Synopsis: In search of explanations a year after the mysterious disappearance of her sister (Melaine), Clover and four friends (Max, Nina, Megan, and Abe) decide to travel to a remote valley where they hope to find the answers they seek. However, they will be "swallowed" into a night of terror they could never have imagined.

Creative freedom. Perhaps this is the great excuse for making this movie. However, to what extent does this hold water when we're talking about a movie adaptation (in this case, based on the video game universe) that theoretically should be identical to the game or, at the very least, contain powerful elements that would make the audience remember it and buy into what they're watching? I know, we won't have the answer to that question in this text, so I'll go with my pure and obvious thought (after all, we're talking about Hollywood) about this movie: money, nothing more. Literally, here's an excellent lesson in how not to make a movie adaptation based on video games.

TecMundo

In a script that ignores (and also doesn't care to respect) practically the entire plot that gave rise to the game (which, by the way, is great and has a narrative full of mystery, suspense and tension), we have here the most recent example of how American cinema is efficient in destroying projects with great stories just to the detriment of how much money it is possible to "extract" from the public (especially from the fans) by making false advertisements with the excuse of making a project with a supposedly refined level of creative freedom to try to "amplify" all the horizons of an already existing idea (when in fact nothing needed to be amplified, just respected within its limits).

I understand that movie adaptations are always a difficult task, especially when dealing with plots filled with intricate details (as is the case with this game, which the movie was supposedly inspired by), but unlike many games, this one is very complete from the outset (as if it had been developed years before to be adapted for movie in the future). The story is great, and there are narrative elements that vehemently embrace the cinematic aesthetic, but this script throws everything away in a way I haven't had the misfortune to see in a long time. To this day, I ask myself: ”How did they do that?”

Ready Steady Cut

On the ground, the main plot (which, for certain, falls very little so that fans recognize it), but also the scenes and characters are used in a disorderly way, as if the project was independent (it's not ironic, if the movie had another title and a different marketing strategy... it could have been a decent movie). This is a complete lie, because this project was sold as a cinematographic adaptation of a famous game (developed by Supermassive Games, published by Sony Computer Entertainment and released for PlayStation 4), and everything was there (because the story was integrated into the game itself), but the result is a real insult.

The possibility of generating empathy for the project is minimal, even for horror movie aficionados (since this should be the culminating point of the project, and even in this aspect, the movie can’t offer anything more substantial to the public). The movie begins with a very well-known dramatic fragment, but in some ways, it continues to contribute something curious to the supernatural dynamics of its idea, but regrettably it doesn't waste time in dealing with ever more pathetic situations under the pretext of creating something more "complex" within new Hebrews that in the end end up being just a pile of absurd executions in a bad packing.

Variety

There's an insertion of completely unnecessary elements here, and viewers who have already played the game will certainly notice all of this with some ease. This is completely disappointing, and even the new creative approach created exclusively for this project doesn't work for new audiences because it remains in a bubble where nothing is explained satisfactorily. In other words, I believe this movie won't please fans of the game, nor the general public (at least not the much more demanding segment), because this project fails miserably on both counts. Without exaggeration, there's very little positive to be said.

One of the biggest challenges in making any movie adaptation is always staying faithful to the source material while simultaneously incorporating new ideas to bring something new (even if most of the project is a kind of "mirror" of material that already exists elsewhere, such as a book or a game). However, when the supposed creative freedom of a script almost completely distorts the original project to the point of making it unrecognizable, it becomes quite obvious that the conception of the idea was brutally distorted within the plot (which is empty, but insists on showing on screen what it definitely has no potential to be: something subversive and brutal).

Fangoria

The "investigative" layer the writers tried to create from the beginning has no well-founded reason for its existence. Most of the narrative elements are simply included in the plot for sheer convenience, as if imposed on the viewer without any opportunity to challenge it. The plot's "theoretical basis" is very poor, and despite a subtle, supposedly psychological explanation for everything happening to all the characters, it's incredibly frustrating to see how nothing seems to make much sense in the scenes (something that, at the height of the third act, is replaced by some good, but very brief, suspense and chase scenes).

The twists and turns of events that determine the plot's progress are too cohesive, lacking any significant tension, and at times rely heavily solely on the gory visual aspect of some endings (which has a positive merit here). The most persistent problem is when everything becomes too repetitive, undermining the already weak potential of the plot in what should be its best aspect: surprising the audience with a level of creativity far more refined than what was seen in the final version. The essence of the game also never quite sinks in, despite there being some ideas that, if better explored (and utilized), could have changed the final result.

Frame Rated

Until Dawn was directed by David F. Sandberg in a very poor and amateurish manner. The movie's budget made it clear that the best idea of the whole thing (the time looping thing, which allows for countless plot twists) couldn't have been better implemented (in fact, here it was completely destroyed and replaced by something completely nonsensical), and the other technical aspects are also poor (with a few exceptions for the practical effects in some suspense and horror scenes). Last but not least, the cast is poor, with absolutely no one standing out (there's just a parade of apathetic characters played by people who appear to be reading from a teleprompter).

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CRÍTICA DE PELÍCULA: “Until Dawn” (2025)

Sinopsis: En busca de explicaciones, un año después de la misteriosa desaparición de su hermana (Melaine), Clover y cuatro amigos (Max, Nina, Megan y Abe) deciden viajar a un valle remoto donde esperan encontrar las respuestas que buscan. Sin embargo, se verán "engullidos" por una noche de terror que jamás imaginaron.

Libertad creativa. Quizás esta sea la gran excusa para hacer esta película. Sin embargo, ¿hasta qué punto esto es válido cuando hablamos de una adaptación cinematográfica (en este caso, basada en el universo de los videojuegos) que, en teoría, debería ser idéntica al juego o, como mínimo, contener elementos impactantes que hagan que el público la recuerde y se comprometa con lo que está viendo? Sé que no tendremos la respuesta a esa pregunta en este texto, así que me quedaré con mi pensamiento puro y obvio (al fin y al cabo, estamos hablando de Hollywood) sobre esta película: dinero, nada más. Literalmente, aquí hay una excelente lección sobre cómo no hacer una adaptación cinematográfica basada en videojuegos.

En un guion que ignora (y tampoco se preocupa de respetar) prácticamente toda la trama que dio origen al juego (que, por cierto, es genial y tiene una narrativa llena de misterio, suspenso y tensión), tenemos aquí el ejemplo más reciente de cómo el cine estadounidense es eficiente en destruir proyectos con grandes historias solo en detrimento de cuánto dinero es posible "extraer" del público (sobre todo de los fans) haciendo publicidad falsa con la excusa de hacer un proyecto con un nivel de libertad creativa supuestamente refinado para intentar "amplificar" todos los horizontes de una idea ya existente (cuando en realidad no había que amplificar nada, solo respetarlo dentro de sus límites).

Entiendo que las adaptaciones cinematográficas siempre son una tarea difícil, sobre todo cuando se trata de tramas llenas de detalles intrincados (como es el caso de este juego, en el que supuestamente se inspiró la película), pero a diferencia de muchos juegos, este es muy completo desde el principio (como si hubiera sido desarrollado años antes para ser adaptado al cine en el futuro). La historia es genial, y hay elementos narrativos que abrazan con vehemencia la estética cinematográfica, pero este guion lo echa todo a perder de una manera que no he tenido la desgracia de ver en mucho tiempo. A día de hoy, me pregunto: ”¿Cómo lo hicieron?”

En principio, la trama principal (que, sin duda, se descuida lo suficiente para que los fans la reconozcan), pero también las escenas y los personajes se utilizan de forma desordenada, como si el proyecto fuera independiente (no es irónico, si la película hubiera tenido otro título y una estrategia de marketing distinta... podría haber sido una película decente). Esto es una completa mentira, ya que este proyecto se vendió como una adaptación cinematográfica de un juego famoso (desarrollado por Supermassive Games, publicado por Sony Computer Entertainment y lanzado para PlayStation 4), y todo estaba ahí (ya que la historia estaba integrada en el propio juego), pero el resultado es un auténtico insulto.

La posibilidad de generar empatía por el proyecto es mínima, incluso para los aficionados al cine de terror (ya que este debería ser el punto culminante del proyecto, e incluso en este aspecto, la película no puede ofrecer nada más sustancial al público). La película comienza con un fragmento dramático muy conocido, pero en cierto modo sigue aportando algo curioso a la dinámica sobrenatural de su idea, pero lamentablemente no pierde tiempo en tratar situaciones cada vez más patéticas con el pretexto de crear algo más "complejo" dentro de los nuevos hebreos que al final terminan siendo solo un montón de ejecuciones absurdas en una mal embalaje.

Se han añadido elementos completamente innecesarios, y quienes ya hayan jugado el juego sin duda lo notarán con cierta facilidad. Es una auténtica decepción, e incluso el nuevo enfoque creativo creado exclusivamente para este proyecto no funciona para nuevos públicos, ya que se queda en una burbuja donde nada se explica satisfactoriamente. En otras palabras, creo que esta película no complacerá ni a los fans del juego ni al público general (al menos no al segmento mucho más exigente), porque el proyecto fracasa estrepitosamente en ambos aspectos. Sin exagerar, hay muy poco positivo que decir.

Uno de los mayores retos al realizar cualquier adaptación cinematográfica es mantenerse fiel al material original e incorporar simultáneamente nuevas ideas para aportar algo nuevo (aunque la mayor parte del proyecto sea una especie de "reflejo" de material ya existente, como un libro o un juego). Sin embargo, cuando la supuesta libertad creativa de un guión distorsiona casi por completo el proyecto original hasta el punto de hacerlo irreconocible, se hace bastante obvio que la concepción de la idea fue brutalmente distorsionada dentro de la trama (que es vacía, pero insiste en mostrar en pantalla lo que definitivamente no tiene potencial de ser: algo subversivo y brutal).

El tono "investigativo" que los guionistas intentaron crear desde el principio carece de una razón de ser bien fundada. La mayoría de los elementos narrativos se incluyen en la trama por pura conveniencia, como si se impusieran al espectador sin posibilidad de cuestionarlos. La "base teórica" de la trama es muy pobre, y a pesar de una sutil explicación, supuestamente psicológica, de todo lo que les sucede a los personajes, resulta increíblemente frustrante ver cómo nada parece tener mucho sentido en las escenas (algo que, en el punto álgido del tercer acto, se ve sustituido por algunas buenas, pero muy breves, escenas de suspense y persecución).

Los giros argumentales que determinan el desarrollo de la trama son demasiado cohesivos, carecen de tensión significativa y, en ocasiones, se basan exclusivamente en el sangriento aspecto visual de algunos finales (lo cual tiene un mérito positivo). El problema más persistente surge cuando todo se vuelve demasiado repetitivo, socavando el ya de por sí débil potencial de la trama en lo que debería ser su mejor aspecto: sorprender al público con un nivel de creatividad mucho más refinado que el de la versión final. La esencia del juego nunca termina de entenderse, a pesar de que hay algunas ideas que, si se hubieran explorado mejor (y utilizado), podrían haber cambiado el resultado final.

Until Dawn fue dirigida por David F. Sandberg de forma muy deficiente y poco profesional. El presupuesto de la película dejó claro que la mejor idea (el looping temporal, que permite innumerables giros argumentales) no podría haberse implementado mejor (de hecho, en este caso fue completamente destruida y sustituida por algo completamente absurdo). Los demás aspectos técnicos también son deficientes (con la excepción de algunos efectos especiales en algunas escenas de suspense y terror). Por último, pero no menos importante, el reparto es pobre, sin ningún personaje que destaque (solo hay un desfile de personajes apáticos interpretados por personas que parecen leer un teleprompter).

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CRÍTICA DE FILME - “Until Dawn: Noite de Terror” (2025)

Sinopse: Na busca por explicações um ano após o misterioso desaparecimento de sua irmã (Melaine), Clover e mais quatro amigos (Max, Nina, Megan e Abe) decidem viajar até um vale remoto onde esperam encontrar as repostas que desejam. No entanto, eles serão “tragados” para uma noite de terror que jamais poderiam imaginar.

Liberdade criativa. Talvez essa possa ser a grande desculpa para este filme ter sido feito. No entanto, até onde isso tem fundamento quando estamos falando de uma adaptação cinematográfica (neste caso, baseada no universo dos games) que teoricamente deveria ser igual ao jogo ou, no mínimo, com elementos massivos fizessem o público lembra dele e comprassem a ideia do que estão assistindo? Eu sei, não teremos neste texto a resposta dessa pergunta, então eu vou com o meu pensamento puro e óbvio (afinal estamos falando sobre Hollywood) sobre este filme: dinheiro, apenas isso. Literalmente, eis aqui uma excelente aula de como não fazer uma adaptação cinematográfica baseada em vídeo games.

Em um roteiro que ignora (e também não faz questão de respeitar) praticamente toda a trama que deu origem ao jogo (que por sinal, é ótimo e tem uma narrativa cheia de mistério, suspense e tensão), temos aqui o exemplo mais recente de como o cinema estadunidense é eficiente ao destruir projetos com ótimas estórias apenas em detrimento de quanto dinheiro é possível “arrancar” do público (em especial, dos fãs) fazendo as propagandas falsas com a desculpa de estar fazendo um projeto com teor de liberdade criativa supostamente apurado para tentar “amplificar” todos os horizontes de uma ideia já existente (quando na verdade nada precisava ser amplificado, apenas respeitado dentro de seu limites).

Eu entendo que fazer adaptações cinematográficas é sempre um trabalho difícil, em especial, quando estamos lidando com tramas repletas de detalhes mais específicos (como é o caso deste jogo no qual o filme deveria ter sido inspirado), mas ao contrário do que muitos jogos oferecem, este aqui é muito completo desde o início da sua concepção (como se já tivesse sido desenvolvido anos antes para ser adaptado cinematograficamente no futuro). A estória é ótima, e há os elementos narrativos que “abraçam” a estética cinematográfica veementemente, mas esse roteiro joga tudo no lixo de um jeito como eu há tempos já não tive a infelicidade de ver. Até agora eu me pergunto: “Como eles fizeram isso?”

Não apenas a trama principal (da qual aliás sobre muito pouco a ser reconhecido pelos fãs), mas também os cenários e os próprios personagens são usados de maneiras aleatórias, como se o projeto fosse um material independente (não ironicamente, se o filme tivesse outro título e uma outra estratégia de marketing... poderia ter sido um filme decente), o que é uma grande mentira, porque esse projeto foi vendido como uma adaptação para os cinemas de um jogo famoso (que foi desenvolvido por Supermassive Games, publicado por Sony Computer Entertainment e lançado PlayStation 4), e tudo já estava lá (porque a estória já estava pronta dentro do próprio jogo), mas o resultado é um verdadeiro insulto.

A chance de criar alguma empatia pelo projeto é mínima, até mesmo para os apreciadores de filmes de horror em si (porque esse deveria ser o ponto alto do projeto, e nem mesmo dentro desse aspecto o filme consegue entregar algo mais substancial ao público). O filme começa sob um fragmento dramático já muito conhecido, mas de que algum jeito ainda traz algo de curioso pela dinâmica sobrenatural da sua ideia, mas infelizmente, não perde tempo em mergulhar em situações cada vez mais patéticas sob o pretexto de estar criando algo mais “complexo” dentro de novas vertentes que no final das contas acabam sendo apenas um amontoado de execuções absurdas dentro de uma embalagem ruim.

Há uma inserção de elementos totalmente desnecessários aqui, e aqueles telespectadores que já tiveram a chance de jogar esse jogo certamente irá notar tudo isso com uma certa facilidade. Isso é totalmente decepcionante, e mesmo a nova abordagem criativa que foi criada exclusivamente para esse projeto não funciona para o novo público, porque se mantém dentro de uma bolha onde nada é explicado de maneira satisfatória. Em outras palavras, eu acredito que esse filme não deve agradar aos fãs do jogo, e nem o público geral (ao menos não aquela parcela que é muito mais exigente), porque esse projeto falha miseravelmente em ambos os lados. Sem exageros, há muito pouco para ser dito de positivo.

Um dos maiores desafios ao fazer qualquer adaptação cinematográfica é sempre se manter fiel ao material original, e ao mesmo tempo, inserir novas ideias para trazer algo de novo (ainda que a maior parte do projeto seja uma espécie de “espelho” do material que já existe em algum outro lugar, como um livro ou um jogo). No entanto, quanto a suposta liberdade criativa de um roteiro descaracteriza quase que por completo o projeto original a ponto de torná-lo em algo irreconhecível, se torna bastante óbvio perceber que a concepção da ideia foi brutalmente deturpada dentro da trama (que é vazia, mas insiste em mostrar na tela o que definitivamente não tem potencial para ser: algo subversivo e brutal).

A camada “investigativa” que os roteiristas tentaram criar desde o início não tem uma razão bem fundamentada para existir. A maior parte dos elementos narrativos simplesmente estão dentro da trama por pura conveniência, como se isso fosse algo imposto ao telespectador sem haver a chance de fazer nenhum tipo de contestação. O “embasamento teórico” da trama é muito ruim, e apesar de haver uma sutil explicação supostamente psicológica para tudo o que está acontecendo com todos os personagens, é muito frustrante perceber como nada parece fazer muito sentido nas cenas (algo que no ápice do terceiro ato é substituído por algumas boas, mas muito breves, cenas de suspense e perseguição).

As idas e vindas nos acontecimentos que determinam o andamento da trama são coesas demais, sem maiores tensões e em alguns momentos apelam fortemente apenas para o aspecto visual sanguinolento de alguns desfechos (que tem um mérito positivo aqui). O problema mais crônico é quando tudo fica repetitivo demais, minando o já fraco potencial da trama naquele que deveria ser o seu melhor aspecto: surpreender o público com um nível de criatividade bem mais afiado do que foi visto na versão final do projeto. A essência do jogo também nunca consegue ser captada, apesar de haver algumas ideias que se tivessem sido melhor exploradas (e aproveitadas), poderiam mudar o resultado final aqui.

Until Dawn: Noite de Terror foi dirigido por David F. Sandberg de uma maneira muito precária e amadora. O orçamento do filme deixou claro que a melhor ideia de todo esse jogo (o looping temporal, que oportuniza as inúmeras reviravoltas na trama) não poderia ter sido melhor implementada (aliás, aqui ela foi totalmente destruída e substituída por algo muito nonsense), e os demais aspectos técnicos também são ruins (com algumas exceções para os efeitos práticos em algumas cenas de suspense e horror). Por último, e muito menos importante, um elenco ruim, onde absolutamente ninguém se destaca (há apenas um desfile de personagens apáticos sendo interpretados por pessoas que aprecem ler algum teleprompter).

Synopsis: A Brazilian father is surprised by his daughter with completely unexpected news: she's getting married to an Argentinian man. In an attempt to bring the two families together so they can get to know each other, what seemed like a friendly trip to Bariloche ends up becoming a “minefield”.

Brazilian cinema boasts a vast collection of comedies. This is undoubtedly a genre that has been well-explored by Brazilian filmmakers and screenwriters for decades. Whether due to the ease of developing their ideas, or even a budgetary issue (since Brazil is a country with a low-impact investment percentage within the movie industry), comedic plots are part of a readily available medium (especially through streaming channels). However, here's another excess of questionable "quality".

CinePOP

Within an overly formulaic narrative (to the point of being irritating at certain points), the plot unfolds during a trip to Bariloche, planned for the two families to get to know each other before their children (a Brazilian and an Argentine) get married. However, things begin to spiral out of control when, largely due to the feud between the two jealous and overprotective in-laws, a series of incidents threaten the couple's fate and new life. The perfect scenario for hilarious misunderstandings is set... But in reality, just a few things work.

I would say the biggest problem with this script was its attempt to fuel a national rivalry between two nations that, while still present (especially in sports, with a particular emphasis on soccer), shouldn't have been the "raw material" for a plot that had so much more to offer the audience. By focusing the dilemma on constant disagreements between the Brazilian father-in-law and the Argentine father-in-law, the script ends up ignoring the other characters, and taking away from them the possibility of delivering something more substantial to what is being developed (even though everything is always very superficial).

CNN Brasil

The plot seems completely lost (even though it's tensely written by six people... yes, three people wrote the script for this silly comedy), as does the work done by director Felipe Joffily. There's not the slightest attempt to explain the events, much less to better explain the motivations of its main characters (since the supporting cast is completely disposable, they become "invisible" characters). All of this makes this production quite boring, and also forgettable even before the final credits "pop" on the screen.

Somewhat ironically, the dramatic part provides good support for the plot as a whole, and even if this part is somewhat poorly explored (some situations are completely outside the realm of what is considered acceptable because they don't justify what obviously requires a much more interesting explanation), it is precisely the fraternal bonds that create the movie's best moments. However, it doesn't take long for the genre's clichés to be misused, which ends up undermining this family relationship as the jokes are being constructed.

Loucos Por Filmes & Séries

There's a cast of stereotypical characters, played by a cast that delivers mixed performances, with the only bright spot being the protagonist, Leandro Hassum, who is already a seasoned comedian in these types of productions. Even so, it's clear that amidst excessive improvisation, the cast is hampered not only by their own performances but also by a script that gives them little positive material to explore. In other words, the jokes are truly weak, and there's no good narrative construction.

Other negative aspects of the movie extend to its technical aspects. The editing is full of abrupt cuts, there's poor set design (even within a setting that should be beautifully designed and used as the main point of interaction for all the characters), not to mention a generic soundtrack and disappointing cinematography. I know it's just a comedy, but there are certain production standards that should be met at least. However, this seems to be a trend in movies made for streaming.

Mix de Séries

To be fair, I believe there's a good intention behind the idea that gave rise to Almost Family (the basis is there, but everything is poorly explored to the point of causing any emotional or genuinely comical commotion). On the other hand, it's impossible not to attribute its failure to its attempt to please a more conventional audience (and since I'm outside that group, perhaps I'm too critical of the quality of what I enjoy watching). I was somewhat certain that this would happen, but I still harbored some hope that something relevant might have emerged.

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CRÍTICA DE PELÍCULA: “Casi familia” (2025)

Sinopsis: Un padre brasileño recibe una noticia completamente inesperada de su hija: se casa con un argentino. En un intento por reunir a las dos familias para que se conozcan, lo que parecía un viaje amistoso a Bariloche termina convirtiéndose en un “campo minado”.

El cine brasileño cuenta con una vasta colección de comedias. Sin duda, este es un género bien explorado por cineastas y guionistas brasileños durante décadas. Ya sea por la facilidad para desarrollar sus ideas o incluso por un problema presupuestario (ya que Brasil es un país con un bajo porcentaje de inversión en la industria cinematográfica), las tramas cómicas son parte de un medio fácilmente accesible (especialmente a través de canales de streaming). Sin embargo, aquí hay otro exceso de "calidad" cuestionable.

Dentro de una narrativa excesivamente formal (hasta el punto de resultar irritante en ciertos momentos), la trama se desarrolla durante un viaje a Bariloche, planeado para que las dos familias se conozcan antes de que sus hijos (un brasileño y un argentino) se casen. Sin embargo, la situación se descontrola cuando, en gran parte debido a la disputa entre los dos suegros celosos e sobreprotectores, una serie de incidentes amenazan el destino y la nueva vida de la pareja. Se crea el escenario perfecto para divertidísimos malentendidos... Pero en realidad, poco funciona.

Diría que el mayor problema de este guion fue su intento de alimentar una rivalidad nacional entre dos naciones que, si bien sigue presente (sobre todo en el deporte, con especial énfasis en el fútbol), no debería haber sido la "materia prima" de una trama que tenía mucho más que ofrecer al público. Al centrar el dilema en los constantes desacuerdos entre el suegro brasileño y el suegro argentino, el guión termina ignorando a los demás personajes, y quitándoles la posibilidad de entregar algo más sustancial a lo que se está desarrollando (aunque todo sea siempre muy superficial).

La trama parece completamente perdida (a pesar de estar escrita con tanta tensión por seis personas... sí, tres personas escribieron el guion de esta comedia absurda), al igual que el trabajo del director Felipe Joffily. No hay el más mínimo intento de explicar los acontecimientos, y mucho menos de explicar mejor las motivaciones de sus protagonistas (dado que los secundarios son completamente prescindibles, se convierten en personajes "invisibles"). Todo esto hace que esta producción sea bastante aburrida, y también olvidable incluso antes de que aparezcan los créditos finales.

Irónicamente, la parte dramática proporciona un buen soporte a la trama en su conjunto, y aunque esta parte está algo mal explorada (algunas situaciones se salen completamente de lo aceptable porque no justifican lo que obviamente requiere una explicación mucho más interesante), son precisamente los lazos fraternales los que crean los mejores momentos de la película. Sin embargo, no tardan en abusar de los clichés del género, lo que termina socavando esta relación familiar a medida que se construyen los chistes.

Hay un elenco de personajes estereotipados, interpretados por un elenco con actuaciones dispares, siendo el único punto positivo el protagonista, Leandro Hassum, quien ya es un comediante experimentado en este tipo de producciones. Aun así, es evidente que, en medio de la excesiva improvisación, el elenco se ve limitado no solo por sus propias actuaciones, sino también por un guion que les ofrece poco material positivo para explorar. En otras palabras, los chistes son realmente flojos y no hay una buena construcción narrativa.

Otros aspectos negativos de la película se extienden a sus aspectos técnicos. El montaje está lleno de cortes abruptos, la escenografía es deficiente (incluso en un escenario que debería estar bellamente diseñado y ser el punto principal de interacción para todos los personajes), por no mencionar una banda sonora genérica y una fotografía decepcionante. Sé que es solo una comedia, pero hay ciertos estándares de producción que deberían cumplirse. Sin embargo, esto parece ser una tendencia en las películas para streaming.

Para ser justo, creo que hay una buena intención detrás de la idea que dio origen a Casi familia (la base está ahí, pero todo está tan mal explorado que puede causar una conmoción emocional o realmente cómica). Por otro lado, es imposible no atribuir su fracaso a su intento de complacer a un público más convencional (y como no pertenezco a ese grupo, quizás soy demasiado crítico con la calidad de lo que disfruto ver). Estaba bastante seguro de que esto sucedería, pero aún albergaba la esperanza de que algo relevante hubiera surgido.

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CRÍTICA DE FILME: “Família, Pero No Mucho” (2025)

Sinopse: Um pai brasileiro é surpreendido pela sua filha com uma notícia totalmente inesperada: ela vai se casar, com um argentino. Na tentativa de juntar as duas famílias para que eles conheçam uns aos outros, o que parecia ser apenas uma viagem amigável por Bariloche, acaba se tornando em um “campo minado”.

O cinema brasileiro tem uma vasta coleção de filmes de comédia. Sem dúvidas, esse é um gênero cinematográfico bem explorado pelos cineastas e roteiristas brasileiros ao longo de décadas. Seja pela facilidade em desenvolver suas ideias, ou até mesmo por uma questão de orçamento (uma vez que o Brasil é um país com porcentagem de investimentos de baixo impacto dentro da indústria do cinema), as tramas cômicas fazem parte de um material que é vendido facilmente (principalmente através dos canais de streamings). No entanto, eis aqui um outro excesso de “qualidade” questionável.

Dentro de uma narrativa demasiadamente formulaica (a ponto de causar irritação em alguns momentos específicos), a trama acontece em meio a uma viagem por Bariloche, que foi planejada para que as duas famílias se conheçam antes que os seus filhos (uma brasileira e um argentino) se casem. No entanto, as coisas começam a sair do controle quando, especialmente por causa da briga entre os dois sogros ciumentos e superprotetores, algumas intercorrências ameaçam o destino e a nova vida do casal. O cenário perfeito para divertidas confusões é armado... Mas efetivamente, pouca coisa funciona.

Eu diria que o maior problema desse roteiro foi tentar alimentar uma rivalidade nacional entre duas nações que, apesar de ainda existir (principalmente nos esportes, com um destaque para o futebol), não deveria ter sido a “matéria-prima” de uma trama que tinha muito mais para oferecer ao público. Centralizando o dilema em constantes desavenças entre o sogro brasileiro e o sogro argentino, o roteiro acaba ignorando os outros personagens, e tirando deles a possibilidade de entregar algo mais substancial para o que está sendo desenvolvido (ainda que tudo seja sempre muito superficial).

A trama parece estar completamente perdida (mesmo tenso sido escrita à seis mãos... sim, três pessoas escreverem o roteiro desta comédia boba), assim como o trabalho feito pelo diretor Felipe Joffily. Não há aqui a mínima tentativa de explicar os acontecimentos, muito menos em explicar melhor as motivações dos seus principais personagens (uma vez que o elenco de coadjuvantes é totalmente descartável, eles se tornam personagens “invisíveis"). Tudo isso torna essa produção em algo bastante enfadonho, e também esquecível antes mesmo de seus créditos finais “pipocarem” na tela.

De um modo um tanto quanto irônico, a parte dramática oferece uma boa sustentação para à trama como um todo, e mesmo que essa parte seja algo mal explorado (algumas situações são totalmente fora do que é considerado aceitável por não justificarem o que obviamente precisaria de uma explicação muito mais interessante), são justamente os laços fraternos que criam os melhores momentos desse filme. No entanto, não demora muito para que os clichês do gênero sejam usados equivocadamente, o que acaba minando essa relação familiar enquanto as piadas vão sendo construídas.

Há uma galeria de personagens estereotipados, interpretados por um elenco que entrega performances bem oscilantes onde o único destaque positivo é o próprio protagonista, Leandro Hassum, por já ser um comediante muito experiente dentro desses tipos de produções. Mesmo assim, é possível notar que no meio de improvisações excessivas, o elenco é prejudicado não apenas pelas suas próprias atuações, mas também por um roteiro que entrega a eles pouco material positivo para ser explorados. Em outras palavras, as piadas são realmente fracas, não há uma boa construção narrativa.

Outros aspectos negativos do filme se estendem à sua parte técnica. A edição das cenas é cheia de cortes abruptos, há uma cenografia precária (mesmo dentro de um cenário que, supostamente, deveria ser muito bonito e explorado como o principal ponto de acesso para todos os personagens interagirem), isso sem mencionar uma trilha sonora genérica e uma fotografia decepcionante. Eu sei que se trata apenas de uma comédia, mas existem os certos padrões de produção que deveriam ser atendidos minimamente. No entanto, isso parece ser uma tendência em filmes feitos para streaming.

Justiça seja feita, eu acredito que até há uma boa intenção por trás da ideia que deu origem a Família, Pero No Mucho (a base está lá, mas tudo é pobremente explorado a ponto de causar alguma comoção emotiva ou realmente cômica), por outro lado, é impossível não condicionar o seu fracasso à sua tentativa de agradar ao público mais convencional (e como eu estou fora desse grupo, talvez eu seja muito crítico quanto a qualidade do que eu gosto de assistir). Eu tinha alguma certeza de que isso aconteceria, mas ainda alimentava alguma esperança de algo relevante poderia ter surgido.

After a somewhat "unusual" initial marketing strategy (so to speak), the campaign to promote Avatar: Fire and Ash (the third chapter in the Avatar franchise) has officially begun, in the traditional way, which is the release of the first extended trailer (this material being just the tip of a much more imposing iceberg, as is already tradition within major Hollywood blockbusters), released on a YouTube channel. I was surprised to see this trailer released now, but at the same time, extremely happy because everything I imagined would happen with this sequel has revealed itself to be something far more impactful so far.

As a die-hard fan of this franchise, I was very eager to see what James Cameron's creative and perfectionist mind had in store, and I'm not surprised to learn how this filmmaker manages to elevate his own work in such a relevant and meaningful way. This time, the plot (which will continue the events of the previous movie) will focus on the Mangkwan Clan (known as the Ash People), the next threat within Pandora. Furthermore, there will most likely be an intensification of the Na'vi's battle against humans within a very political aspect, bringing predatory capitalism to bear on the destruction of the blue planet's ecosystem.

This clan is the starting point for this new adventure, which showcases a new group and their rebellion against traditionalist cultures. This attitude ultimately resulted in a shift away from everything the Na'vi believe in and defend, culminating in chaos among clans and a notable disconnect with the natural world that surrounds them. In the trailer, we barely see this segment, as it's more of a visual reflection of the technical work that brought a new perspective to the audience's eyes. Everything seems grander, as expected (at least by me), and although further details about the narrative itself haven't been released, what's to come is sensational.

Avatar: Fire and Ash hits theaters on December 18th of this year, once again demonstrating the power of a mind that seems to ignore the limits of conventional technology. James Cameron is the kind of director who often "tests" his audience by working with his long deadlines and increasingly bold production techniques, and it always pays off because the results of his movies are always very interesting (to say the least). This time, things will be no different, and as a fan, I'm even more excited to note the technical quality of such a well-thought-out and well-produced work. Now, all that's left is to wait for the movie to premiere.

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El primer tráiler de "Avatar: Fuego y Ceniza" ya se ha publicado.

Tras una estrategia de marketing inicial un tanto inusual (por así decirlo), la campaña de promoción de Avatar: Fuego y Ceniza (el tercer capítulo de la franquicia Avatar) ha comenzado oficialmente, como es habitual: con el lanzamiento del primer tráiler extendido (este material es solo la punta de un iceberg mucho más imponente, como ya es tradición en las grandes superproducciones de Hollywood), publicado en un canal de YouTube. Me sorprendió ver este tráiler publicado ahora, pero al mismo tiempo me alegró muchísimo porque todo lo que imaginaba que sucedería con esta secuela se ha revelado como algo mucho más impactante hasta ahora.

Como fan incondicional de esta franquicia, tenía muchas ganas de ver qué tenía preparado la mente creativa y perfeccionista de James Cameron, y no me sorprende cómo este cineasta consigue elevar su propio trabajo de una forma tan relevante y significativa. Esta vez, la trama (que continuará los eventos de la película anterior) se centrará en el clan Mangkwan (conocido como el Ash People), la próxima amenaza en Pandora. Además, es muy probable que se intensifique la lucha de los Na'vi contra los humanos desde un punto de vista muy político, lo que implicará que el capitalismo depredador destruya el ecosistema del planeta azul.

Este clan es el punto de partida de esta nueva aventura, que presenta a un nuevo grupo y su rebelión contra las culturas tradicionalistas. Esta actitud resultó en un alejamiento de todo aquello en lo que los Na'vi creen y defienden, culminando en el caos entre clanes y una notable desconexión con el mundo natural que los rodea. En el tráiler, apenas vemos este segmento, ya que es más bien un reflejo visual del trabajo técnico que aportó una nueva perspectiva al público. Todo parece más grandioso, como era de esperar (al menos para mí), y aunque no se han publicado más detalles sobre la narrativa, lo que está por venir es sensacional.

Avatar: Fuego y Ceniza llega a los cines el 18 de diciembre de este año, demostrando una vez más el poder de una mente que parece ignorar los límites de la tecnología convencional. James Cameron es el tipo de director que a menudo "pone a prueba" a su público trabajando con plazos de entrega largos y técnicas de producción cada vez más audaces, y siempre vale la pena, porque los resultados de sus películas son, como mínimo, muy interesantes. Esta vez, las cosas no serán diferentes, y como fan, me emociona aún más observar la calidad técnica de una obra tan bien pensada y producida. Ahora solo queda esperar el estreno de la película.

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O primeiro trailer de "Avatar: Fogo e Cinzas" (finalmente) foi lançado.

Depois de uma estratégia de marketing inicial minimamente “inusitada” (por assim dizer), a campanha para promover Avatar: Fogo e Cinzas (que é o terceiro capítulo da franquia Avatar) começou oficialmente, do modo tradicional, que é a divulgação do primeiro trailer estendido (sendo este material apenas uma pequena ponta de um iceberg muito mais imponente, como já uma tradição dentro dos grandes blockbusters hollywoodianos), lançado em um canal do YouTube. Eu fiquei surpreso em ver esse trailer sendo divulgado agora, mas ao mesmo tempo, extremamente feliz porque tudo o que eu imaginava que poderia acontecer com esta sequência, se revelou como algo muito mais impactante até então.

Enquanto um fã incondicional dessa franquia, eu estava muito ansioso para ver o que a mente criativa e perfeccionista do James Cameron preparou, e não fico surpresa em saber como esse cineasta consegue elevar o nível do seu próprio trabalho de uma maneira tão relevante e significativa. Desta vez, a trama (que dará segmento aos acontecimentos do filme anterior) será focada no clã Mangkwan (conhecido como Ash People), a próxima ameaça dentro de Pandora. Além disso, muito provavelmente haverá uma intensificação entre a batalha dos Na’vi contra os seres humanos dentro de um aspecto bastante político, trazendo o capitalismo predatório sobre a destruição do ecossistema do planeta azul.

Esse clã é o ponto de partida para essa nova aventura, que mostra um novo grupo e sua rebeldia em relação as culturas tradicionalistas. Uma atitude que acabou resultando no afastamento sobre tudo o que o povo Na’vi acredita e defende, culminando com o caos entre clãs, além de uma desconexão notável com a natureza que os cerca. No trailer, podemos perceber pouco desse segmento, porque se trata mais de uma contemplação visual sobre o trabalho técnico que trouxe uma nova perspectiva para os olhos do público. Tudo parece ser mais grandioso, como já era esperado (ao menos por mim), e ainda que maiores detalhes sobre a narrativa em si não tenham sido divulgados, o que vem por aí é sensacional.

Avatar: Fogo e Cinzas chegará aos cinemas no dia 18 de dezembro deste ano, mostrando mais uma vez o poder de uma mente que parece desconhecer os limites do que é tecnologicamente convencional. James Cameron é o tipo de diretor que costuma “testar” o seu público ao trabalhar com seus longos prazos e técnicas cada vez mais ousadas de produção, e tudo isso sempre acaba valendo muito à pena porque o resultado dos filmes dele é sempre algo muito interessante (para dizer o mínimo). Desta vez, as coisas não serão diferentes, e enquanto fã, eu estou ainda mais animado em notar toda a qualidade técnica de um trabalho tão bem pensado e bem produzido. Agora, só me resta esperar o filme estrear.

Breaking Bad and Better Call Saul are two of my favorite TV series of all time. Both were the brainchild of Vince Gilligan and have become true benchmarks for creating a high-quality product for the small screen (which can, of course, be easily appreciated on larger screens). The renewed hype surrounding Gilligan's artistic delusions has already begun, and he's focused on Pluribus, the next TV series he'll write, produce, and most likely direct (at least a few episodes). A trailer has finally been released.

In reality, it's a mysterious preview of what's yet to come. In it, all you can see is a woman (probably a general services employee at some large, important company in some as-yet-unknown industry) licking some donuts in a somewhat "vengeful" manner. This footage doesn't provide any useful information about what will happen in the plot (at least not yet), and little is known about its essence. However, knowing Gilligan, the preview must have some very relevant meaning.

I think the idea behind the "teaser trailer" (so to speak... which feels more like a random TV spot) was to tease the audience, fueling a sense of curiosity and uncertainty about the plot itself (which, at least for me, worked quite well). Narratively, the preview of the material seems to bear Gilligan's own signature in a very natural way (the "strangeness" of a seemingly banal act bringing impact and relevance to much more significant scenes throughout a given event), and that was enough to keep me curious about what I still intend to watch.

As for the plot, all that's officially known so far is that the entire story revolves around the unhappiest person on Earth, who is precisely the person responsible for saving the world from happiness. Pluribus stars the excellent Rhea Seehorn as the protagonist and will air (with a double episode) on Apple+ in September of this year (premiering on the 7th). The mysteries and unpredictability of the events surrounding Gilligan's TV series make me believe that this new venture will be no different, and I'm rooting for the results to be incredible.

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”Pluribus”, ¿la próxima obra maestra de Vince Gilligan?

Breaking Bad y Better Call Saul son dos de mis series favoritas de todos los tiempos. Ambas fueron creación de Vince Gilligan y se han convertido en referentes en la creación de productos de alta calidad para la pantalla chica (que, por supuesto, se aprecian fácilmente en pantallas grandes). El renovado entusiasmo en torno a los delirios artísticos de Gilligan ya ha comenzado, y él está centrado en Pluribus, la próxima serie que escribirá, producirá y, muy probablemente, dirigirá (al menos algunos episodios). Por fin se ha publicado un tráiler.

En realidad, es un misterioso adelanto de lo que está por venir. En él, solo se ve a una mujer (probablemente empleada de servicios generales de alguna importante empresa de un sector aún desconocido) lamiendo unas donas con cierta intención de venganza. Este metraje no aporta ninguna información útil sobre lo que ocurrirá en la trama (al menos no todavía), y se sabe poco sobre su esencia. Sin embargo, conociendo a Gilligan, el avance debe tener algún significado muy relevante.

Creo que la idea detrás del "tráiler" (por así decirlo... que parece más un anuncio de televisión cualquiera) era provocar a la audiencia, alimentando la curiosidad y la incertidumbre sobre la trama (lo cual, al menos para mí, funcionó bastante bien). Narrativamente, el avance del material parece llevar la firma de Gilligan de forma muy natural (la "extrañeza" de un acto aparentemente banal aporta impacto y relevancia a escenas mucho más significativas a lo largo de un evento determinado), y eso fue suficiente para mantener mi curiosidad sobre lo que aún tengo intención de ver.

En cuanto a la trama, lo único que se sabe oficialmente hasta ahora es que toda la historia gira en torno a la persona más infeliz de la Tierra, quien es precisamente la responsable de salvar al mundo de la felicidad. Pluribus está protagonizada por la excelente Rhea Seehorn y se emitirá (con un episodio doble) en Apple+ en septiembre de este año (estreno el 7). Los misterios y la imprevisibilidad de los acontecimientos que rodean la serie de televisión de Gilligan me hacen creer que esta nueva aventura no será diferente, y espero que los resultados sean increíbles.

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”Pluribus”, a próxima obra-prima de Vince Gilligan?

Breaking Bad e Better Call Saul são duas das minhas séries de TV favoritas de todos os tempos. Ambas foram resultados da mente criativa de Vince Gilligan, e se tornaram uma verdadeira referência do que é fazer um produto de qualidade extrema para as telas pequenas (que obviamente pode ser facilmente apreciadas em telas maiores). O novo hype sobre os devaneios artísticos de Gilligan já começou, e ele está voltado para Pluribus, que será a próxima série de TV que ele irá escrever, produzir e muito provavelmente dirigir (ao menos alguns episódios). Um “trailer” foi finalmente divulgado.

Na verdade, se trata de uma prévia misteriosa sobre o que ainda está por vir. Nela, é possível ver apenas uma mulher (provavelmente uma funcionária que trabalha no setor de serviços gerais de alguma empresa grande e importante de algum segmento ainda desconhecido) lambendo alguns donuts de um jeito um tanto quanto “vingativo”. Esse material não traz nenhuma informação útil sobre o que acontecerá na trama (ao menos não até esse momento) onde pouco se sabe sobre a essência da mesma. No entanto, conhecendo Gilligan, a prévia deve ter algum significado bem relevante.

Eu penso que a ideia do “teaser trailer” (por assim dizer... que mais aprece um spot TV aleatório) foi provocar o público, alimento uma sensação de curiosidade e incerteza sobre a trama em si (o que ao menos para mim, funcionou bastante). Narrativamente, a prévia do material parece trazer a assinatura do próprio Gilligan de uma maneira bem natural (que é a “estranheza” de um ato aparentemente banal trazendo impacto e relevância em cenas muito mais significativas ao longo de algum acontecimento), e isso já foi o suficiente para me manter curioso sobre o que eu ainda pretendo assistir.

Na trama, tudo o que se sabe oficialmente até este momento, é que toda a estória gira em torno da pessoa mais infeliz da Terra, sendo justamente essa pessoa a responsável por salvar o mundo da felicidade. Pluribus traz no seu elenco a excelente Rhea Seehorn como protagonista, e será exibida (com um episódio duplo) pelo canal Apple+ em setembro deste ano (estreando no dia 07). Os mistérios e a imprevisibilidade dos fatos que cercam as séries de TV de Gilligan me fazem acreditar que esta nova aposta não será diferente, e eu estou torcendo para que o resultado seja muito incrível.

The first film I saw by filmmaker Ryan Coogler was Fruitvale Station, an independent film based on a true story, where the director demonstrated his talent for conveying emotions. And it dealt with a subject rooted in his culture. The success of that film took him to the big leagues. He went straight into the Marvel Universe and into Creed, the Rocky heir franchise. Most will know him from Black Panther and Creed, both very successful, profitable and the director is a key part of that success.

I have no doubt that because of the good box office returns from those franchises he was told to make this movie. I think it was almost 100 million greenbacks for Sinners. I had it pending to see and knew very little about it. I thought it would be a thriller with some action and what a surprise I got. Sinners is a film, whose story reminds me of many B-movies I saw in my teens. If you have read some old posts, you know that I love that kind of movies. Only this one has a high budget, recognized actors and a great technical workmanship.

The filmmaker takes a risk and comes out a winner. It is a somewhat unusual proposal and in the hands of someone without his background, any Hollywood major would have refused to make it, because it seems that there are several films in one. There is a gangster atmosphere, it has touches of blackexploitation, western, action movie, vampire horror, historical drama and musical. I understand the naysayers, who have always found this mix a bit grating, but I found it so fascinating, I rate it as one of the best films released by Hollywood this year.

The plot follows twins Smoke and Stack, who return to Mississippi after working for Al Capone in Chicago. They decide to make money with a nightclub for the people of their culture, the African-Americans, for which they will gather excellent musicians, among them their young cousin Sammie, son of an evangelical pastor. A club of sin for everyone to spend money, get drunk and enjoy that moment of freedom, only they did not count that supernatural evil beings will also be seduced by the liberating music, turning the night into a bloody nightmare.

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La primera película que vi del cineasta Ryan Coogler fue Fruitvale Station, un filme independiente basado en una historia real, donde el director demostró su talento para transmitir emociones. Y trataba un tema arraigado en su cultura. El éxito de esa película le llevó a las grandes ligas. Entró directamente en el Universo Marvel y en Creed, la franquicia heredera de Rocky. La mayoría lo conocerá por Black Panther y Creed, ambas muy exitosas, rentables y el director es una pieza clave de ese éxito.

No me cabe duda de que por los buenos ingresos en taquilla de esas franquicias le dijeron que hiciera esta película. Creo que fueron casi 100 millones de billetes verdes por Sinners. La tenía pendiente de ver y sabía muy poco de ella. Pensé que sería un thriller con algo de acción y menuda sorpresa me llevé. Sinners es un film, cuya historia me recuerda a muchas películas de serie B que vi en mi adolescencia. Si has leído algunos post antiguos, sabes que me encantan ese tipo de películas. Sólo que ésta tiene un alto presupuesto, actores reconocidos y una gran factura técnica.

El cineasta se arriesga y sale ganador. Es una propuesta un tanto inusual y en manos de alguien sin su bagaje, cualquier major de Hollywood se habría negado a hacerla, porque parece que hay varias películas en una. Hay ambiente de gánster, tiene toques de blackexploitation, de western, de película de acción, de terror vampírico, de drama histórico y de musical. Entiendo a los detractores, que siempre han encontrado esta mezcla un poco chirriante, pero a mí me pareció tan fascinante, que la califico como una de las mejores películas estrenadas por Hollywood este año.

La trama sigue a los gemelos Smoke y Stack, que regresan a Mississippi después de trabajar para Al Capone en Chicago. Deciden hacer dinero con un club nocturno para la gente de su cultura, los afroamericanos, para el que reunirán a excelentes músicos, entre ellos su joven primo Sammie, hijo de un pastor evangélico. Un club del pecado para que todos gasten dinero, se emborrachen y disfruten de ese momento de libertad, sólo que no contaban con que seres malignos sobrenaturales también se dejarán seducir por la música liberadora, convirtiendo la noche en una sangrienta pesadilla.

The trailer may sell the film as a vampire horror story, but to me the filmmaker is paying homage to the Blues, a style that has its roots in African-American culture. The music is very important in the film and is something I loved, it was a pleasure every song, every beat. It is here where the composer Ludwig Göransson, in charge of the film's soundtrack, stands out. His arrangements and mix of styles is one of the strengths of the film. There is a mind-blowing sequence, between sounds of the past and the present, in which the director also takes advantage of the moment to stand out visually. At that point in the film I was already completely absorbed in the story. It is not the only sequence that I loved, I also enjoyed the sequence of the vampires dancing to the rhythm of a Celtic folk song.

Music can open doors. It is Sammie's music that attracts Remick, the Irish vampire who tells them that it is their salvation, because they are all dead to society. They have nothing, they can take everything from them when the powerful want it. The KKK has not disappeared, they plan to eliminate them and Remmick offers them salvation. The director includes a social critique and part of the history of his culture, which suffered for a long time from racism and the injustices of the established power. All this under the aura of terror and fantasy. It also has references and inspirations to other stories, from Open to Dawn and the Vampire Chronicles. The director goes all out and wants to put it all in his film.

There is also a lot of sensuality. Anything to do with vampires, deep down, has a sensual overtone. This has been lost a lot in recent Hollywood stories. Good thing the filmmaker has been given free rein and has brought sensuality and sexuality into the story. Recent movies have put me in a very bad mood, stories that all look alike and where the characters don't even fuck. Sex is part of our human nature. As for the cast, everyone is superb. From Michael B Jordan, an actor who has worked many times with the filmmaker. This is his fetish actor. And the rest of the cast, where Jack O Connel stands out as that Irish vampire that I loved.

If you haven't seen it, let yourself get caught by this crazy story. Listen to its music and admire its staging. Watch it and leave me your opinion in the comments.

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Puede que el tráiler venda la película como una historia de terror vampírico, pero para mí el cineasta está rindiendo homenaje al Blues, un estilo que tiene sus raíces en la cultura afroamericana. La música es muy importante en la película y es algo que me encantó, era un placer cada canción, cada compás. Es aquí donde destaca el compositor Ludwig Göransson, encargado de la banda sonora de la película. Sus arreglos y mezcla de estilos es uno de los puntos fuertes de la película. Hay una secuencia alucinante, entre sonidos del pasado y del presente, en la que el director también aprovecha el momento para destacarse visualmente. En ese punto de la película en el que yo ya estaba completamente absorto en la historia. No es la única secuencia que me encantó, también disfruté con la secuencia de los vampiros bailando al ritmo de una canción folclórica celta.

La música puede abrir puertas. Es la música de Sammie la que atrae a Remick, el vampiro irlandés que les dice que es su salvacion , porque todos están muertos para la sociedad. No tienen nada, pueden quitarles todo cuando los poderosos quieran. El KKK no ha desaparecido, planean eliminarlos y Remmick les ofrece la salvación. El director incluye una crítica social y parte del historia de su cultura, que sufrió durante mucho tiempo el racismo y las injusticias del poder establecido. Todo ello bajo el aura del terror y la fantasía. También tiene referencias e inspiraciones a otras historias, desde Abierto a Amanecer y las Cronicas Vampíricas. El director va a por todas y quiere ponerlo todo en su película.

También hay mucha sensualidad. Todo lo relacionado con vampiros, en el fondo, tiene un matiz sensual. Esto se ha perdido mucho en las historias recientes de Hollywood. Menos mal que el cineasta haya tenido vía libre y haya metido sensualidad y sexualidad en la historia. Las películas recientes me han puesto de muy mal humor, historias que se parecen entre sí y en las que los personajes ni siquiera follan. El sexo forma parte de nuestra naturaleza humana. En cuanto al reparto, todos están magníficos. Desde Michael B Jordan, un actor que ha trabajado muchas veces con el cineasta. Este es su actor fetiche. Pasando por el resto del reparto, donde destaca Jack O Connel como ese vampiro irlandés que me encantó.

Si no la has visto, déjate atrapar por esta loca historia. Escucha su música y admira su puesta en escena. Mírala y déjame tu opinión en los comentarios.

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As a cinephile, one of my less interesting memories is having considered American cinema a "mecca" of world cinema at some point. While my former thinking can be largely justified in a simple and straightforward way (the financial power of Americans, as well as the country's influence over other countries), it took me a while to burst that bubble, because until then, my only reference on the subject was precisely what they produced, which reached me through more conventional media outlets.

Fortunately, as I became an adult, my thinking changed. Considering American cinema in such a "savage" way was a decision based not primarily on myself, but rather on what was available to me. Until then (while I was still a teenager forming my character), I really had no idea of the power that existed in the film industries worldwide. Until one day everything “exploded”, and I became aware of everything I had been missing until then (which increased my admiration for art).

For a while, I felt a bit guilty for thinking the way I did. Once I understood that it was an imposed decision and not my own choice, the feeling of frustration faded. At the same time, my interest in world cinema grew, to the point where I practically "forgot" the imposition of what continues to be made by the Americans. After considerable "mental formatting" on this subject, my scope of social and moral appreciation of films gained a breadth I never imagined possible.

My critical sense of what I watch is much sharper, as are my personal tastes regarding what I like and dislike to watch (whether in theaters or at home). Clearly, there has been a massive evolution in how I watch films, and in which countries I want to explore (since, for obvious reasons, watching everything from everywhere is unfeasible). All of this made me “erase” a past that I’m not particularly proud of, and at the same time, it made me a human being with a much better worldview (and I’m not just referring to cinema).

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El oscuro pasado (que ya no existe).

Como cinéfilo, uno de mis recuerdos menos interesantes es haber considerado el cine estadounidense como la "meca" del cine mundial. Si bien mi pensamiento anterior se puede justificar en gran medida de una manera simple y directa (el poder financiero de los estadounidenses, así como la influencia del país sobre otros países), me llevó un tiempo romper esa burbuja, porque hasta entonces, mi única referencia al respecto era precisamente lo que producían, que me llegaba a través de medios de comunicación más convencionales.

Afortunadamente, al hacerme adulto, mi forma de pensar cambió. Considerar el cine estadounidense de una manera tan "salvaje" fue una decisión basada no principalmente en mí, sino en lo que tenía a mi disposición. Hasta entonces (mientras aún era un adolescente que forjaba mi personaje), realmente no tenía ni idea del poder que existía en las industrias cinematográficas a nivel mundial. Hasta que un día todo "explotó" y me di cuenta de todo lo que me había estado perdiendo hasta entonces (lo que aumentó mi admiración por el arte).

Durante un tiempo, me sentí un poco culpable por pensar así. Una vez que comprendí que era una decisión impuesta y no una elección propia, la frustración se desvaneció. Al mismo tiempo, mi interés por el cine mundial creció, hasta el punto de prácticamente olvidar la imposición de lo que siguen haciendo los estadounidenses. Tras un considerable "formateo mental" sobre este tema, mi perspectiva social y moral del cine adquirió una amplitud que jamás imaginé.

Mi sentido crítico de lo que veo es mucho más agudo, al igual que mis gustos personales sobre lo que me gusta y lo que no (ya sea en el cine o en casa). Es evidente que ha habido una evolución enorme en mi forma de ver películas y en qué países quiero explorar (ya que, por razones obvias, ver todo desde cualquier lugar es inviable). Todo esto me hizo "borrar" un pasado del que no me siento particularmente orgulloso y, al mismo tiempo, me convirtió en un ser humano con una visión del mundo mucho mejor (y no me refiero solo al cine).

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O passado sombrio (que não existe mais).

Enquanto cinéfilo, uma das minhas lembranças menos interessantes, é ter considerado o cinema americano como uma “meca” da cinematografia mundial em algum momento. Embora o meu pensamento de outrora possa ser amplamente justificado de uma maneira simples e direta (o poder financeiro dos americanos, bem como à influência do país sobre outros países), eu demorei um pouco para furar essa bolha, porque até então, minha única referência sobre o assunto era justamente o que era produzido por eles, e que chegava até mim através dos meios midiáticos mais convencionais.

Felizmente, à medida em que eu me tornei adulto, o meu pensamento mudou. Considerar o cinema estadunidense de uma maneira tão “selvagem” foi uma decisão baseada não primariamente por mim mesmo, mas sim, pelo que estava disponível ao meu alcance. Até então (enquanto eu era mais adolescente formando meu caráter), eu realmente não fazia a menor ideia dos pode que existia nas indústrias cinematográficas mundo à fora. Até que um dia tudo “explodiu”, e eu me tornei consciente de tudo o que eu estava perdendo até então (o que aumentou à minha admiração pela arte).

Por um certo período, eu me senti um pouco culpado por pensar da maneira que eu pensava. Uma vez que eu entendi que foi uma decisão imposta e não por escolha própria, o sentimento de frustração foi desaparecendo. Em paralelo, o meu interesse pelo cinema mundial foi aumentando, a ponto de eu praticamente “esquecer” a imposição do que segue sendo feito pelos americanos. Depois de uma considerável “formatação mental” sobre esse assunto, o meu escopo de apreciação social e moral sobre os filmes ganhou uma amplitude que eu até então nunca imaginei que poderia alcançar.

Meu senso crítico sobre o que eu assisto é muito mais afiado, assim como os meus gostos particulares sobre o que eu gosto ou não de assistir (seja nos cinemas ou na minha própria casa). Nitidamente, houve uma evolução massiva sobre como eu assisto filmes, e sobre quais países eu desejo explorar (uma vez que, por questões óbvias, assistir a tudo de todos os lugares é algo inviável). Tudo isso me fez “apagar” um passado do qual eu particularmente não me orgulho, e ao mesmo tempo, me tornou um ser humano com uma visão de mundo muito melhor (e não me refiro só ao cinema).

Synopsis: After causing a car accident of unexpected proportions, a group of five friends must deal with the consequences of this terrible act by deciding to cover up the reckless act. A year later, they begin to be threatened by someone who knows what they did last summer and wants to take justice into their own hands.

Welcome (again) to the small (and quiet) town of Southport. In this new version (which is a rather biased mix of remake and sequel), we are faced with a script that practically does not deviate from what has already been seen (and done) in the previous movies. However, it raises the bar in some areas (while falling to the same level - or even lower - in others). Here is a sequel that no one asked for, but which managed, amid the chaos of its problematic execution, to become relevant and significant in terms of “historical revitalization”. Without bringing anything particularly new, between its ups and downs, it is a movie worth seeing (especially for the inherent nostalgia).

IMDb

The Wrap

Bringing back a '90s hit is never an easy task. In fact, when we're talking about projects with notable popular appeal (as is the case with this franchise, at least in relation to the first two movies), I think it's even a thankless task, because there's already a very well-founded foundation, which makes this challenge much more complex. This script followed the events of the first movie to the letter (to be honest, much more than it should have), and by using an overly exaggerated nostalgia (supported by references to some already known events, and especially to old characters), it attempted to give a fresh look to something recent.

There's a valid attempt here to present this narrative to a younger audience, while at the same time, it's an attempt to deliver minimally satisfying material to older audiences (which, in fact, ends up happening, because it's commendable - to a certain extent - the lengths the writers went to evoke as many references as possible throughout this project). However, by choosing not to stray too far from everything that has already been done, this movie does not have its own identity built within a repetitive plot (despite there being one or two good surprises and an unexpected and courageous plot twis at the end of the third act) and this greatly minimizes the creative potential of this project.

Us Weekly

ComicBook

Few changes are made to the original material, but there are numerous references to it (even scenes that were purposefully replicated to heighten nostalgia for older audiences). The way the accident that triggers the new cycle is played out is distinctly different (and less impactful), as are the dynamics between the characters (particularly because they need to interact with the most relevant characters from the previous movies, Julie and Ray). Incidentally, these characters generally have their own stories briefly explained in a few lines of the script (which isn't a major "problem" because the plot itself doesn't require it).

The move toward a bloodier approach was an interesting move. At times, it even manages to divert attention from some "absurd" situations that occur throughout the movie, but it still wasn't enough to make this sequel memorable (as it should have been). Yes, the level of graphic violence is much greater, more visceral, more intense... But what promised to be a bold project became a "sentimentalist" patchwork, supported by a sense of nostalgia that seems to have overshadowed any and all attempts to create something more connected to the present. There are positive aspects to connecting with the past, but dwelling on it was a systematic mistake.

The Star

Flicks

I confess I was pleasantly surprised by the new cast. This group of unknowns (at least to me, haha!) has good chemistry on screen, and it's easy to buy into the idea each of them is selling regarding their respective characters. It's not a group that delivers incredible performances, but they did their best with a script that didn't do them much favors (actually, almost nothing, to be honest... putting them in awkward situations and making some pretty stupid decisions). I can certainly say the same about the very limited appearances of Jennifer Love Hewitt and Freddie Prinze Jr. (they deserved more).

Through its ups and downs, this movie's construction is based on familiar themes, yet it still fails to capitalize on its best-selling points. There isn't even a single considerably good chase scene (and the only one that could have been was wasted on a random character, who was inserted into the plot to be the "link" that would connect the new generation of characters with the brutal events of 1997), the motivations that lead to the murders are a mix of a "futile" motive with a psychological dilemma that deserved a better discussion (mainly because it is a fact connected with the past, within a very broad and more impactful social scope).

Star Movie

Miss Flicks

There was also a sort of "homage" to movies like Urban Legend and Scream, with quite obvious references in certain scenes. I really appreciated the effort this script made to evoke a considerably high level of nostalgia, and it's worth mentioning because that's the foundation of this entire project, but there's a sin of excess. It wasn't a completely bad decision, but it needed to be better balanced. Generally speaking, when we don't have this parameter for comparison, there's little originality left in a package that had a great setting to be properly explored (which, in fact, doesn't happen, because the entire script seems to go in circles).

The fisherman's imposing presence here is almost irrelevant, considering the fact that he has few scenes and their impact isn't as disturbing as before. This is another significant problem with this script, because the main and most pressing threat of the entire plot is reduced to scenes that needed to be much more creative to achieve a more immersive feel. There was a change in the way this killer persona appears and this is a flaw that directly affects the pace of the suspense, because once the killer emerges out of nowhere (without any warning or prior event that justifies his arrival), there is no way to create minimally engaging suspense scenes.

Star Movie

IGN

Partially written (and also directed, in a generic and wavering manner) by Jennifer Kaytin Robinson, I can say that this new version of I Know What You Did Last Summer has its value (especially nostalgic, even for all the references it carries), but at no point does it present itself as something with distant creative potential (especially because it closes the cycle of new characters with a definitive conclusion). However, a post-credits scene propels this franchise toward a possible new sequel, and even though this was revealed to the audience very abruptly, it would be a viable path for a franchise that still has something new and fun to offer.

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CRÍTICA DE PELÍCULA: “Sé lo que hicisteis el último verano” (2025)

Sinopsis: Tras causar un accidente de coche de proporciones inesperadas, un grupo de cinco amigos debe afrontar las consecuencias de este terrible acto y decide encubrir el imprudente acto. Un año después, empiezan a ser amenazados por alguien que sabe lo que hicieron el verano pasado y quiere tomarse la justicia por su mano.

Bienvenidos (de nuevo) al pequeño (y tranquilo) pueblo de Southport. En esta nueva versión (una mezcla bastante sesgada de remake y secuela), nos encontramos con un guion que prácticamente no se desvía de lo ya visto (y hecho) en las películas anteriores. Sin embargo, sube el listón en algunos aspectos (mientras que cae al mismo nível - o incluso más bajo - en otros). He aquí una secuela que nadie pidió, pero que logró, en medio del caos de su problemática ejecución, cobrar relevancia y significación en términos de revitalización histórica. Sin aportar nada particularmente nuevo, entre sus altibajos, es una película que vale la pena ver (sobre todo por su inherente nostalgia).

Recuperar un éxito de los 90 nunca es tarea fácil. De hecho, cuando hablamos de proyectos con un gran atractivo popular (como es el caso de esta franquicia, al menos en relación con las dos primeras películas), creo que es incluso una tarea ingrata, porque ya existe una base sólida, lo que hace que este desafío sea mucho más complejo. Este guion siguió los eventos de la primera película al pie de la letra (para ser honestos, mucho más de lo debido), y mediante una nostalgia exagerada (apoyada en referencias a algunos eventos ya conocidos, y especialmente a personajes antiguos), intentó dar una mirada fresca a algo reciente.

Hay un intento válido aquí de presentar esta narrativa a un público más joven, a la vez que se intenta ofrecer material mínimamente satisfactorio a un público mayor (lo que - de hecho - termina sucediendo, porque es encomiable, hasta cierto punto, el esfuerzo que hicieron los guionistas por evocar tantas referencias como fuera posible a lo largo de este proyecto). Sin embargo, al optar por no alejarse demasiado de todo lo que ya se ha hecho, esta película no tiene una identidad propia construida dentro de una trama repetitiva (a pesar de haber una o dos buenas sorpresas y um plot-twist inesperado y valiente al final del tercer acto) y esto minimiza enormemente el potencial creativo de este proyecto.

Se realizan pocos cambios al material original, pero hay numerosas referencias a él (incluso escenas replicadas a propósito para aumentar la nostalgia en el público más veterano). La forma en que se desarrolla el accidente que desencadena el nuevo ciclo es claramente diferente (y menos impactante), al igual que la dinámica entre los personajes (sobre todo porque necesitan interactuar con los personajes más relevantes de las películas anteriores, Julie y Ray). Por cierto, estos personajes suelen tener sus propias historias explicadas brevemente en unas pocas líneas del guion (lo cual no es un gran problema, ya que la trama en sí no lo requiere).

El paso a un enfoque más sangriento fue una decisión interesante. En ocasiones, incluso consigue desviar la atención de algunas situaciones absurdas que ocurren a lo largo de la película, pero aun así no fue suficiente para hacer que esta secuela fuera memorable (como debería haber sido). Sí, el nivel de violencia gráfica es mucho mayor, más visceral, más intenso... Pero lo que prometía ser un proyecto audaz se convirtió en una amalgama sentimental, sustentada por una nostalgia que parece haber eclipsado cualquier intento de crear algo más conectado con el presente. Conectar con el pasado tiene sus ventajas, pero obsesionarse con él fue un error sistemático.

Confieso que me sorprendió gratamente el nuevo reparto. Este grupo de desconocidos (al menos para mí, ¡jaja!) tiene buena química en pantalla, y es fácil creerse la idea de que cada uno de ellos convence a sus respectivos personajes. No es un grupo que ofrezca actuaciones increíbles, pero hicieron lo mejor que pudieron con un guion que no les favoreció mucho (de hecho, casi nada, para ser sinceros... poniéndolos en situaciones incómodas y tomando decisiones bastante estúpidas). Puedo decir lo mismo de las escasas apariciones de Jennifer Love Hewitt y Freddie Prinze Jr. (ambos merecían más).

Con sus altibajos, la construcción de esta película se basa en temas conocidos, pero aun así no logra capitalizar sus mejores argumentos. No hay ni una sola escena de persecución considerablemente buena (y la única que pudo haber sido se desperdició en un personaje aleatorio, que fue insertado en la trama para ser el "enlace" que conectara a la nueva generación de personajes con los brutales eventos de 1997), las motivaciones que llevan a los asesinatos son una mezcla de un motivo "fútil" con un dilema psicológico que merecía una mejor discusión (principalmente por tratarse de un hecho conectado con el pasado, dentro de un ámbito social muy amplio y de mayor impacto).

También hubo una especie de "homenaje" a películas como Leyenda urbana y Scream: Vigila quién llama, con referencias bastante obvias en ciertas escenas. Aprecié mucho el esfuerzo del guion por evocar un nivel considerable de nostalgia, y vale la pena mencionarlo porque es la base de todo el proyecto, pero hay un pecado de exceso. No fue una decisión del todo mala, pero necesitaba un mejor equilibrio. En general, cuando no tenemos este parámetro de comparación, queda poca originalidad en un paquete que contaba con un gran escenario para explorar a fondo (lo que, de hecho, no ocurre, porque todo el guion parece dar vueltas).

La imponente presencia del pescador aquí es casi irrelevante, considerando que tiene pocas escenas y su impacto no es tan perturbador como antes. Este es otro problema importante con este guion, porque la principal y más apremiante amenaza de toda la trama se reduce a escenas que necesitaban ser mucho más creativas para lograr una sensación más inmersiva. Hubo un cambio en la forma en que aparece este personaje asesino y esto es una falla que afecta directamente el ritmo del suspenso, porque una vez que el asesino surge de la nada (sin ningún aviso o evento previo que justifique su llegada), no hay forma de crear escenas de suspenso mínimamente atractivas.

Parcialmente escrita (y también dirigida, de forma genérica y vacilante) por Jennifer Kaytin Robinson, puedo decir que esta nueva versión de Sé lo que hicisteis el último verano tiene su valor (especialmente nostálgico, a pesar de todas las referencias que contiene), pero en ningún momento se presenta como algo con un potencial creativo lejano (sobre todo porque cierra el ciclo de nuevos personajes con una conclusión definitiva). Sin embargo, una escena post-créditos impulsa a la franquicia hacia una posible secuela, y aunque esta se reveló al público de forma muy abrupta, sería un camino viable para una franquicia que aún tiene algo nuevo y divertido que ofrecer.

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CRÍTICA DE FILME: “Eu Sei o que Vocês Fizeram no Verão Passado” (2025)

Sinopse: Após causarem um acidente de carro de proporções inesperadas, um grupo de cinco amigos precisa lidar com as consequências desse terrível ato ao decidem encobrir esse ato inconsequente. Um ano depois, eles começam a ser ameaçados por alguém que sabe o que eles fizeram no verão passado, e que deseja fazer justiça com as próprias mãos.

Bem-vindos (novamente) a pequena (e pacata) cidade de Southport. Nesta nova versão (que é uma mistura bastante tendenciosa de remake com sequência), estamos diante de um roteiro que não foge em praticamente nada do que já foi visto (e feito) nos filmes anteriores, no entanto, eleva o nível em alguns segmentos (ao mesmo tempo que decaí no mesmo nível - ou até mais - em outros níveis). Eis aqui uma sequência que ninguém havia pedido, mas que conseguiu, em meio ao caos de sua execução problemática, se tornar relevante e significativa em termos de “revitalização histórica”. Sem trazer nada de muito novo, entre altos e baixos, é um filme que vale ser visto (em especial pela inerente nostalgia).

Trazer de volta um sucesso dos anos 90 nunca é uma tarefa muito fácil. Na verdade, quando falamos sobre projetos de um apelo popular notável (como é o caso desta franquia, ao menos em relação aos dois primeiros filmes), eu acho que é até algo ingrato, porque já existe uma base muito bem fundamentada, o que torna esse desafio em algo muito mais complexo. Esse roteiro seguiu à risca (sendo bem honesto, muito mais do que deveria ter seguido) os acontecimentos do primeiro filme, e fazendo o uso de uma nostalgia demasiadamente exagerada (apoiada em referências sobre alguns eventos já conhecidos, e principalmente, em personagens antigos), tentou dar uma nova roupagem para algo recente.

Há aqui uma tentativa válida de apresentar essa narrativa para um público mais jovem, e ao mesmo tempo, a tentativa de entregar ao público mais antigo um material minimamente satisfatório (o que de fato acaba acontecendo, porque é louvável - até certo ponto - o quanto os roteiristas se esforçaram para evocar o máximo de referências possíveis ao longo de todo esse projeto). No entanto, ao escolher não se afastar muito de tudo o que já foi feito, esse filme não tem à sua própria identidade construída dentro de uma trama repetitiva (apesar de haver uma ou outra boa surpresa e um plot-twist inesperado e corajoso no desfecho do terceiro ato) e isso minimiza demais o potencial criativo desse projeto.

Poucas modificações são feitas em relação ao material original, mas há inúmeras referências a ele (até mesmo as cenas que, propositalmente, foram replicadas para aumentar o nível de nostalgia para o público mais antigo). O modo como o acidente que dá origem ao novo ciclo é pontualmente diferente (e menos impactante), assim como a dinâmica entre os personagens também (até porque eles precisam interagir com os personagens mais relevantes dos filmes anteriores, Julie e Ray), que aliás, de uma maneira geral, tem as suas próprias estórias brevemente explicadas em algumas poucas linhas do roteiro (o que acaba não sendo um grande “problema”, porque a própria trama não exige que isso seja feito).

A aposta em uma abordagem mais sangrenta foi uma jogada interessante. Em alguns momentos, até consegue desviar o foco de algumas situações “absurdas” que acontecem ao longo do filme, mas ainda sim, não foi suficiente para fazer dessa sequência algo memorável (como deveria ter sido). Sim, o nível de violência gráfica é muito maior, mais visceral, mais intenso... Mas o que prometia ser um projeto ousado, se tornou uma colcha de retalhos “sentimentalista” que foi apoiada em um sentimento de nostalgia que parece ter sido sobreposto a toda e qualquer tentativa de fazer algo mais conectado com o presente. Há o lado bom de se conectar com o passado, mas deitar sobre ele foi um erro sistemático.

Confesso que eu fui fiquei positivamente surpreso com o novo elenco. O grupo de desconhecidos (ao menos para mim, haha!) tem uma boa química na tela, e é possível comprar facilmente a ideia que cada um deles está vendendo em relação aos seus respectivos personagens. Não se trata de um grupo que traz performances incríveis, mas eles fizeram todo o possível com um roteiro que não os favoreceu em muitas coisas (na verdade, em quase nada para ser realmente honesto... colocando-os em situações constrangedoras, e com algumas decisões bem estúpidas), e sem dúvidas, posso falar o mesmo sobre as participações muito limitadas de Jennifer Love Hewitt e Freddie Prinze Jr. (eles mereciam mais).

Entre altos e baixos, a construção desse filme é pautada dentro de segmentos já conhecidos, e ainda sim, não consegue tirar proveito dos seus melhores argumentos. Não há sequer uma única cena de perseguição consideravelmente boa (e a única que poderia ter sido é desperdiçada com uma personagem aleatória, que foi inserida dentro da trama para ser o “elo” que conectaria à nova geração de personagens com os acontecimentos brutais de 1997), as motivações que levam aos assassinatos é uma mistura de motivo “fútil” com um dilema psicológico que merecia uma melhor discussão (principalmente por ser um fato conectado com o passado, dentro de um escopo social bem amplo e mais impactante).

Houve também uma espécie de “homenagem” a filmes como Lenda Urbana e Pânico, com referências bastante óbvias em determinadas cenas. Eu realmente gostei do esforço que esse roteiro fez ao trazer um nível consideravelmente alto de nostalgia, e é preciso mencionar isso porque essa é a base de todo esse projeto, mas há o pecado pelo excesso. Não foi uma decisão totalmente ruim, mas era preciso dosar melhor essa perspectiva. Em linhas gerais, quando não temos esse parâmetro de comparação, sobra pouca coisa original dentro de uma embalagem quem tinha um ótimo cenário para ser devidamente explorado (o que de fato não acontece, porque todo o roteiro parece ficar andando em círculos).

A presença imponente do pescador aqui é quase irrelevante, considerando o fato de que ele tem poucas cenas e com impactos não tão perturbadores quanto antes. Isso é realmente um outro problema considerável desse roteiro, porque a principal e mais urgente ameaça de toda a trama é reduzida a cenas que precisavam ser muito mais criativas para ter um aspecto mais imersivo. Houve uma mudança no modo em como essa persona assassina aparece e essa é uma falha que afeta diretamente o ritmo do suspense, porque uma vez que o assassino emerge do nada (sem qualquer aviso ou acontecimento prévio que justifique à sua chegada), não há como criar cenas de suspense minimamente envolventes.

Parcialmente escrito (e também dirigido, de maneira genérica e oscilante) por Jennifer Kaytin Robinson, eu posso dizer que essa nova versão de Eu Sei o que Vocês Fizeram no Verão Passado tem o seu valor (sobretudo nostálgico até mesmo por todas as referências que carrega consigo), mas em nenhum momento se apresenta como algo de potencial criativo longínquo (até mesmo porque encerra o ciclo dos novos personagens com uma conclusão definitiva). No entanto, uma cena pós-crédito joga essa franquia para uma possível nova sequência, e ainda que isso tenha sido mostrado ao público muito abruptamente, seria um caminho viável para uma franquia que ainda tem algo de novo e divertido para oferecer.