It is a biographical film about the life of Cuba's best classical dancer Carlos Acosta, who starred in his own story as part of the last character that characterizes him. A film told in an original way highlighting his episodes in two ways: the first with a staging on stage with dancers who narrate moments with the dance that impacted his life; the other way is a continuation of the dance, but without the dance itself but through stories that takes us to the past.

Before watching this film I did not know that there was such a famous person in this art from Cuba, this dancer apart from his great talent that he developed since he was a child with much sacrifice has a characteristic that makes him unique, his skin color, he is black. That maybe was an obstacle or an opportunity, it is not clear in the film, but it is mentioned as something important.

His story begins when he was very young and ran away from school to dance and compete with the neighborhood kids, in the break dance category popular at the time, that angered his father who was looking for him obfuscated. Carlos was the best son of his family, formed by his strong-willed father, his mother and sisters, one day his father tired of taking him off the streets dancing took him to the National School of Dance, one of the best in the world that I did not know. They auditioned him and the teachers checked that he had flexibility and dancer attitudes, but the boy flatly denied that he wanted to dance, the father insisted that the boy did want to, but he didn't know it 😅.

The boy didn't want was to wear those mayas because he looked like a sissy 🤭 and his friends would make fun of him, something that happened, suffering from bullying for several years. During his childhood he went through painful things because of dancing, at first he struggled getting up early and traveling for several hours to get to the dance school, then he was interned in the same school so he could perform, but that caused him a feeling of abandonment and grief, getting depressed, from there his life was in solitary, focused on dance and loving it more every day, because it was the only thing he had and where he felt he could stand out.

This dancer achieved fame by being the first place winner of an international dance competition, he was awarded a scholarship to study in Switzerland and later he was offered a job in London, during this stage he was already a young man.

Opinion

It is an inspiring story and serves as an example for young people and adults, parental guidance at an early stage can be decisive for success and family support is also important.

In spite of economic and family problems, you can get ahead without excuses when you have discipline, that is the only key that guarantees success, perseverance and discipline in everything we do.

It was a movie with episodes that contained drama and joy, I loved the way it was developed, as the only criticism I could make is that they do not show if the dancer came to help his family economically implying that no, since his parents came to old seeing in the same humble house, with the same needs and one of his sisters was sick with schizophrenia and did not receive help, that is the reality that was seen in the film and does not leave him very well in the eyes of the viewers, but he participated in the film and congratulated the sincerity of showing the facts as they are.

Hi Hive guys and the @cinetv community 🎥🖥📽🎞, excited to be back here and tell you about a movie I saw with my classmates. The guidance teacher recommended it for a classroom discussion when we return to school on Tuesday.

At my school, we're talking about artificial intelligence and its use in everyday life, so we're going to have a discussion. Watching this movie, my friends and I had different points of view, and I'm going to tell you my point of view regarding the movie and what I think about the use of artificial intelligence.

I thought it was going to be a boring movie, but it was quite the opposite. The movie is from 2014 and is called Ex Machina (2014). At first, I liked it because it features actor Domhnall Gleeson, the star of one of my favorite movies called About Time from 2013. When I saw him in Ex Machina, I told myself it might be a good movie.

The film is about a boy named Caleb, a programmer at a company who is rewarded with a trip to a remote location, deep in the mountains of difficult access, to conduct research on a robot with artificial intelligence.

There, Caleb meets Ava, a human-like robot who is the target of his research. He will have to perform various tests on her, including performing a Turing test.

But this is where things get complicated, because Caleb creates a somewhat strange relationship with Eva, since she expressed human behaviors and feelings, and I imagine that's what confused Caleb.

I loved how the movie left us thinking about Ava's manipulation by pretending to be in love in order to escape, and how Nathan, the boss, had warned Caleb about this, but he didn't listen and let his feelings and the need he felt to be reciprocated by Eva got the better of him.

I don't think that situation should have happened because Caleb was supposedly a professional and should have known that Ava was programmed to simulate human behavior. I also think she needed a lot of affection. But at the same time, I think Eva deceived us all because in the end, we couldn't understand if Eva really exhibited true human behavior or was just imitating humans.

What I didn't like about the movie is that it was a bit slow at times, but at the same time, thanks to that, I liked the intrigue it left at the end, with many questions and few answers. That was one of the most intriguing parts. Especially because you have to answer for yourself what happened, because the movie leaves many questions open.

One aspect of the film that's quite striking, and what the professor told us, is that it gives us a lot to think about regarding the role of artificial intelligence and to what extent it's good or not. I think all technology is good, but it depends on how we use it. For example, artificial intelligence has done and will continue to do very good things in the field of medicine, as well as in the development of technology. But if we use it for evil, it's not good, or when we stop studying and let it do everything for us, that's not good because otherwise we won't learn anything.

I agree with using AI consciously. I use it to create images and sometimes to understand an exercise, but not to do my homework because otherwise I'll do poorly on the exam.

As for the characters, Nathan, Caleb's boss, is an intriguing but also disturbing character. His arrogance and manipulation are wonderful, although I wouldn't want to encounter someone like that in real life. Ava is the heart of the story; She's a very captivating character, as in the end it's unclear whether she truly had a conscience or was just pretending to have one in order to manipulate the protagonist, which she achieved in a very bold and incredible way. So if you want to learn how to manipulate, this is the movie for you. Hehe

Ava reminds me of some depictions of AI in other films, like I, Robot, since in both films, the two characters are trying to decipher their own personalities, and you can tell they lack a bit of empathy.

And well, if I were Caleb, I probably would have been more cautious with Ava, questioning her intentions before letting myself be swept away by her charms and her personality.

The scene I liked the most was

My favorite scene was when Ava completely reveals herself to Caleb. It's shocking because it changes the dynamic between them and reveals her true colors and intentions. It's a tense moment that leaves everyone reflecting on how far we're willing to go to be free.

Another thing that caught my attention was Ava's body design. Her semi-transparent appearance is, to me, a very beautiful yet strange style because even though we know she's a robot, her way of behaving and acting makes us believe she's a real human being. That part fascinated me because she not only manages to deceive Caleb, but she also deceived us.

The ending was shocking and unexpected for me; it left me reflecting on many things that happened, for example, Caleb's innocence when he was supposed to be a professional, Eva's audacity, her intelligence, and her ability to persuade and deceive.

A better ending for me would have been if Caleb had come to his senses and realized he was being manipulated, but overall, I didn't like the ending because it seems a bit unfair how Ava leaves him locked up when it wouldn't have cost her anything to say goodbye and thank him for freeing her.

I think Ava was very unfair to Caleb. With the action she took against him at the end, there's no doubt he had no feelings and was a living example of being a machine. But my friends tell me there are boys who aren't robots and still behave like Ava. However, I could understand why Ava used him, and it's simply because he was a machine without feelings or emotions, since he hated humans and no longer trusted them. Although he did hate humans, so he did have feelings. In short, this movie left me very confused. #

I hope you watch it and tell me what you think. I'll leave it here because otherwise I'll lose my mind, and I need it because I have a lot of homework to do, lol.

See you in the next recap. Bye guys.

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Hola chicos de Hive y la comunidad de @cinetv 🎥🖥📽🎞, emocionada de estar por aquí nuevamente y comentarles sobre una película que vi con mis compañeras de colegio. El profesor de orientación nos la recomendó para tener un debate en el salón cuando volvamos a clases el martes.

En mi colegio estamos hablando de la inteligencia artificial y su uso en la vida cotidiana, es por ello que tendremos un debate. viendo esta película mis amigas y yo tuvimos diferentes puntos de vista y les voy a contar mi punto de vista con respecto a la película y lo que pienso del uso de la inteligencia artificial.

Pensé que iba a ser una película aburrida pero fue todo lo contrario, la película es del 2014 y se llama Ex Machina (2014) al principio me gustó porque está el actor Domhnall Gleeson protagonista de una de mis películas favoritas llamada Cuestión de tiempo del año 2013 y cuando lo vi en Ex Machina, me dije que tal vez podría ser una buena película.

La película trata de un chico llamado Caleb, un programador de una empresa que como premio le dan un viaje a un sitio alejado del mundo, en unas montañas de difícil acceso, con el fin de que realice un trabajo de investigación a un robot que posee inteligencia artificial.

Caleb en ese sitio conoce a Ava una robot de apariencia humana que es el objetivo de su estudio, él tendrá que hacerle diversos estudios entre esos estudios está realizarle una prueba de Turing.

Pero es aquí donde se complica todo porque Caleb crea una relación un poco extraña con Eva, ya que ella expresaba comportamientos y sentimientos humanos y me imagino que eso fue lo que confundió a Caleb.

Me encantó como la película nos dejó pensando sobre la manipulación de Ava haciéndose pasar como enamorada para así lograr escapar y como Nathan, el jefe le había advertido de esto a Caleb pero éste no le hizo caso y se deja llevar por sus sentimientos y la necesidad que sentía de ser correspondido por Eva.

Yo creo que no debió pasar una situación así porque se supone que Caleb era un profesional y debía saber que Ava estaba programada para simular comportamientos humanos, también creo que necesitaba mucho afecto. Pero a la vez creo que Eva nos engañó a todos porque al final no pudimos comprender si Eva en verdad tenía verdaderos comportamientos humanos o estaba imitando a los humanos.

Lo que no me gustó de la película es que a veces era un poco lenta, pero a la vez gracias a eso me gustó la intriga que deja al final, con muchas preguntas con pocas respuestas, esa fue una de las partes más intrigantes. Sobre todo porque uno mismo tiene que responder qué fue lo que pasó, porque la película deja muchos temas abiertos.

Un aspecto de la película que es bastante llamativo y es lo que el profesor nos dijo es que nos da mucho qué pensar sobre el papel de la inteligencia artificial y hasta qué punto es buena o no. Yo creo que toda la tecnología es buena, pero depende del uso que le demos, por ejemplo la inteligencia artificial en el campo de la medicina ha hecho y podrá hacer cosas muy buenas, así como en el desarrollo de la tecnología, pero si la usamos para hacer el mal no es bueno o cuando dejamos de estudiar y que sea ella la que nos haga todo, eso no es bueno porque sino no vamos a aprender nada.

Estoy de acuerdo en usar la IA conscientemente, yo la uso para elaborar imágenes y a veces para comprender un ejercicio, pero no para que me haga la tarea porque sino en el examen voy a salir mal.

En cuanto a los personajes Nathan le jefe de Caleb, es un personaje intrigante pero también perturbador. Su arrogancia y manipulación es maravillosa, aunque no me gustaría encontrarme con alguien así en la vida real. Ava es el corazón de la historia; es un personaje muy cautivador ya que al final no se supo si en verdad tenía conciencia o sólo fingía tenerla para poder manipular al protagonista, lo que logró de una manera muy audaz e increíble, así que si quieres aprender a manipular esta es tu película ideal. jejje

Ava me recuerda a algunas representaciones de IA en otras películas como Yo Robot, ya que, en las dos películas los dos personajes buscan descifrar sus propias personalidad y se puede decir que les hace falta un poco de empatía.

Y bueno si yo estuviera en el lugar de Caleb, probablemente habría sido más cauteloso con Ava, cuestionando sus intenciones antes de dejarme llevar por sus encantos y su manera de ser.

La escena que más me gustó fue cuando Ava se revela completamente a Caleb, es impactante porque cambia la dinámica entre ellos y muestra su verdadera cara y sus intenciones. Es un momento tenso que deja a todos reflexionando sobre hasta dónde podemos ser capaces de llegar por ser libres.

Otras de las cosas que me llamó la atención fue el diseño corporal de Ava; su apariencia semi-transparente es para mi un estilo muy hermoso y a la vez como extraño porque a pesar de que sabemos que es un robot, su forma de comportarse y de actuar nos hace creer que es un ser humano de carne y hueso. Esa parte me fascinó porque no solo logra engañar a Caleb sino a nosotras también nos engañó.

El final fue para mí impactante e inesperado; me dejó reflexionando sobre muchas cosas que sucedieron, por ejemplo la inocencia de Caleb cuando se supone que era un profesional, la audacia de Eva, su inteligencia y su capacidad de persuadir y engañar.

Un mejor final para mí, podría haber sido que Caleb hubiese razonado y se hubiese dado cuenta que estaba siendo manipulado, pero en conclusión no me gustó su final ya que me parece un poco injusto como Ava lo deja encerrado cuando nada le costaba despedirse y decirle gracias por liberarla.

Creo que Ava fue muy injusta con Caleb, con la acción que tomó al final en contra de Caleb no cabe duda de que no tenía sentimientos y era vivo ejemplo de que era una máquina, pero mis amigas me dicen que hay chicos que no son robot e igual se comportan como Ava. Sin embargo, podría entender por qué Ava lo usó y es sencillamente porque era una máquina sin sentimientos, ni emociones, ya que le tenía odio a los humanos y ya no confiaba en ellos, aunque sí le tenía odio a los humanos, entonces sí tenía sentimientos, en fin, esta película me dejó muy confundida.

Espero la vean y me digan que tal les pareció, yo lo dejo hasta aquí porque sino me voy a quedar sin cerebro y lo necesito porque tengo muchas tareas que hacer, jjejej.

Nos vemos en un próximo resumen, Chao chicos.

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The collection of movies from the 80s is indeed a significantly rich section within the history of the Seventh Art, and this can be easily noticed in the classics that were born during this time. Stand by Me is one of these examples, and nothing throughout its trajectory (which is less than 90 minutes long) is thrown on the screen without relevance to everything that is being built within the plot, which despite being very simplistic (both narratively and technically) in its general context, delivers to the audience an “accidentally timeless” movie due to its somewhat late recognition.

MUBI

In the plot, four friends (Gordie, Chris, Teddy and Vern) with totally opposite personalities decide that they need to find the body of a teenager who had been run over by a train. On a journey that would make them be seen as “heroes” by their other friends and city residents, they did not imagine that in fact that adventure (almost a small collective odyssey) would bring them an impactful result in terms of self-discovery, considering the value of a true friendship as the main “source of inspiration” for this exciting story.

N3rdcore

Everything happens in the small town of Oregon, a place where generally nothing very important seems to happen throughout its “bucolic” days. The monotony is broken in a somewhat “morbid” way within the plot, which uses themes such as premature maturation through innocence lost in the face of challenging events, blood ties (valuing the importance of family), and a “restlessness” that seeks to clarify what our role in the world would be and what that means to us, consolidating itself as a truly unforgettable adventure.

Offscreen

The movie is based on the book The Body, written by Stephen King, and even though it is not a very bold adaptation of the events (in terms of comparison with the written material), it still manages to be relevant due to the magnitude of the themes that are portrayed. A large part of the success of this movie comes from a very didactic approach to the facts, awakening in the audience a greater empathy for the story as a whole and its respective characters (who, by the way, are great... as is the entire cast of children and young people, who deliver committed and entertaining performances).

N3rdcore

I would say that another part of the movie's success (in addition to the excellent script written by Raynold Gideon, Bruce A. Evans and King himself) is Rob Reiner's very assertive direction, because he managed to understand the essence of the project and showed all the essential narrative elements to the public within an intimate construction, which favored not only the drama, but also the comedic side of the plot. Stand By Me is one of those movies with an extremely simple production, low budget, but which carries within itself an immeasurable value for all cinema due to the concept with which it was executed.

This post is my entry for the CineTV Contest #136, which is being promoted by the CineTV community.

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Concurso CineTV: “Cuenta conmigo”, el retrato realista de una verdadera amistad.

La colección de películas de los años 80 constituye una parte significativamente rica de la historia del Séptimo Arte, y esto se puede apreciar fácilmente en los clásicos que nacieron en esa época. Cuenta Conmigo es uno de esos ejemplos, y nada a lo largo de su trayectoria (que no llega a los 90 minutos de duración) es arrojado a la pantalla sin relevancia para todo lo que se va construyendo dentro de la trama, que pese a ser muy simplista (tanto narrativa como técnicamente) en su contexto general, entrega al público una película “accidentalmente atemporal” debido a su reconocimiento algo tardío.

En la trama, cuatro amigos (Gordie, Chris, Teddy y Vern) con personalidades completamente opuestas, deciden que necesitan encontrar el cuerpo de un adolescente que fue atropellado por un tren. En un viaje que les haría ser vistos como “héroes” por sus demás amigos y habitantes de la ciudad, no imaginaban que en realidad aquella aventura (casi una pequeña odisea colectiva) les traería un resultado impactante en términos de autodescubrimiento, considerando el valor de una verdadera amistad como principal “fuente de inspiración” de esta apasionante historia.

Todo sucede en el pequeño pueblo de Oregón, un lugar donde por lo general no parece suceder nada muy importante a lo largo de sus “bucólicos” días. La ruptura de la monotonía ocurre de una manera un tanto “morbosa” dentro de la trama, que utiliza temas como la maduración prematura a través de la inocencia perdida ante eventos desafiantes, los lazos de sangre (valorando la importancia de la familia), y una “inquietud” que busca clarificar cuál sería nuestro rol en el mundo y qué significa eso para nosotros, consolidándose como una aventura verdaderamente inolvidable.

La película está basada en el libro El Cuerpo, escrito por Stephen King, y si bien no es una adaptación muy audaz de los hechos (en comparación con el material escrito), logra ser relevante por la magnitud de los temas que trata. Gran parte del éxito de esta película proviene de un enfoque muy didáctico de los hechos, despertando en el público una mayor empatía por la historia en su conjunto y sus respectivos personajes (quienes, por cierto, son geniales… al igual que todo el elenco infantil y juvenil, que entregan actuaciones comprometidas y divertidas).

Yo diría que otra parte del éxito (además del gran guión escrito por Raynold Gideon, Bruce A. Evans y el propio King) es la dirección tan asertiva de Rob Reiner, porque logró entender la esencia del proyecto y mostró todos los elementos narrativos esenciales al público dentro de una construcción íntima, que favoreció no solo el drama, sino también el lado cómico de la trama. Cuenta Conmigo es una de esas películas de producción extremadamente sencilla, de bajo presupuesto, pero que lleva en sí misma un valor inconmensurable para todo el cine debido al concepto en el que fue ejecutada.

Esta publicación es mi entrada para el Concurso CineTV #136, que está siendo promovido por la comunidad CineTV.

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Concurso CineTV: “Conta Comigo”, o retrato realista de uma amizade verdadeira.

A coleção dos filmes na década de 80 é mesmo um recorte significativamente rico dentro da história da Sétima Arte, e isso pode ser facilmente notado nos clássicos que nasceram nessa época. Conta Comigo é um desses exemplos, e nada ao longo da sua trajetória (que tem menos de 90 minutos de duração) é jogado na tela sem relevância para tudo o que está sendo construído dentro da trama, que apesar de ser muito simplista (tanto narrativamente quanto tecnicamente) no seu contexto geral, entrega ao público um filme “acidentalmente atemporal” pelo seu reconhecimento meio tardio.

Na trama, quatro amigos (Gordie, Chris, Teddy e Vern) com personalidades totalmente opostas entre si, decidem que eles precisam encontrar um cadáver de um adolescente que havia sido atropelado por um trem. Em uma jornada que os faria ser visto como “heróis” pelos seus outros amigos e moradores da cidade, eles não imaginavam que na verdade aquela aventura (quase uma pequena odisseia coletiva) iria lhes trazer um resultado impactante sobre autodescoberta, considerando o valor de uma verdadeira amizade como principal “fonte de inspiração” para essa emocionante estória.

Tudo acontece na pequena cidade de Oregon, um lugar onde geralmente nada muito importante parece acontecer ao longo dos seus dias “bucólicos”. A quebra da monotonia acontece de uma maneira um tanto quanto “mórbida” dentro da trama, que usando temas como amadurecimento precoce através de a inocência perdida diante de acontecimentos desafiadores, os laços de sangue (valorizando a importância da família), e uma “inquietação” que busca esclarecer qual seria o nosso papel no mundo e o que isso significa para nós, se consolida como uma aventura realmente inesquecível.

O filme é baseado no livro O Corpo, escrito por Stephen King, e mesmo não fazendo uma adaptação não muito ousada dos acontecimentos (em termos de comparação com o material escrito), ainda consegue ser relevante pela magnitude dos temas que são retratados. Uma grande parte do sucesso desse filme vem de uma abordagem muito didática sobre os fatos, despertando no público uma maior empatia pela estória como um todo e seus respectivos personagens (que aliás, são ótimos... assim como todo o elenco infanto-juvenil, que entrega performances comprometidas e divertidas).

Eu diria que uma outra parte do sucesso (além do ótimo roteiro escrito por Raynold Gideon, Bruce A. Evans e o próprio King) é a direção muito assertiva do Rob Reiner, porque ele conseguiu entender a essência do projeto e mostrou todos os elementos narrativos essenciais ao público dentro de uma construção intimista, que favoreceu não apenas o drama, mas também o lado cômico da trama. Conta Comigo é um daqueles filmes de produção extremamente simples, baixo orçamento, mas que carrega dentro de si um valor imensurável para todo cinema pela concepção na qual foi executado.

Este post é a minha participação para o Concurso CineTV #136, que está sendo promovido pela comunidade CineTV.

Synopsis: Barnes and Paxton, two young missionaries, have a difficult (and unexpectedly dark) mission ahead of them: to try to convert a man, Mr. Reed, who until then, they didn't know was extremely skeptical about religion and the existence of God.

Using religion to address controversial topics in this segment is not exactly something new in cinema, especially in horror movies. In this case, in addition to the horror (small doses), there is also a great dose of "reverse psychology" suspense (which is by far the most interesting part of the entire plot), both on the positive and negative side. Whether or not you are a person who believes in religion and the existence of God, there is enough strength in the script to make you become an even more religious person, or an even more skeptical person. It all depends on your particular "point of view" on what is being constructed on the screen: an efficient suspense.

MovieManifesto

At one point in this movie, the antagonist of the plot states to one of the protagonists that religion is nothing more than a system of control. This “conclusion” is well-founded by a script that guides the viewer into an immersive narrative construction, which is bold and provocative from the beginning (which, by the way, has a relatively peculiar and at the same time unusual dialogue, justifying the choice of one of the protagonists for her religious conversion), walking through tortuous paths and, with that, showing a powerful bifurcation about belief and disbelief that will certainly move you (because there will be some personal connection with either side presented).

On their last visit after another day of work almost finished, two missionaries need to visit a man who is supposedly interested in knowing a little more about the Church of Jesus Christ of Latter-day Saints (Mormon Church). They are dedicated to trying to convert people through “penetrating” conversations about how important religion is (especially the religion they are part of), and how the world would really be a much better place in this scenario. Their commitment is to not let religion disappear and that is precisely why they are part of the Mormons’ “mass catechization” program, which goes from house to house in search of this pluralized conversion.

The Hollywood Reporter

All that missionary sisters Barnes and Paxton did not expect to find was Mr. Reed, a mysterious man who, fueled by a strong religious skepticism, will do everything to “disconvert” them about what he believes to be a great “timeless collective manipulation” that has engulfed the world, and at the same time, present a new way of seeing the world with the “correct lenses”. Being held hostage in a hostile territory (Mr. Reed’s own home), the two young women then become “key pieces” in a game where the rules are rigidly defined, and has religious conflict as its greatest fuel. A night of horror and revelations that will change the lives of these three people.

The script is strategic, and very well-honed. The choice of a slow pace favors its development, valuing the longer sequence shots to create a more “tangible” atmosphere of tension (something that can be seen in the choice of a few potentially “claustrophobic” scenarios as main sets, and which become complex due to the “geographical interdependencies” of the place where everything happens). The clash between the protagonists and the antagonist starts out being very subtle (and at times even comical, due to the easily perceptible references that are part of pop culture, such as cinema and music, for example), but gradually becomes something more tense and visceral.

Horror Movie

Literally, I see this entire plot as a great (and interesting) “allegory”, which invites the viewer to question to what extent religion is in fact something original (as well as the existence of God), from its conception to its “commercialization” that has become popular throughout the world, creating a kind of “commodification of faith”, spread among more than 10 thousand “unions” that everyone can choose (or not) to follow. The script provokes a potential “catharsis”, which can reach more uncomfortable levels depending on how you see religion as a whole. Nothing is in the story by chance, all the cards that are put on the table are part of the puzzle.

Hugh Grant delivers a mesmerizing performance, building a character full of seemingly superficial layers, but which gradually reveal themselves as something very disturbing. Alongside him, Sophie Thatcher and Chloe East are presented as innocent and simplistic characters, but when they are “peeled” by the circumstances they are facing, they reveal themselves as intelligent and strategic figures. A cast that dialogues very well on screen in all their scenes, and which is also favored by its technical aspects (such as dark settings and lighting). The script's scope embraces all three almost equally, with functional and astutely well-calculated moments.

Deadline

Written and directed by Scott Beck and Bryan Woods, it is very interesting to see that Heretic is not a movie that takes sides. The plot flows naturally (although it needed more explanations about some more specific points, for example, how Mr. Reed became so skeptical about what he thinks and how he made the changes inside his house, which works as an “ingenious captivity”), and offers excellent arguments in its two main fields. The climax of the third act is not conclusive, and that was the best kind of ending this movie could have, after all... No one has the definitive answer on these topics. You simply believe whatever is most convenient for you.

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CRÍTICA DE PELÍCULA: “Hereje” (2024)

Sinopsis: Barnes y Paxton, dos jóvenes misioneros, tienen por delante una difícil (e inesperadamente oscura) misión: intentar convertir a un hombre, el Sr. Reed, que hasta entonces no sabían que era extremadamente escéptico sobre la religión y la existencia de Dios.

Utilizar la religión para abordar temas polémicos dentro de este segmento no es exactamente nuevo en el cine, especialmente en las películas de terror. En este caso, además del terror (en pequeñas dosis), también hay una gran dosis de suspense de “psicología inversa” (que es de lejos la parte más interesante de toda la trama), tanto en el lado positivo como en el negativo. Independientemente de si eres una persona que cree en la religión y en la existencia de Dios, hay suficiente fuerza en el guión como para hacerte convertirte en una persona aún más religiosa, o incluso más escéptica. Todo dependerá de tu particular “punto de vista” sobre lo que se está construyendo en la pantalla: un suspenso eficiente.

En un momento de esta película, el antagonista de la trama le afirma a uno de los protagonistas que la religión no es más que un sistema de control. Esta “conclusión” está bien fundamentada en un guion que guía al espectador hacia una construcción narrativa inmersiva, audaz y provocadora desde el principio (que, por cierto, tiene un diálogo relativamente peculiar y, a la vez, inusual, justificando la elección de una de las protagonistas por su conversión religiosa), recorriendo caminos tortuosos y, con ello, mostrando una poderosa bifurcación sobre la creencia y la incredulidad que sin duda te conmoverá (porque habrá alguna conexión personal con cualquiera de los lados presentados).

En su última visita después de otro día de trabajo casi terminado, dos misioneros necesitan visitar a un hombre que supuestamente está interesado en saber un poco más sobre la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días (Iglesia Mormona). Se dedican a intentar convertir a la gente a través de conversaciones “penetrantes” sobre lo importante que es la religión (especialmente la religión de la que son parte) y cómo el mundo realmente sería un lugar mucho mejor dentro de este escenario. Su compromiso es no dejar que la religión desaparezca y precisamente por eso forman parte del programa de “catequesis masiva” de los mormones, que va de casa en casa en busca de esta conversión pluralizada.

Lo que las misioneras Barnes y Paxton no esperaban encontrar era al Sr. Reed, un hombre misterioso que, impulsado por un profundo escepticismo religioso, hará todo lo posible por "desconvencerlas" de lo que él cree que es una gran "manipulación colectiva atemporal" que ha envuelto al mundo, y al mismo tiempo, presentar una nueva forma de ver el mundo con la "perspectiva correcta". Tomadas como rehenes en territorio hostil (la propia casa del Sr. Reed), las dos jóvenes se convierten en "piezas clave" en un juego cuyas reglas están rígidamente definidas y donde el conflicto religioso es su mayor combustible. Una noche de horror y revelaciones que cambiará la vida de estas tres personas.

El guión es estratégico y muy bien pulido. La elección de un ritmo lento favorece su desarrollo, valorando los planos secuencia más largos para crear una atmósfera de tensión más “tangible” (algo que se aprecia en la elección de unos escenarios potencialmente “claustrofóbicos” como decorados principales, y que se vuelven complejos debido a las “interdependencias geográficas” del lugar donde todo sucede). El choque entre protagonistas y antagonista comienza siendo muy sutil (y por momentos hasta cómico, debido a las referencias fácilmente perceptibles que forman parte de la cultura pop, como el cine y la música, por ejemplo), pero poco a poco se va convirtiendo en algo más tenso y visceral.

Literalmente, veo toda esta trama como una gran (e interesante) “alegoría”, que invita al espectador a cuestionarse hasta qué punto la religión es de hecho algo original (así como la existencia de Dios), desde su concepción hasta su “comercialización” que se popularizó en todo el mundo, creando una especie de “comercialización de la fe”, repartida entre más de 10 mil “uniones” que todas las personas pueden elegir (o no) seguir. El guión provoca una potencial “catarsis”, que puede alcanzar niveles más incómodos dependiendo de cómo se vea la religión en su conjunto. Nada es casual en la historia, todas las cartas que se ponen sobre la mesa son parte del rompecabezas.

Hugh Grant ofrece una actuación fascinante, construyendo un personaje lleno de capas aparentemente superficiales, pero que gradualmente se revelan como algo muy perturbador. Junto a él, Sophie Thatcher y Chloe East se presentan como personajes inocentes y simplistas, pero cuando son “peladas” por las circunstancias a las que se enfrentan, se revelan como figuras inteligentes y estratégicas. Un reparto que dialoga muy bien en pantalla en todas sus escenas, y que además se ve favorecido por sus aspectos técnicos (como los escenarios oscuros y la iluminación). El alcance del guión abarca los tres casi por igual, con momentos funcionales y astutamente bien calculados.

Escrita y dirigida por el dúo Scott Beck y Bryan Woods, es muy interesante ver que Hereje no es una película que toma partido. La escritura de la trama fluye con naturalidad (aunque necesitó más explicaciones sobre algunos puntos más específicos, por ejemplo, sobre cómo el Sr. Reed se volvió tan escéptico sobre lo que piensa y cómo hizo las modificaciones dentro de su casa, que funciona como un “ingenioso cautiverio”), y ofrece excelentes argumentos en sus dos campos principales. El clímax del tercer acto no es concluyente, y ese era el mejor final que esta película podría tener, después de todo... Nadie tiene la respuesta definitiva sobre estos temas. Simplemente cree lo que sea más conveniente para usted.

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CRÍTICA DE FILME: “Herege” (2024)

Sinopse: Barnes e Paxton, duas jovens missionárias tem uma difícil (e inesperadamente tenebrosa) missão pela frente: tentar converter um homem, Sr. Reed, que até então, elas não sabiam que era extremamente cético quanto a religião e a existência de Deus.

Usar a religião para abordar os temas polêmicos dentro desse segmento não é algo exatamente novo dentro do cinema, em especial, nos filmes de horror. No caso deste aqui, além do horror (pequenas doses), há também uma ótima dose de suspense “psicologia reversa” (que de longe, é a parte mais interessante de toda a trama), tanto para o lado positivo quando para o lado negativo. Seja você uma pessoa que acredita, ou não, na religião e na existência de Deus, há força suficiente no roteiro que pode te fazer se tornar em uma pessoa ainda mais religiosa, ou uma pessoa ainda mais cética. Tudo vai depender do seu “ponto de vista” particular sobre o que está sendo construído na tela: um suspense eficiente.

Em um dado momento deste filme, o antagonista da trama afirma para uma das protagonistas que a religião nada mais é do que um sistema de controle. Essa “conclusão” é bem fundamentada por um roteiro que guia o telespectador para dentro de uma imersiva construção narrativa, que é ousada e provocante desde o seu início (que aliás, tem um diálogo relativamente peculiar, e ao mesmo tempo inusitado, justificando a escolha de uma das protagonistas à sua conversão religiosa), andando por caminhos tortuosos e com isso, mostrando uma bifurcação poderosa sobre crença e descrença que certamente mexerá com você (porque haverá alguma conexão pessoal com qualquer um dos lados apresentados).

Na sua última visita após mais um dia de trabalho quase concluído, duas missionárias precisam visitar um senhor que supostamente estaria interessado em saber um pouco mais sobre a Igreja de Jesus Cristo dos Santos dos Últimos Dias (Igreja Mórmon). Elas se dedicam a tentar converter pessoas através de conversas “penetrantes” sobre como a religião é importante (em especial, a religião da qual elas fazem parte), e como o mundo realmente seria um lugar bem melhor dentro deste cenário. O compromisso delas é não deixar a religião desaparecer e justamente por isso elas fazem parte do programa de “catequização em massa” dos mórmons, que vai de casa em casa na busca dessa conversão pluralizada.

Tudo o que as irmãs missionárias Barnes e Paxton não esperavam encontrar era Sr. Reed, um homem misterioso, que alimentado por um ceticismo religioso contundente, fará de tudo para “desconvertê-las” sobre o que ele acha ser uma grande “manipulação coletiva atemporal” que engoliu o mundo, e ao mesmo tempo, apresentar uma nova maneira de enxergar o mundo com as “lentes corretas”. Sendo mantidas reféns em um território hostil (a própria casa do Sr. Reed), as duas jovens então se tornam “peças-chaves” dentro de um jogo onde as regras são rigidamente definidas, e tem no conflito religioso o seu maior combustível. Uma noite de horror e revelações que vai mudar à vida dessas três pessoas.

O roteiro é estratégico, e muito bem afiado. A escolha por um ritmo lento favorece o seu desenvolvimento, valorizando os planos sequências mais longos para criar uma atmosfera de tensão mais “tangível” (algo que pode ser percebido na escolha de poucos cenários potencialmente “claustrofóbicos” como cenografias principais, e que se tornam complexas pelas “interdependências geográficas” do local onde tudo acontece). O embate entre as protagonistas e o antagonista começam sendo muito sutis (e em alguns momentos até cômicos, pelas referências facilmente perceptíveis, que fazem parte da cultura pop, como o cinema e a música, por exemplo), mas gradualmente se tornam algo mais tenso e visceral.

Literalmente, eu enxergo toda essa trama como uma grande (e interessante) “alegoria”, que convida o telespectador a se questionar sobre até onde a religião é de fato algo original (assim como a existência de Deus), desde à sua concepção até à sua “comercialização” que se tornou popular no mundo inteiro, criando uma espécie de “mercantilização da fé”, difundida entre mais de 10 mil “sindicatos” ao qual todas as pessoas podem escolher (ou não) seguir. O roteiro provoca uma “catarse” em potencial, que pode atingir níveis mais incômodos a depender de como você enxerga a religião como um todo. Nada está dentro da estória por acaso, todas as cartas que são postas na mesa fazem parte do quebra-cabeça.

Hugh Grant entrega uma performance hipnotizante, construindo um personagem repleto de camadas aparentemente superficiais, mas que aos poucos se revelam como algo muito perturbador. Ao lado dele, Sophie Thatcher e Chloe East, são apresentadas como personagens inocentes e simplistas, mas quando são “descascadas” pelas circunstâncias que estão enfrentando, se revelam como figuras inteligentes e estrategistas. Um elenco que dialoga muito bem na tela em todas as suas cenas, e que é favorecido também pelos seus aspectos técnicos (como cenários obscuros e a iluminação). A dimensão do roteiro abraça os três quase que igualmente, com momentos funcionais e astutamente bem calculados.

Escrito e dirigido pela dupla Scott Beck e Bryan Woods, é muito interessante ver que Herege não é um filme que toma partido sobre nenhum dos lados. A escrita da trama flui de maneira natural (ainda que necessitasse de mais explicações acerca de alguns pontos mais específicos, por exemplo, sobre como Sr. Reed se tornou tão cético sobre o que ele pensa e como ele fez as modificações dentro da sua casa, que funciona como um “cativeiro engenhoso”), e oferece excelentes argumentos nos seus dois campos principais. O ápice do terceiro ato não é conclusivo, e esse foi o melhor tipo de final que esse filme poderia ter, afinal... Ninguém tem a resposta definitiva sobre esses temas. Você simples acredita no que lhe for mais conveniente.

Cinematographically speaking, the year 1984 would go down in history as one of the most important years of the 80s. In particular, because of a movie called The Karate Kid, which had been released. However, until the first positive reviews began to emerge (spreading a wave of optimism among the public), this movie would be just another one among many others. Fortunately, the journey of this movie was different and over the years, it has become a great franchise.

I haven't yet seen the most recent movie in the franchise, Karate Kid: Legends (which, by the way, is still showing in theaters), but I can say that I have seen everything that has been released before (including the TV series, Cobra Kai... which was a pleasant surprise), and even though it is a franchise with some highs and lows, the essence of the initial project remained intact, with all its narrative values respected and approaches focused on emotional values.

When I watched the promotional material released by Sony Pictures Entertainment, I confirmed what was about to happen: the union of all the projects within a single movie, reinforcing the weight of the sensational legacy within a timeless plot, full of extremely relevant meanings, which work as very useful life lessons for anyone. I have a lot of respect for this franchise and, without a doubt, it is one of my favorites.

Watching this video reminded me of great moments and life lessons that have become unforgettable (on a personal and professional level). This motivated me to write this text, because perhaps many of you also like this franchise, and perhaps you don't know about the existence of this video (even though it is material that was released only a few hours ago). A wise marketing action, which simultaneously works as a “time machine” for all movie buffs.

An iconic central plot, timeless characters and undeniable life lessons. All of this combined with a didactic, exciting approach that purposefully makes us reflect on who we are and where we want to go in a very captivating way. The legacy of this franchise is immense, and this is one of the greatest pleasures that cinema in its artistic vein can offer to people who value all of this. Long live cinema and its “multidimensional” roots.

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"Karate Kid": Legado perdurable.

Cinematográficamente hablando, el año 1984 pasaría a la historia como uno de los años más importantes de la década de los 80. En particular, debido a una película llamada The Karate Kid, que se había estrenado. Sin embargo, hasta que empezaron a aparecer las primeras críticas positivas (que propagaron una ola de optimismo entre el público), esta película sería una más entre muchas otras. Afortunadamente, el viaje de esta película fue diferente y con el paso de los años se ha convertido en una gran franquicia.

Aún no he visto la película más reciente de la franquicia, Karate Kid: Legends (que, por cierto, sigue en cartelera en cines), pero sí puedo decir que ya he visto todo lo que se ha estrenado anteriormente (incluyendo la serie de televisión, Cobra Kai... que fue una grata sorpresa), y aunque es una franquicia con algunos altibajos, la esencia del proyecto inicial se mantuvo intacta, con todos sus valores narrativos respetados y enfoques centrados en los valores emocionales.

Cuando vi el material promocional que lanzó Sony Pictures Entertainment, confirmé lo que estaba por suceder: la unión de todos los proyectos dentro de una sola película, reforzando el peso del legado sensacional dentro de una trama atemporal, llena de significados sumamente relevantes, que funcionan como lecciones de vida muy funcionales para cualquiera. Tengo un gran respeto por esta franquicia y sin duda es una de mis favoritas.

Ver este vídeo me recordó grandes momentos y lecciones de vida que se volvieron inolvidables (a nivel personal y profesional). Esto me motivó a escribir este texto, porque quizás a muchos de ustedes también les gusta esta franquicia, y quizás no saben de la existencia de este vídeo (a pesar de que es material que fue lanzado hace apenas unas horas). Una inteligente acción de marketing, que al mismo tiempo funciona como una “máquina del tiempo” para todos los cinéfilos.

Una trama central icónica, personajes atemporales y lecciones de vida innegables. Todo ello combinado con un enfoque didáctico y apasionante que nos hace reflexionar sobre quiénes somos y hacia dónde queremos llegar de una forma muy cautivadora. El legado de esta franquicia es altísimo, y éste es uno de los mayores placeres que el cine en su vertiente artística puede ofrecer a las personas que valoran todo ello. Viva el cine y sus raíces “multidimensionales”.

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"The Karate Kid": Legado Duradouro.

Cinematograficamente falando, o ano de 1984 entraria para a história como um dos anos mais importantes da década de 80. Em especial, por causa de um filme chamado The Karatê Kid, que havia sido lançado. No entanto, até as primeiras críticas positivas começarem emergir (espalhando uma onda de otimismo no público), esse filme seria mais um dentre tantos outros. Felizmente, a jornada deste filme foi diferente e ao longo dos anos, ele se tornou em uma ótima franquia.

Eu ainda não assisti ao filme mais recente da franquia, Karatê Kid: Lendas (que aliás, ainda está sendo exibido nos cinemas), mas posso dizer que tudo o que já foi lançado anteriormente eu já assisti (incluindo aqui a série de TV, Cobra Kai... que foi uma grata surpresa), e mesmo sendo uma franquia com alguns altos baixos, a essência do projeto inicial permaneceu intacta, tendo todos os seus valores narrativos respeitados e abordagens focadas em valores emocionais.

Quando eu assisti ao material promocional que foi lançado pela Sony Pictures Entertainment, eu confirmei o que estava para acontecer: a união de todos os projetos dentro de um único filme, reforçando o peso do legado sensacional dentro de uma trama atemporal, repleto de significados extremamente relevantes, que funcionam como lições de vida muito funcionais para qualquer pessoa. Eu tenho uma alta estima por essa franquia e sem dúvida, é uma das minhas favoritas.

Assistir esse vídeo me fez lembrar de ótimos momentos, e lições de vida que se tornaram inesquecíveis (a nível pessoal e profissional). Isso me motivou a escrever esse texto, porque talvez muitos de vocês também gostem dessa franquia, e talvez não saibam da existência desse vídeo (mesmo sendo um material que foi divulgado há apenas algumas horas). Uma sábia ação de marketing, que simultaneamente, funciona como uma “máquina do tempo” para todos os cinéfilos.

Uma trama central icônica, personagens atemporais e incontestáveis lições de vida. Tudo isso aliado a uma abordagem didática, emocionante e que propositalmente nos faz refletir sobre quem nós somos, e para onde nós queremos ir de um jeito muito cativante. O legado dessa franquia é altíssimo, e esse é um dos maiores prazeres que o cinema na sua veia artística pode oferecer as pessoas que valorizam tudo isso. Vida longa ao cinema e suas raízes “multidimensionais”.

The title of this movie made a lot of noise to me once I finished watching it, because it conflicted with what I consider to be a good wife, but perhaps from a man's point of view the character of the wife represents the good wife. It is a movie based on the 1975 novel "The Good Wife" written by American author Lois Chiles and is inspired by a true story supposedly from the life of Joan Castleman, who lived in the shadow of her husband, award winning writer and scholar Joe Castleman, but this is not the real thing.

I gave myself the task of researching before doing this review, as I was curious to know the story of the people who inspired the novel, and to know about the Nobel Prize winner, but the couple mentioned above do not exist, but Yuliya Solntseva and her husband, also a director, do exist, Alexander Petrovich Dovjenko, and I find it more convincing that this couple is the real inspiration for everything, well I started watching the movie because it stars actress Glenn Close and she is one of my favorite actresses, here she assumed a very different role to what she has accustomed to the audience.

It all starts with an elderly couple sleeping and playing between the sheets, anxious to receive a call to confirm if the man is the winner of the Nobel Prize for Literature. In fact it happened and the whole film takes place in the time lapse of preparation to receive the award and the day they receive it, during this time we see how they met, what they lived as a couple and their small achievements between a swing of past and present, in that we can know the personality of the main characters the husband, wife and son who accompanies him to receive the award.

Joe Castleman is the writer who will be honored, self-centered character, but at the same time is very dedicated to his wife, looks very much in love and publicly thanks his wife for everything. However, at the slightest carelessness of his wife he tries to seduce other women. He mistreats his son to not appreciate his efforts and uses him as a mockery in front of friends.

David Castleman is the son who admires his father, and also wants to be a writer, but does not believe in his talent, he needs his father's approval to trust him. He is an insecure man, weak in character and easy to handle.

Joan Castleman is the wife, dedicated to her husband full time, she is the one who knows what time and what medicine to take, she loves him, but it seems more to him than to herself. She also writes and had a great talent, she is submissive, but does not want to be remembered as a victim of her husband.

This marriage met when Joe was a professor at a university and taught literature apprentices to write, he was a writer of short stories, but was not recognized, he was married and had a daughter, while Joan was a good student who fell in love with her professor and accepted to be his nanny, ending up as lovers, and then became his second wife.

Joan wanted to be a famous writer, but in her time women were not considered for awards, or so she thought, so she gave up her idea and preferred to develop her talent helping her husband, at first she was the editor of his books and who put him in contact with publishers, then she was the one who was in charge of writing while her husband cooked and took care of the children.

They had an attached and toxic relationship, when he would get angry he would threaten to leave her and tell her to use her emotions of sadness or frustration to write and she would do it as a form of venting, but they continued together. The ending of the movie was a bit distressing and dramatic, I don't know how much fiction or reality it was, but I felt bad for the good wife for handling her passions the wrong way and wasting her talent and life on someone who didn't deserve it. It concluded that the character of the good wife was not a victim, because she allowed it to happen.

I enjoyed watching this movie because I learned a bit about the atmosphere and preparation for the Novel Awards ceremony, as well as the protocol that must be followed to receive them, how to bow to the King, the award winners and the audience, among other things. I recommend watching the movie because it is short, with a fast pace and good actors.

Every year, Hollywood delivers a series of movies that are usually highly anticipated by the general public. This year things are no different, and one of these movies is precisely F1. In the plot, which obviously takes place within the world of Formula 1 racing, a retired driver needs to train a new team with a younger driver. A seemingly simple plot, but one that has been “catching the attention” of the public due to its budget.

Long before the first visual material about this movie was officially released to the world, this movie began to be considered as one of the most expensive projects ever made to date, with an estimated production budget of no less than US$ 300 million. Large budgets are not usually controversial in movies with high potential for profitability (especially when it comes to possible franchises)... But that is not the case here.

F1 is a project with isolated potential, with no room to later become a franchise (although this could be “easily” converted by those working behind the scenes, depending on how much profit the studios involved will make), and that is precisely why the project has been seen as “controversial” (even after the movie’s visuals were officially revealed) because so much money does not seem to have been justified in the production of the project.

With all the rumors behind this astronomical budget to produce a single movie, one of the biggest producers in Hollywood (Jerry Bruckheimer, who is also the producer of this movie) had to join forces with the movie’s director (Joseph Kosinski) to explain what was happening. This ended up triggering a discussion about concession rights for filming in different countries, going into more detailed aspects, such as discounts and great tax incentives.

There is also the issue of the sponsors involved, and in the case of this movie, the team of sponsors is something quite relevant (after all... we are talking about an extremely important part of the automobile market). When we put all these elements together, it is remarkable to see why this upcoming movie starring Brad Pitt has been gaining the media spotlight, and in a way, all of this is converted into free marketing.

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El curioso caso de la película “F1”.

Cada año, Hollywood ofrece una serie de películas que suelen ser muy esperadas por el público en general. Este año las cosas no son diferentes, y una de esas películas es precisamente F1. En la trama, que obviamente se desarrolla dentro de las esferas del universo de las carreras de Fórmula 1, un piloto retirado necesita entrenar a un nuevo equipo con un piloto más joven. Una trama aparentemente sencilla, pero que ha “llamado la atención del público” por su presupuesto.

Mucho antes de que el primer material visual sobre esta película fuera lanzado oficialmente al mundo, esta comenzó a ser considerada como uno de los proyectos más caros jamás realizados hasta la fecha, con un presupuesto de producción estimado en nada menos que US$ 300 millones. Los grandes presupuestos no suelen ser controvertidos en películas con alto potencial de rentabilidad (sobre todo cuando se trata de posibles franquicias)... Pero ese no es el caso aquí.

F1 es un proyecto con potencial aislado, sin espacio para convertirse posteriormente en una franquicia (aunque esta podría ser "fácilmente" convertida por quienes trabajan detrás de escena, dependiendo de cuántas ganancias haya para los estudios involucrados), y es precisamente por eso que el proyecto ha sido visto como "controvertido" (incluso después de que se revelaran oficialmente las imágenes de la película) porque tanto dinero parece no haber sido justificado en la producción del proyecto.

Ante todos los rumores que había detrás de este presupuesto astronómico para producir una sola película, uno de los mayores productores de Hollywood (Jerry Bruckheimer, quien por cierto es el productor de esta película) tuvo que unirse al director de la película (Joseph Kosinski) para explicarle lo que estaba sucediendo. Esto acabó desencadenando una discusión sobre los derechos de concesión para filmar en distintos países, entrando en aspectos más detallados, como descuentos y grandes incentivos fiscales.

También está el tema de los patrocinadores involucrados, y en el caso de esta película, el equipo de patrocinadores es algo bastante relevante (después de todo… estamos hablando de una parte extremadamente importante del mercado automovilístico). Cuando juntamos todos estos elementos, es notable ver por qué esta próxima película protagonizada por Brad Pitt ha estado ganando la atención de los medios y, de alguna manera, todo esto se convierte en marketing gratuito.

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O curioso caso do filme “F1”.

Todos os anos, Hollywood entrega uma leva de filmes que costumam ser muito aguardos pelo público em geral. Neste ano as coisas não são diferentes, e um desses filmes é justamente F1. Na trama, que obviamente acontece dentro das esferas do universo das corridas de Fórmula 1, um piloto aposentado precisa treinar uma nova equipe com um corredor mais jovem. Uma trama aparentemente simples, mas que vem “chamando a atenção” do público pelo seu orçamento.

Muito antes do primeiro material visual sobre este filme ser divulgado oficialmente para o mundo, esse filme começou a ser considerado como um dos projetos mais caros já feitos até então, por ter um orçamento de produção estimado em nada menos do que US$ 300 milhões. Grandes orçamentos não costumam ser algo controverso em filmes com alto potencialmente de lucratividade (principalmente em se tratando de possíveis franquias)... Mas esse não é o caso aqui.

F1 é um projeto com potencial isolado, sem espaço para se tornar posteriormente numa franquia (embora isso possa ser “facilmente” convertido por quem estiver trabalhando nos bastidores, a depender de quanto será o lucro para os estúdios envolvidos), e é justamente por isso que o projeto tem sido visto como “controverso” (mesmo depois do visual do filme ter sido revelado oficialmente) porque tanto dinheiro parece não ter sido justificado na produção do projeto.

Todos os boatos por trás desse orçamento astronômico para produzir um único filme, um dos maiores produtores de Hollywood (Jerry Bruckheimer, que aliás, é o produtor deste filme) teve que se unir ao diretor do filme (Joseph Kosinski) para explicar o que estava acontecendo. Isso acabou desencadeando uma discussão sobre direitos de concessão para filmagens em diferentes países, entrando em aspectos mais detalhados, como os descontos e ótimos incentivos fiscais.

Há também a questão dos patrocinadores envolvidos, e no caso deste filme, o time de patrocinadores é algo bastante relevante (afinal... estamos falando sobre uma parte extremamente importante do mercado automobilístico). Quando juntamos todos esses elementos, é notável perceber a razão pela qual esse próximo filme que será protagonizado por Brad Pitt vem ganhando os holofotes da mídia, e de uma certa maneira, tudo isso é convertido em marketing gratuito.