pertence (como por exemplo, evitar cenas vulgares envolvendo nudez gratuita ou episódios envolvendo violência física), e isso é relevante.

Hello, fellow series lovers!

I hope you are all well. Today I'm recommending a series that I watched a while ago and absolutely loved. It's a young adult romance series called Maxton Hall: A World Between Us.

I have to start by saying that I don't really like teen romance series beyond K-dramas. Simply because they bore me and I find many of these series awful, with bland, flat protagonists, poorly developed and mediocre plots, full of obscenities and no love.

But one day, scrolling through TikTok, I came across a German series, newly released at the time, whose trailer caught my attention. And it has nothing to do with the handsome male😃 lead who, for the first time, didn't make me cringe (pardon my French). I'm not saying the series is a work of art, but it's one of the best I've seen in terms of romantic series. The story is good, the characters are well developed, and I love the plot. It's a good romance series for those of us who enjoy this genre, and the quality of the scenes is incredible; you can tell they put a budget into it.

Without further ado, Maxton Hall presents the story of Ruby Bell, a young scholarship student who is focused, intelligent, and, most importantly, self-confident, who enters the elite British boarding school Maxton Hall. Ruby's plan is simple: graduate at the top of her class, go to a good university, and help her family, but everything falls apart when she discovers the secret of her beloved twin sister, the handsome scoundrel James Beaufort, the arrogant heir to a fashion empire. James, in "protective brother" mode, behaves like an idiot towards Ruby, and she puts him in his place (I know we've seen this before, but this is better). And what began as a classic enemies-to-lovers story turns into a severe confrontation between social classes, forbidden love, entanglements, lies, and people who, for one reason or another, do not want Ruby and James together, as if they had nothing else to do.

I want to highlight the chemistry between the protagonists, which is simply incredible. You can feel the tension, the love, and the longing for not being able to be together. The two of them on screen convey what a couple in love should convey: love. And beyond being just a romantic series, it explores other themes quite well, such as the differences between rich and poor, the privilege with which some are born, discrimination, forbidden relationships (I'm not just referring to James and Ruby's) and what you are willing to do for love.

Another thing I like about the series is its polished aesthetic. The set design, the settings, and even the costumes of the main characters are well thought out, with a classic British aesthetic and a modern, youthful touch that gives the scenes an incredible look. That's why I say they put a budget into the story.

This is honestly a series that I loved watching. I enjoyed all six episodes and am eagerly awaiting the second season, which will premiere soon and which I will definitely watch. Everything is well developed and, although it falls into genre clichés, I think that when we look for romantic youth series, we want these clichés, not so clichéd, of course, well developed and with characters that are not as questionable as I have seen in other series or films. But the latter is something I emphasise, because I sincerely believe that Maxton Hall is really good and brings us a genuine romance of the genre.

Maxton Hall doesn't revolutionise the genre or anything, but what it offers is enough to excite us and keep us watching the screen.

If you've made it this far, I hope you liked it and are encouraged to watch this great series!

¡Hola, quienes disfrutan de una buena serie!

Espero que se encuentren bien. Hoy les traigo por recomendación una serie que vi hace un tiempo y que adoré totalmente. Esta serie es de romance juvenil y se llama Maxton Hall: Un mundo entre nosotros

Tengo que partir diciendo que no me gustan mucho las series románticas juveniles más allá de los k-dramas. Por el simple hecho de que me aburren y muchas de estas series se me hacen horribles, es decir, con protagonista, planos y sin identidad, y con tramas mal desarrolladas y mediocres, llenas de obscenidades y nada de amor.

Pero un día, bajando por TikTok, encontré una serie alemana, recién estrenada en dicho momento, que con un tráiler me llamó la atención. Y no tiene nada que ver con el bello protagonista masculino😀 que, por primera vez, no me provocó cringe (perdonen mi francés). No digo que la serie sea un séptimo arte, pero es de lo mejorcito que he visto en cuanto a series románticas. La historia es buena, los personajes bien desarrollados y la trama me encantan. Es una buena serie de romance para quienes disfrutamos este género y la calidad de las escenas es increíble, se nota que le pusieron presupuesto.

Sin más preámbulo, Maxton Hall, nos presenta la historia de Ruby Bell, una joven estudiante becada, centrada, inteligente y con lo más importante amor propio, quien entra al elitista internado británico Maxton Hall. El plan de Ruby es sencillo: graduarse como la mejor, ir a una buena universidad y ayudar a su familia, pero todo se desbarata cuando descubre el secreto de la querida hermana gemela, del bello sinvergüenza James Beaufort, el arrogante heredero de un imperio de la moda. James, en modo “hermano protector”, se comporta como un idiota con Ruby y ella le pone los pies en la tierra (sé que hemos visto esto antes, pero esto es mejor). Y lo que comenzó como un clásico de enemigos a amantes, se trasforma en una severa confrontación entre clases sociales, amor prohibido, enredos, mentiras y gente que por una u otra razón no quieren a Ruby y a James juntos, como si no tuvieran nada más que hacer.

Quiero destacar la química entre los protagonistas, que es simplemente increíble, se siente la tensión, el amor y el anhelo por no poder estar juntos, Ellos dos en escena trasmiten lo que una pareja enamorada debe transmitir: amor. Y más allá de ser solo una serie romántica explora bastante bien otros temas, como las diferencias entre ricos y pobres, el privilegio con el que nacen algunos, la discriminación, las relaciones prohibidas (no me refiero solo a la de James y Ruby) y lo que estás dispuesto a hacer por amor.

Otro punto que me gusta de la serie es la estética bien cuidada que tiene, la escenografía, los ambientes y hasta el vestuario de los protagonistas está bien pensado, con una estética clásico británico con un toque juvenil moderno que aporte un visual increíble a las escenas. Por eso digo le pusieron presupuesto a la historia.

Esta es sinceramente una serie que me encantó ver. Disfruté los 6 capítulos que tenía y me quedé con las ganas de la segunda temporada que se estrenará dentro de poco y sin duda veré. Todo está bien desarrollado y, aunque cae en clichés del género, creo que cuando buscamos ver series románticas juveniles queremos estos clichés, no tan clichés, por supuesto, bien desarrollados y con personajes que no sean tan cuestionables como he visto en otras series o películas. Pero esto último es algo que recalco, porque sinceramente considero que Maxton Hall, es realmente buena y nos trae un romance genuino.

Maxton Hall no revoluciona el género ni nada, pero lo que ofrece es suficiente para emocionarnos y mantenernos viendo la pantalla.

¡Si llegaron hasta aquí, espero que les haya gustado y se animen a ver esta gran serie!

Christopher Bell, uno de los candidatos al título desde el inicio de la temporada, pero quien en estos playoffs y en las últimas carreras de la ronda regular, anduvo perdido, pero en Bristol logró quedarse con el triunfo y posicionarse de buena manera en la siguiente ronda de estas eliminatorias de la serie de autos stocks más famosos de los Estados Unidos. A Bell se unió Denny Hamlin, William Byron, Kyle Larson, Ryan Blaney, Chase Briscoe, Chase Elliott, Bubba Wallace, Austin Cindric, Joey Logano, Ross Chastain y Tyler Reddick. Alex Bowman, Austin Dillon, Shane van Gisbergen y Josh Berry fueron los 4 pilotos eliminados y para nada me sorprende, pues ellos estaban dentro de mis posibilidades, como se los mencionó en la anterior reseña publicada en el feed de la comunidad.

Greetings, @Movies&Tvshows community!…

I really like historical productions that take what they portray seriously and offer quality. The success of the new version of Shogun would encourage them to greenlight projects that were surely waiting in some executive's office. I don't know if that was the case with this series that I'm going to recommend, but it's almost certain that what happened with Shogun influenced the acceleration of this series' production.

I think the series has a very personal value for its two main creators. Both are actors. One is not very well known and the other is quite famous. Thomas Pa'a Sibbett is one of them. His name didn't ring a bell, although he has appeared in a few films. The other is the famous Jason Momoa. What they have in common is that they are both from Hawaii, so this project is in their blood.

They should be proud of what they've achieved. The season is about to end. Last night I watched episode eight, and episode nine looks like it's going to be incredible. Episode eight is quite emotional, sad, and exciting. The fact that the creators are from Hawaii means they put more passion and love into everything. They have paid attention to detail, the type of clothing, weapons, tools, and the era they are portraying. They have surely had a good number of advisors and experts in Hawaiian culture to tell us this exciting story of a place that is now part of the United States of America.

The casting has also been a great success. Although not all of the actors are originally from Hawaii, several of the main characters are from New Zealand, but they have physical characteristics similar to those of Hawaiians and are convincing in their roles. Actress Mainei Kinimaka is Hawaiian and has previously worked with Momoma, both in a film and in the series See. Another positive detail is that in most episodes, the native language of that region at that time is spoken, so the actors had to recite their lines in that dialect. The fact that this type of series is successful in the US market is an achievement, because Americans have never liked reading subtitles.

Me gustan mucho las producciones históricas que se toman en serio lo que retratan y ofrecen calidad. El éxito de la nueva versión de Shogun les animaría a dar luz verde a proyectos que seguramente estaban esperando en el despacho de algún ejecutivo. No sé si fue el caso de esta serie que voy a recomendar, pero es casi seguro que lo ocurrido con Shogun influyó en la aceleración de la producción de esta serie.

Creo que la serie tiene un valor muy personal para sus dos principales creadores. Ambos son actores. Uno no es muy conocido y el otro es bastante famoso. Thomas Pa'a Sibbett es uno de ellos. Su nombre no me sonaba de nada, aunque ha participado en algunas películas. El otro es el famoso Jason Momoa. Ambos tienen en común que son de Hawai, así que llevar este proyecto en la sangre.

Ellos deben estar orgulloso de haberlo conseguido. La temporada está a punto de terminar. Anoche vi el episodio ocho, y el nueve parece que va a ser increíble. El episodio ocho es bastante emotivo, triste y emocionante. El hecho de que los creadores sean de Hawai hace que pongan más pasión y amor en todo. Han cuidado los detalles, el tipo de ropa, armas, herramientas, y la época que están retratando. Seguro que han contado con un buen número de asesores y expertos en la cultura hawaiana para contarnos esta apasionante historia de un lugar que ahora forma parte de los Estados Unidos de América.

El reparto también ha sido un gran acierto. Aunque no todos son originarios de Hawai, varios de los personajes principales son de Nueva Zelanda, pero tienen características físicas similares a las de Hawai y resultan convincentes en sus papeles. La actriz Mainei Kinimaka es hawaiana y ya ha trabajado anteriormente con Momoma, tanto en una película como en la serie See. Otro detalle positivo es que en la mayoría de los episodios se habla la lengua nativa de esa región en ese momento, por lo que los actores tuvieron que recitar sus diálogos en ese dialecto. El hecho de que este tipo de series tengan éxito en el mercado estadounidense es un logro, porque nunca les ha gustado leer subtítulos.

The series is set in a time when the Hawaiian Islands had not yet been colonized and had their own rulers and wars. Alliances and conquests by the strongest. It is inspired by real historical events that I was completely unaware of. Hawaiian history and culture were something I had never read or researched, so this has been an impetus for me to start immersing myself in that culture. Customs, gods, traditions, kingdoms, historical figures, warrior heroes, prophecies... a whole rich cultural universe that I didn't know about.

The story begins with the reign of Kamehameha I, who managed to unite all the islands, but we start a little before his rise to power. There will surely be another season, because there is still much to tell about the history of this king who had such an influence on the subsequent history of Hawaii. Although the main character is not that figure, but rather the warrior Ka'iana, who existed in real life and traveled outside the islands, absorbing knowledge of the civilized world of the time and also bringing firearms to win Kamehameha's wars. I recommend not looking up too much information about the real character, so as not to find out too much about what will be shown in the series.

Like any historical drama, it has all the ingredients to be exciting. I've seen people on Twitter comparing it to Game of Thrones and Shogun, but it's actually a series with its own personality that's also visually appealing, thanks to the beautiful landscapes and the recreation of the period. White men are also a threat, and I think we'll see more of that in a second season.

An interesting detail that amuses me is that the series will be very well received by women and homosexuals, and that Momoa and other big, muscular actors show off their muscular behinds. But here the women don't show much, so there's only eye candy for women to enjoy those muscular men and their naked behinds.

A highly recommended series. Let me know what you think in the comments.

La serie está ambientada en la época en que las islas hawaianas aún no habían sido colonizadas y tenían sus propios gobernantes y guerras. Alianzas y conquistas por parte de los más fuertes. Está inspirada en hechos históricos reales que yo desconocía por completo. La historia y la cultura hawaianas eran algo sobre lo que nunca había leído ni buscado información, así que esto ha sido un impulso para empezar a sumergirme en esa cultura. Costumbres, dioses, tradiciones, reinos, personajes históricos, héroes guerreros, profecías... todo un rico universo cultural que desconocía.

La historia comienza con el reinado de Kamehameha I, que consiguió unir todas las islas, pero empezamos un poco antes de su ascenso al poder. Seguro que habrá otra temporada, porque aún queda mucho por contar en la historia de este rey que tanta influencia tuvo en la posterior historia de Hawai. Aunque el protagonista principal no es ese personaje, sino el guerrero Ka'iana, que existió en la vida real y viajó fuera de las islas, absorbiendo conocimientos del mundo civilizado de la época y llevando también armas de fuego para ganar las guerras de Kamehameha. Recomiendo no buscar demasiada información sobre el personaje real, para no enterarse demasiado de lo que se mostrará en la serie.

Como cualquier drama histórico, tiene todos los ingredientes para ser apasionante. He visto en Twitter que la gente la comparaba con Juego de Tronos y Shogun, pero en realidad es una serie con personalidad propia que además es visualmente agradable, gracias a los bellos paisajes y a la recreación de la época. Los hombres blancos también son una amenaza, y creo que lo veremos en mayor profundidad en una segunda temporada.

Un detalle interesante que me hace gracia es que la serie será muy bien recibida por mujeres y gais, ya que Momoa y otros actores grandes y musculosos enseñan sus musculosas nalgas. Aquí las mujeres no enseñan mucho, así que solo hay caramelo para los ojos de las mujeres, para que disfrutaran de esos hombres musculosos y sus culos al aire.

Una serie totalmente recomendable. Dime qué te parece en los comentarios.

Call me nostalgic, but there are films that transform you, and you feel that it is very unlikely that they will ever be surpassed. I continue to love everything PTA (affectionate acronym for Paul Thomas Anderson) does, and he really doesn't put a foot wrong. I loved The Master, Punch-Drunk Love, There Will Be Blood, etc., etc. But Magnolia is unsurpassable, it's as if there were some kind of "thing" in that film, a charm, a peculiar energy. That film is now 25 years old, and today, if I put it on, I know I won't find anything bad in it. PTA was only 29 when he directed it, and that makes sense now that I think about it.

There is this aura of purgatory in the story, with this bunch of characters suffering in a caustic plot in micro journeys of the hero that converge in a micro apocalypse, all very intimate and particular and, at the same time, very universal. The painful and heavy humanity present in Magnolia seems to be constantly poking at your sensitive human perception, and it is not a natively painful film like, for example, Roma, Close, I don't know, just random names of intense films that immediately came to mind. Magnolia has a cult aura, which may sound arrogant or petulant in some sense, but that is a very simplistic way of looking at a masterpiece. When you surrender to the bitter plots of the characters, it's hard not to love them (at least those who are lovable). Some of them are too sensitive, like the good-hearted cop (John C. Reilly) or the former prodigy (William H. Macy), and it's impossible not to open your heart to such raw fragility.

[SPOILER ALERT] The sequence "Wise Up" is simply something you don't see every day in the movies. At a certain point in the plot, all the characters (in a moment of pure pain) begin to sing the same song (each in their own excerpt/scene), a very sad song by Aimee Mann, which fits beautifully throughout the film. Magnolia is not a musical, and this random excerpt, totally deconstructed from what one would expect in a very long drama, only causes severe strangeness, a bewilderment embedded in a confirmation that Magnolia is not only a creative and different film, but that it is damn good, above average, even for the risk taken in a scene like this.

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And then there's the rain, right? A fucking rain of toads, frogs, I don't know. Here we have a cinematic transubstantiation, because for an unsuspecting viewer it totally transcends expectations and conceptions. No one expected that. And the best part is that it's not really talked about or explained, it just happens, like in good, powerful magical realism. The absurdity used to break the cycle of pain, the shock of the illogical to pull the characters out of their personal hells, there is indeed a whole range of possible interpretations and observations behind this scene, but honestly? It doesn't matter. Seriously.

A lot of things didn't exist and didn't happen at the time of Magnolia. There was no September 11, no digital chaos and cynicism, no brain rot, no dizzying acceleration of hyperconnectivity. There was still a remnant of the old world, of that universe where people depended on landlines, on face-to-face conversations, on solving tangible, palpable problems. Magnolia remained as a kind of historical picture of a very specific era of postmodernity, of American cinema on the verge of dissolution, of a violent transition in the media (VHS to DVD), of the unshakeable idols of Hollywood and everything else.

Anyway, I won't go on and on about it, I just wanted to share how important this movie is to me and how it is truly a cinematic masterpiece that transcends time. I strongly recommend that you watch it if you haven't seen it yet, and I recommend that you watch it again if you have already seen it. It is always possible to get something new out of a precious gem of the seventh art.

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Name: Magnolia Director: Paul Thomas Anderson Release date: December 17, 1999 (USA) Country of origin: United States Running time: 188 minutes (3 hours and 8 minutes) IMDB rating: 8.0/10 Letterboxd rating: 4.2/5

For those who like: Rains of frogs, coincidences that defy the universe, terrible parents and the children they ruined, breaking the fourth wall with a soundtrack, redemption amid chaos.

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Chame-me de nostálgico, mas existem filmes que te transformam, e você sente que é muito pouco provável que um dia será superado. Eu sigo amando tudo que PTA (sigla carinhosa para Paul Thomas Anderson) faz, e ele realmente não erra. Eu amei muito O Mestre, Embriagado de Amor, Sangue Negro, etc, etc. Mas Magnólia é insuperável, é como se houvesse algum tipo de "coisa" nesse filme, um encanto, uma energia peculiar. Atualmente essa película está com 25 anos e hoje, se eu colocar para tocar, eu sei que não vou achar nada de ruim nele. Inclusive PTA tinha apenas 29 anos quando o dirigiu e isso faz sentido pensando agora. Existe essa aura de purgatório na história, com esse monte de personagens sofrendo numa trama cáustica em micro jornadas do herói que convergem num micro apocalipse, tudo muito íntimo e particular e, ao mesmo tempo, muito universal. A humanidade dolorosa e pesada presente em Magnólia parece que está o tempo todo cutucando sua percepção humana sensível e ele não é um filme nativamente dolorido como, por exemplo, Roma, Close, sei lá, só nomes aleatórios de filmes intensos que me vieram na mente de imediato. Magnólia tem uma aura cult, que pode soar prepotente ou petulante em algum sentido, mas isso é um jeito muito simplista de ver uma obra-prima. Ao entregar-se nas tramas amargas dos personagens é difícil não os amar (pelo menos os passíveis de amor). Alguns deles são sensíveis demais, como o policial de bom coração (John C Reilly) ou o ex-prodígio (William H Macy), impossível não abrir o peito com essa fragilidade tão crua.

[SPOILER ALERT] A sequência "Wise Up" é simplesmente um negócio que não se vê todo dia no cinema. Em determinado momento da trama, todos os personagens (em um momento de pura dor) começam a cantar a mesma música (cada qual em seu trecho/cena), uma música tristíssima de Aimee Mann, que faz bonito no filme todo. Magnólia não é um musical, e esse trecho aleatório totalmente desconstruído do que se espera num drama longuíssimo como só causa um estranhamento severo, um desconcerto embutido em uma confirmação de que Magnólia não só é um filme criativo e diferente, mas que é bom pra caramba, acima da média, até mesmo pelo risco assumido em uma cena como essa. https://external-content.duckduckgo.com/iu/?u=https%3A%2F%2Fbloximages.chicago2.vip.townnews.com%2Fstardem.com%2Fcontent%2Ftncms%2Fassets%2Fv3%2Feditorial%2F3%2F54%2F3544d97f-3aa6-50f5-a053-79ec927a4f1e%2F5de01663297b8.image.jpg&f=1&nofb=1&ipt=0ab754ea15e292ea65ce664631db4d070e0e6d4054224d2f95099679fadf1e0e E daí tem a chuva né. A porra de uma chuva de sapos, rãs, não sei. Aqui a gente tem uma transubstanciação cinematográfica, porque para um expectador desavisado isso transcende totalmente as expectativas e concepções. Não se esperava por isso. E o melhor é que isso simplesmente não é muito falado ou explicado, só acontece, como num bom e poderoso realismo fantástico. O absurdo usado para quebrar o ciclo da dor, o choque do ilógico para tirar os personagens de seus infernos pessoais, existe sim toda uma possibilidade de interpretações e observações por trás dessa cena, mas sinceramente? Não importa. Sério mesmo.

Muita coisa ainda não existia e não acontecia na época de Magnólia, não havia 11 de setembro, não havia todo o caos e o cinismo digital, o brain rot, a aceleração quase vertiginosa da hiper conectividade, existia nele ainda um resquício do velho mundo, daquele universo onde as pessoas dependiam de telefones fixos, de conversar cara a cara, de resolver problemas táteis, palpáveis. Magnólia ficou como uma espécie de quadro histórico de uma época bem específica da pós-modernidade, de um cinema americano beirando a dissolução, de uma transição violenta das mídias (VHS para DVD), dos ídolos imperturbáveis de Hollywood e tudo mais.

Enfim, nem vou estender meus argumentos, só queria compartilhar o quanto esse filme é importante para mim e quanto ele é de fato uma obra-prima cinematográfica que transcende o tempo. Aconselho fortemente que assistam caso ainda não conheçam e aconselho que re-assistam caso já tenham visto. É sempre possível tirar algo de novo de uma pérola preciosa da sétima arte. https://external-content.duckduckgo.com/iu/?u=https%3A%2F%2Fmiro.medium.com%2Fmax%2F700%2F1*iEGdDWcgLV_1wFfIvthtig.png&f=1&nofb=1&ipt=0730abe0470bc5dbfa4102c2e703ee72958a6a1bb0bedc73c17b03360662032c Nome: Magnólia Diretor: Paul Thomas Anderson Data de lançamento: 17 de dezembro de 1999 (EUA) País de Origem: Estados Unidos Duração: 188 minutos (3 horas e 8 minutos) Nota no IMDB: 8.0/10 Nota no Letterboxd: 4.2/5

Pra quem gosta de: Chuvas de sapos, coincidências que desafiam o universo, pais terríveis e os filhos que eles estragaram, quebra da quarta parede com trilha sonora, redenção no meio do caos.