A very common practice within the cinematographic universe is to hold so-called test screenings of movies before they receive (or not) their final cut, and are then released around the world. This strategy aims to mitigate possible errors, which may be directly linked to the script's narrative or its technical part. The audience is selected in a relatively “random” manner, to ensure that reactions are as different as possible.

These people always sign confidentiality agreements and must follow all the rules set out in the contract, and the result is usually interesting for the studios because this almost always works. When there is a movie with a high potential for repercussion, this “protection measure” is activated, and when ignored, it generally brings a “wave of losses”. Over the decades, many studios (and their respective movies) have already been really harmed.

Thinking about this increasingly frequent trend, there are some rumors that studios are creating “groups with special audiences” (in this case, fans) to predict potential problems in their future productions. Since fans are more categorical, attentive and always more sincere in their judgment of what they want to watch, the idea is to use them as the “voice of reason” and direct projects along the best possible paths before specific versions.

Even if it is an idea considered efficient, it is not something that can be widely used because the public's perception fluctuates a lot in relation to a cinematographic genre that is not more specific (which in this case, are movies based on comic books or video games). Anything outside this scope tends to be quite pluralized, making the use of test views more random and without a purpose much more efficient.

At the end of the day, it's always good to listen to the audience, because it's their complaints that can change the fate of movies that aren't well thought out or executed by the original creative team and all its other professionals. In practice, an opinion from the “outside world” is needed so that there is a clearer and more assertive vision of what is being done by the studios. I don't see the popularization of this action happening, but I still consider it something very positive.

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La voz de la razón.

Una práctica muy común dentro del universo cinematográfico es realizar las llamadas proyecciones de prueba de las películas antes de recibir (o no) su montaje final, para luego ser estrenadas en todo el mundo. Esta estrategia pretende mitigar posibles errores, que pueden estar directamente ligados a la narrativa del guión o a su parte técnica. La audiencia se selecciona de forma relativamente “aleatoria”, para garantizar que las reacciones sean lo más diferentes posible.

Estas personas siempre firman acuerdos de confidencialidad y deben seguir todas las reglas marcadas en el contrato, y el resultado suele ser interesante para los estudios porque casi siempre funciona. Cuando hay una película con un alto potencial de repercusión se activa esta “medida de protección”, y cuando se ignora, generalmente trae una “ola de pérdidas”. A lo largo de las décadas, muchos estudios (y sus respectivas películas) ya se han visto realmente perjudicados.

Pensando en esta tendencia cada vez más frecuente, existen algunos rumores de que los estudios están creando “grupos con audiencias especiales” (en este caso, fans) para predecir posibles problemas en sus futuras producciones. Como los fans son más categóricos, atentos y siempre más sinceros en su juicio sobre lo que quieren ver, la idea es utilizarlos como “voz de la razón” y encaminar los proyectos por los mejores caminos posibles antes de versiones concretas.

Si bien es una idea considerada eficiente, no es algo que pueda ser ampliamente utilizado porque la percepción del público fluctúa mucho en relación a un género cinematográfico que no es más específico (que en este caso son películas basadas en cómics o videos juegos). Todo lo que esté fuera de este alcance tiende a estar bastante pluralizado, lo que hace que el uso de vistas de prueba sea más aleatorio y sin un propósito mucho más eficiente.

Al final del día, siempre es bueno escuchar al público, porque son sus quejas las que pueden cambiar el destino de películas que no están bien pensadas o ejecutadas por el equipo creativo original y todos sus demás profesionales. En la práctica, se necesita una opinión del “mundo exterior” para que haya una visión más clara y asertiva de lo que se hace desde los estudios. No veo que se vaya a popularizar esta acción, pero sigo considerándola algo muy positivo.

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A voz da razão.

Uma prática bem comum dentro do universo cinematográfico é fazer as chamadas exibições testes de filmes antes que eles recebam (ou não) o seu corte final, e em seguida, serem lançados mundo à fora. Essa estratégia tem o objetivo de mitigar possíveis erros, que podem estar diretamente ligados à narrativa do roteiro ou à sua parte técnica. O público é selecionado de uma maneira relativamente “aleatória”, para garantir que as reações sejam as mais diferentes possíveis.

Essas pessoas sempre assinam termos de confidencialidade e precisam seguir todas as regras previstas em contrato, e o resultado costuma ser interessante para os estúdios porque isso quase sempre funciona. Quando existe algum filme com um alto potencial de repercussão, essa “medida de proteção” é ativada, e quando ignorada, geralmente traz uma “onda de prejuízos”. Ao longo de décadas, muitos estúdios (e seus respectivos filmes) já foram realmente prejudicados.

Pensando nessa tendência cada vez mais frequente, há alguns rumores de que estúdios estariam criando “grupos com públicos especiais” (neste caso, os fãs) para prever potenciais problemas em suas futuras produções. Uma vez que fãs são mais categóricos, atenciosos e sempre mais sinceros em relação ao julgamento do que eles querem assistir, a ideia é usá-los como a “voz da razão” e direcionar os projetos pelos melhores caminhos possíveis antes das versões pontuais.

Mesmo que seja uma ideia considerada eficiente, não é algo que pode ser amplamente utilizado porque a percepção do público oscila bastante em relação a um gênero cinematográfico que não seja mais específico (que neste caso, são filmes baseados em histórias em quadrinhos ou vídeo games). Qualquer coisa fora deste escopo tende a ser bastante pluralizada, tornando a utilização das exibições testes em algo mais aleatório e sem um propósito bem mais eficiente.

No final das contas, é sempre bom ouvir o público, porque são as reclamações deles que podem mudar o destino dos filmes que não são bem pensados ou executados pela equipe criativa original e todos os seus demais profissionais. Na prática, é preciso uma opinião do “mundo externo” para que haja uma visão mais clara e assertiva do que vem sendo feito pelos estúdios. Eu não vejo a popularização dessa ação acontecendo, mas ainda considerado algo muito positivo.

It all started with great speculation that Joker: Folie à Deux would be a musical movie. In fact, this became a fateful confirmation (at least for me, as I don't like this type of movie). So, Todd Phillips returned to his directorial chair, deciding to walk an “unknown” road, which gave him no guarantee of success: the “infamous” music scene (which by nature is an extremely fragmented cinematic genre). A risky creative decision to be very honest, but within a better thought out and executed proposal it could have been something really incredible.

Since Phillips himself helped write the script (along with two other people), he seemed confident with the work he was writing, not least because the project was accepted and received a large budget to finance its production. Joaquin Phoenix's return was more than obvious (despite the suspense surrounding his rehiring) and along with him, the additional presence of Lady Gaga (within a new narrative composition) brought a more “intense” vibe. The combination of these names seemed quite promising, but the result on screen is disastrous on different layers.

Considering the natural power of the two characters (Joker and Harley Quinn), it was expected that the script would work within the full explosive potential of this unexpected couple, however, the movie fails miserably in doing this and the fact that it has its base within A structure set entirely to music only makes the experience of watching this sequence tiring and tedious. Nothing the project proposes is done right, and what could be memorable is terrible. The romance is failed, the couple's psychology is wasted and the court atmosphere is, literally, a big “circus”.

IGN Nordic

Although technically the movie has its qualities, in the general context it is forgettable material because it doesn't try to bring anything impactful, and even if it tried to do something unconventional, all Phillips managed to do was go in circles within his own objective: create a kind of “rupture” between reality and fiction (something that never actually ends up happening, despite all the excessive musical insertions that clash with the narrative). There are countless moments where the songs break the rhythm of the movie, and the lack of connection becomes increasingly noticeable.

DC Comics is already marked in the history of cinema (especially superheroes and anti-heroes) with this failure. Literally, it is one of the most uninteresting projects of this year and particularly speaking, a great disappointment when it comes to exploring some important themes such as mental health, treatment in a psychiatric system, violence (gratuitous or not), glorification of the image of accidental leaders and some other socio-political-cultural points. A movie that no one asked for, that didn't need to be made and that will only be remembered as a failed sequel.

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Arthur Fleck, Lee Quinzel y las expectativas frustradas de una película que podría haber sido genial.

Todo comenzó con grandes especulaciones de que Joker: Folie à Deux sería una película musical. De hecho, esto se convirtió en una confirmación fatídica (al menos para mí, que no me gusta este tipo de películas). Entonces, Todd Phillips regresó a su silla de director y decidió recorrer un camino “desconocido”, que no le daba garantías de éxito: la escena musical “infame” (que por naturaleza es un género cinematográfico extremadamente fragmentado). Una decisión creativa arriesgada, pero dentro de una propuesta mejor pensada y ejecutada podría haber sido increíble.

Dado que el propio Phillips ayudó a escribir el guión (junto con otras dos personas), parecía seguro con el trabajo que estaba escribiendo, sobre todo porque el proyecto fue aceptado y recibió un gran presupuesto para financiar su producción. El regreso de Joaquin Phoenix fue más que obvio (a pesar del suspense que rodeaba su recontratación) y junto a él, la presencia adicional de Lady Gaga (dentro de una nueva composición narrativa) trajo una atmosfera más “intensa”. La combinación de estos nombres parecía bastante prometedora, pero el resultado en pantalla es desastroso en diferentes capas.

Considerando el poder natural de los dos personajes (Joker y Harley Quinn), se esperaba que el guión funcionara dentro de todo el potencial explosivo de esta pareja inesperada, sin embargo, la película falla estrepitosamente en lograr esto y el hecho de que tiene su base dentro de una estructura ambientada enteramente con música solo hace que la experiencia de ver esta secuencia sea agotadora y tediosa. Nada de lo que propone el proyecto se hace bien y lo que podría ser memorable es terrible. El romance fracasa, la psicología de la pareja se desperdicia y el ambiente de la corte es, literalmente, un gran “circo”.

Aunque técnicamente la película tiene sus cualidades, en el contexto general es un material olvidable porque no intenta aportar nada impactante, e incluso si intentó hacer algo poco convencional, lo único que Phillips logró hacer fue dar vueltas dentro de su propio objetivo: crear una especie de “ruptura” entre realidad y ficción (algo que nunca termina sucediendo, a pesar de todas las excesivas inserciones musicales que chocan con la narrativa). Hay innumerables momentos donde las canciones rompen el ritmo de la película, y la falta de conexión se hace cada vez más notoria.

DC Comics ya queda marcada en la historia del cine (especialmente de superhéroes y antihéroes) con este fracaso. Literalmente, es uno de los proyectos menos interesantes de este año y, sobre todo, una gran decepción a la hora de explorar algunos temas importantes como la salud mental, el tratamiento en un sistema psiquiátrico, la violencia (gratuita o no), la glorificación de la imagen. de líderes accidentales y algunos otros puntos sociopolíticos-culturales. Una película que nadie pidió, que no hizo falta hacer y que sólo será recordada como una secuela fallida.

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Arthur Fleck, Lee Quinzel e as expectativas frustradas de um filme que poderia ter sido ótimo.

Tudo começou com uma grande especulação de Coringa: Delírio a Dois seria um filme musical. De fato, isso se tornou uma fatídica confirmação (ao menos para mim, que não gosto deste tipo de filme). Então, Todd Phillips voltou a assumir sua cadeira de diretor, decidindo caminhar por uma estrada “desconhecida”, que não lhe trazia nenhuma garantia de sucesso: o “famigerado” cenário musical (que por natureza é um gênero cinematográfico extremamente fragmentado).

Uma vez que o próprio Phillips ajudou a escrever o roteiro (junto com outras duas pessoas), ele parecia confiante com o trabalho que ele estava escrevendo, até porque o projeto foi aceito e recebeu um grande orçamento para bancar sua produção. O retorno de Joaquin Phoenix era mais do que óbvio (apesar do suspense feito quanto à sua recontratação) e junto a ele, a presença adicional de Lady Gaga (dentro de nova composição narrativa) trouxa uma vibe mais “intensa”. A combinação destes nomes parecia bastante promissora, mas o resultado na tela é desastroso em diferentes camadas.

Considerando o poder natural dos dois personagens (Coringa e Harley Quinn), era esperado que o roteiro trabalhasse dentro de todo o potencial explosivo desse casal inesperado, no entanto, o filme falha miseravelmente em fazer isso e o fato dele ter à sua base dentro de uma estrutura toda musicada só torna a experiência de assistir esta sequência em algo cansativo e entediante. Nada do que o projeto se propõe é feito direito, e o que poderia ser memorável é péssimo. O romance é fracassado, a psicologia do casal é desperdiçada e a atmosfera tribunal é, literalmente, um grande “circo”.

Embora tecnicamente o filme tenho suas qualidades, no contexto geral ele é um material esquecível porque não tenta trazer nada impactante, e mesmo que tenha tentado fazer algo não convencional, tudo o que Phillips conseguiu fazer foi andar em círculos dentro do seu próprio objetivo: criar uma espécie de “ruptura” entre a realidade e a ficção (algo que nunca acaba acontecendo de verdade, apesar de todas as excessivas inserções musicais que destoam na narrativa).

DC Comics já está marcada dentro da história do cinema (em especial, de super-heróis e anti-heróis) com este fracasso. Literalmente, é um dos projetos mais desinteressantes deste ano e particularmente falando, uma grande decepção no que se refere a exploração de alguns temas tão importantes como saúde mental, tratamento em sistema psiquiátrico, violência (gratuita ou não), glorificação da imagem de líderes acidentais e alguns outros pontos sócio-político-culturais. Um filme que ninguém pediu, que não precisava ser feito e que apenas será lembrado como uma sequência fracassada.

Surprise is a primary emotion that makes us react in different ways and arises from something unexpected, strange and out of the ordinary, in most cases it manifests itself in exclamations, expressions of unexpected laughter or astonishment. In cinema, the feeling of surprise is easily found in the comedy genre, as any scene can cause uncontrollable laughter.

When I read this week's cinetv competition entry the first film that came to my mind was the trilogy of My Girlfriend's Family, starring and produced by Robert De Niro with performances by Ben Stiller, Teri Polo, Blythe Danner, Owen Wilson, Jessica Alba, big Hollywood stars.

Spanish Version

La sorpresa es una emoción primaria que nos hace reaccionar de formas diferentes y surge por algo inesperado, extraño y fuera de lo común. En la mayoría de los casos, se manifiesta con exclamaciones, expresiones de risas inesperadas o asombros. En el cine, el sentimiento de la sorpresa lo encontramos con facilidad en el género de comedia, ya que cualquier escena nos puede causar risas incontrolables.

Cuando leí la propuesta del concurso de cinetv de esta semana la primera película que me vino a la mente fue la trilogía de la familia de mi novia, protagonizada y producida por Robert De Niro con actuaciones de Ben Stiller, Teri Polo, Blythe Danner, Owen Wilson, Jessica Alba, grandes estrellas de Hollywood. 

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Plot

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The first version of this film came out in 2000, and I saw it in South America under the title: the family of my girlfriend, it was so successful that they have released a sequel of two more films, which are titled the little Focker alluding to the surname and the parents are them.

Of this trilogy the one I have seen the most times is the last one when there is already a bigger and more complete family with the respective in-laws of each boyfriend who are now husbands and their children, I never get tired of watching this film because it is timeless and never goes out of fashion, because all the circumstances that surround the family can be seen in real life, only that in the film they make them so exaggerated that everything becomes crazy. It is the eternal struggle between the son-in-law who wants approval and the father-in-law who is sure that his daughter made a mistake in choosing a husband and wants to catch him red-handed and prove that he is a bad match, making the life of these gentlemen a living hell because of their mistrust.

Spanish Version

Argumento

> La primera versión de esta película salió en el año 2000, y yo la vi en Sudamérica bajo el título de: la familia de mi novia. Fue tan exitosa que han sacado una secuela de dos películas más, que se titulan los pequeños Focker haciendo alusión al apellido y los padres son ellos.  > > De esta trilogía la que he visto un mayor número de veces es la última cuando ya existe una familia más grande y completa con los suegros respectivos de cada novio que ahora son esposos y sus hijos, no me canso de ver esta película porque es atemporal nunca pasa de moda, pues todas las circunstancias que envuelven a la familia pueden verse en la vida real, solo que en la película las hacen tan exageradas que todo se vuelve una locura. Es la eterna lucha entre el yerno que desea aprobación y el suegro que está seguro de que su hija se equivocó al elegir esposo y quiere agarrarlo con las manos en la masa y demostrar que es un mal partido, haciendo que la vida de estos caballeros se vuelva un infierno por su desconfianza.

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Opinion

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There are many evils, revenge, mistakes and embarrassments that the male characters in this trilogy are subjected to, but at the end of it all, they are a beautiful family that adores and understands each other, each member is important, and they end up accepting that they are valuable to each other's lives, the father-in-law who is a former CIA member recognizes that his son-in-law is a good father and ends up loving him by seeing that he loves his daughter, on the contrary, the son-in-law who survives every assassination attempt and trap of his father-in-law also understands that he does it out of love. So, in the end we can reflect that even if we are not happy with the new people who join our home, we must respect the decisions of others and accept the qualities of each one, love ends up being the predominant value as an example of family in this film.

The surprises that gives us this trilogy is full of humor and laughter, for me, is the best film I've seen of this genre, it fascinates me and if you want to laugh non-stop this is a classic movie you should enjoy, this was my participation and I take this opportunity to congratulate the new member of the team of this community @jhymi, thank you all for your time see you in the comments, tell me that you have seen any of these films?

Spanish Version

Opinión

> Son muchas las maldades, venganzas, equivocaciones y vergüenzas que se someten los personajes masculinos de esta trilogía, pero al final de todo, son una hermosa familia que se adora y se comprende, cada miembro es importante y terminan aceptando que son valiosos para la vida de los demás, el suegro que es un ex miembro de CIA reconoce que su yerno es un buen padre y termina por quererlo al ver que ama a su hija, por el contrario, el yerno que sobrevive a cada intento de asesinato y trampa de su suegro también entiende que lo hace por amor. Entonces, al final podemos reflexionar que, aunque no estemos felices con las nuevas personas que se suman a nuestro hogar, debemos respetar las decisiones de los demás y aceptar las cualidades de cada quien. El amor termina siendo el valor predominante como ejemplo de familia en esta película.  > > Las sorpresas que nos da esta trilogía están cargadas y risas de humor, para mí es la mejor película que he visto de este género, me fascina y si quieres reír sin cesar este es un clásico del cine que debes disfrutar, esta fue mi participación y aprovecho para felicitar a la nueva integrante del equipo de esta comunidad @jhymi, gracias a todos por su tiempo nos vemos en los comentarios, ¿cuéntame ya viste algunas de estas películas? 

Synopsis: After the events of the first movie, Arthur Fleck is temporarily imprisoned in the psychiatric hospital / Arkham asylum (which houses criminals who until then are considered by the courts to be mentally insane) waiting for his judgment. In the place where he least expected it, he tries to get to know his dual identity better and also finds great love.

Without a shadow of a doubt, one of the most difficult things that filmmakers can do is the second part of a work that has previously been acclaimed by both specialized critics and the common public. Todd Phillips faced this challenge, and chose a path that really wasn't very obvious to create a sequel, and then continue the trajectory of one of the most acclaimed anti-heroes in the DC Comics universe. However, what could have been a movie with great socio-political-cultural impact, ended up being just a tiring and exaggerated experience. Whether on the musical side or the dramatic side, the perception is that everything sounds disturbingly dissonant.

Mashable

IGN

In the midst of the delusions of a man who is mentally disturbed due to the countless abusive events he suffered while he was just a child, the script now brings an updated (and much less interesting) version of everything that has already been seen in the movie that presented the new face of Arthur Fleck for cinema. A direct sequence, which begins shortly after he was arrested for the crimes committed previously, but it seems to have no reason to exist because the plot even starts in a solid way, but little by little it gets lost, especially when it insists on lengthening unnecessary scenes, such as the return of some characters that were already seen in the first movie.

The decision to turn this sequential project into an “atypical musical” already sounded like a big mistake to me from the beginning, and from my point of view this was completely confirmed while I was still watching the movie. Personally speaking, I don't like musical movies, but as I really liked the first movie (which is excellent), I decided to venture into this sequel, but I confess that I was quite disappointed to see how this project was thought of and executed in such a way. so empty, without having the necessary narrative substance to justify its own existence (which in itself already denotes the conclusion that this sequence is something totally unnecessary since its idealization).

Men’s Journal

We Got This Covered

Nobody asked for (or expected) this second part, but Hollywood greed spoke louder and the result was something well below expectations. To be fair, the movie isn't bad as an isolated experience, but as a sequel, it doesn't work the way it should. Within an extremely simple script compared to what was seen in the previous movie, here the audience sees a dull version of the Joker, who despite being able to shine in a few brief moments, does not exude all of his complexity, not even with his union with your love Lee Quinzel. The slow pace of the plot doesn't help either, and creates a kind of “courtroom movie” with no structure to it.

The unexpected couple (and unconvincing due to the artificiality of the relationship that happens in a very unlikely way) formed by Joaquin Phoenix and Lady Gaga have no chemistry together and deliver more awkward moments than truly passionate moments within their own world. Nothing seems to make much sense in their romance and this is quite clear from the beginning when Lee meets Arthur for the first time inside the Arkham hospital/asylum, and in the following sequences that try to build on this romantic relationship. The script is shallow, and really not daring (with the exception of a few “stylish” takes), not just in the novel itself, but in everything it sets out to do.

IGN Brasil

Film Threat

In isolation, Phoenix delivers a good performance, but he is much less inspired than in the first movie (at times, he even seemed a little tired of reprising this role). Soon after, what would be her greatest “emotional support”, Gaga doesn’t disappoint in her performance, but she doesn’t manage to do much of anything relevant throughout the movie because the script itself doesn’t give her the chance to do so, making her a an almost disposable character. Both act within a project that does not have the depth that their characters deserved, and not even the most “basic” elements of their psychologies get an appropriate space within this script.

If, on the one hand, the excess of songs included (which really are many) in the project can be considered as a perspective on the countless ghosts that plague Arthur and Lee's minds, on the other, this narrative almost never has a good development within the story, because, despite the vast majority of them being associated with a valid context (always seeking to exalt the couple's private world in different types of singular perspectives), the execution of the musical sequences is too random to the point of being something very frustrating, almost like if it were something inserted into the final editing work of scenes in hurried moments, just to meet a schedule required by the studio.

SuperHeroHype

Garmo Click

Technically, Joker: Folie à Deux has a great production (especially because it is an expensive movie) and I would highlight the soundtrack (which, despite being extensive, is well chosen) and the photography, but nothing in its general scope is justifiable to the point even being considered an “extremely violent” movie. Here, Phillips delivered a monumental disappointment. Nothing is memorable, even though it touches on important themes such as madness and the glorification of violence. When it all ends (with the very anticlimactic ending), the impression that remains is one: Joker searches for “redemption” that never arrives. On many layers this ends up being very disappointing because it is as if the antihero's soul had never existed.

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CRÍTICA DE PELÍCULA - “Joker: Folie à Deux” (2024)

Sinopsis: Después de los acontecimientos de la primera película, Arthur Fleck es encarcelado temporalmente en el hospital psiquiátrico/manicomio Arkham (que alberga a criminales que hasta entonces son considerados por los tribunales como locos mentales) esperando su juicio. En el lugar donde menos lo esperaba intenta conocer mejor su doble identidad y también encuentra un gran amor.

Sin lugar a dudas, una de las cosas más difíciles que pueden hacer los cineastas es la segunda parte de una obra que ya ha sido aclamada tanto por la crítica especializada como por el público común. Todd Phillips enfrentó este desafío y eligió un camino que realmente no era muy obvio para crear una secuela y luego continuar la trayectoria de uno de los antihéroes más aclamados del universo DC Comics. Sin embargo, lo que podría haber sido una película de gran impacto sociopolítico-cultural, terminó siendo sólo una experiencia agotadora y exagerada. Ya sea en el lado musical o dramático, la percepción es que todo suena inquietantemente disonante.

En medio de los delirios de un hombre que sufre un trastorno mental debido a los innumerables hechos abusivos que sufrió cuando era apenas un niño, el guión trae ahora una versión actualizada (y mucho menos interesante) de todo lo ya visto en la serie. película que presentó la nueva cara de Arthur Fleck para el cine. Una secuencia directa, que comienza poco después de ser detenido por los crímenes cometidos anteriormente, pero que parece no tener razón de existir porque incluso la trama arranca de forma sólida, pero poco a poco se va perdiendo, sobre todo cuando se empeña en alargarse escenas innecesarias, como el regreso de algunos personajes que ya se vieron en la primera película.

La decisión de convertir este proyecto secuencial en un “musical atípico” ya me pareció un gran error desde el principio, y desde mi punto de vista esto quedó completamente confirmado mientras aún veía la película. Personalmente no me gustan las películas musicales, pero como me gustó mucho la primera película (que es excelente), decidí incursionar en esta secuela, pero confieso que me decepcionó bastante ver cómo se pensó y ejecutada de tal manera tan vacía, sin tener la sustancia narrativa necesaria para justificar su propia existencia (lo que de por sí ya denota la conclusión de que esta secuencia es algo totalmente innecesario desde su idealización).

Nadie pidió (ni esperaba) esta segunda parte, pero la codicia de Hollywood habló más fuerte y el resultado fue algo muy por debajo de lo esperado. Para ser justos, la película no es mala como experiencia aislada, pero como secuela, no funciona como debería. Dentro de un guión sumamente simple en comparación con lo visto en la película anterior, aquí el público ve una versión apagada del Joker, quien a pesar de poder brillar en unos breves momentos, no desprende toda su complejidad, ni siquiera con su unión con tu amor Lee Quinzel. La lentitud de la trama tampoco ayuda, y crea una especie de “película judicial” sin estructura.

La inesperada pareja (y poco convincente por la artificialidad de la relación que se da de forma muy improbable) formada por Joaquin Phoenix y Lady Gaga no tienen química juntos y entregan más momentos incómodos que momentos verdaderamente apasionantes dentro de su propio mundo. Nada parece tener mucho sentido en su romance y esto queda bastante claro desde el principio cuando Lee conoce a Arthur por primera vez dentro del hospital/asilo de Arkham, y en las siguientes secuencias que intentan construir sobre esta relación romántica. El guión es superficial y nada atrevido (con la excepción de algunas tomas “elegantes”), no sólo en la novela en sí, sino en todo lo que se propone.

De forma aislada, Phoenix hace una buena interpretación, pero está mucho menos inspirado que en la primera película (a veces incluso parecía un poco cansado de retomar este papel). Poco después, el que sería su mayor “apoyo emocional”, Gaga no decepciona en su actuación, pero no logra hacer mucho de nada relevante a lo largo de la película porque el guión en sí no le da la oportunidad de hacerlo. entonces, convirtiéndola en un personaje casi desechable. Ambos actúan dentro de un proyecto que no tiene la profundidad que sus personajes merecían, y ni siquiera los elementos más “básicos” de sus psicologías obtienen un espacio apropiado dentro de este guión.

Si, por un lado, el exceso de canciones incluidas (que realmente son muchas) en el proyecto puede considerarse como una perspectiva sobre los innumerables fantasmas que asolan las mentes de Arthur y Lee, por otro, esta narrativa casi nunca tiene un buen desarrollo. dentro de la historia, porque, a pesar de que la gran mayoría de ellas están asociadas a un contexto válido (siempre buscando exaltar el mundo privado de la pareja en diferentes tipos de perspectivas singulares), la ejecución de las secuencias musicales es demasiado aleatoria hasta el punto de convertirse en algo muy frustrante, casi como si fuera algo insertado en el trabajo final de edición de escenas en momentos apresurados, sólo para cumplir con un cronograma requerido por el estudio.

Técnicamente, Joker: Folie à Deux tiene una gran producción (sobre todo porque es una película cara) y yo destacaría la banda sonora (que, pese a ser extensa, está bien elegida) y la fotografía, pero nada en su ámbito general es justificable. Incluso se considera una película “extremadamente violenta”. Aquí, Phillips provocó una decepción monumental. Nada es memorable, aunque toca temas importantes como la locura y la glorificación de la violencia. Cuando todo termina (con un final muy anticlimático), la impresión que queda es una: Joker busca una “redención” que nunca llega. En muchas capas esto termina siendo muy decepcionante porque es como si el alma del antihéroe nunca hubiera existido.

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CRÍTICA DE FILME - “Coringa: Delírio a Dois” (2024)

Sinopse: Após os acontecimentos do primeiro filme, Arthur Fleck está temporariamente preso no hospital psiquiátrico / asilo Arkham (que abriga os criminosos que até então são considerados pela justiça como mentalmente insanos) esperando pelo seu julgamento. No lugar onde ele menos esperava, ele tenta conhecer melhor sua dupla identidade e também encontra um grande amor.

Sem a menor sombra de dúvidas, uma das coisas mais difíceis que os cineastas podem fazer, é a segunda parte de um trabalho que já foi anteriormente aclamado tanto pela crítica especializada quanto pelo público comum. Todd Phillips encarou esse desafio, e escolheu um caminho que realmente não foi muito óbvio para criar uma sequência, e continuar então a trajetória de um dos anti-heróis mais aclamados do universo da DC Comics. No entanto, o que poderia ter sido um filme de grande impacto sócio-político-cultural, acabou sendo apenas uma experiência cansativa e bem exagerada. Seja no seu lado musical ou no lado dramático, a percepção é que tudo soa de maneira perturbadoramente dissonante.

Em meios aos delírios de um homem que é mentalmente perturbado devido aos inúmeros eventos abusivos que sofreu enquanto era apenas uma criança, o roteiro agora traz uma versão atualizada (e bem menos interessante) do que tudo aquilo que já foi visto no filme que apresentou a nova face de Arthur Fleck para o cinema. Uma sequência direta, que começa pouco tempo depois dele ter sido preso pelos crimes cometidos anteriormente, mas parece não ter uma razão de existir porque à trama até começa de uma maneira sólida, mas aos poucos vai se perdendo, principalmente quando insiste em alongar cenas desnecessárias, como o retorno de alguns personagens que já foram vistos no primeiro filme.

A decisão de tornar esse projeto sequencial em um “musical atípico” já me soou como um grande erro desde o início, e no meu ponto de visto isso se confirmou totalmente enquanto eu ainda estava assistindo ao filme. Particularmente falando, eu não gosto de filmes musicais, mas como eu gostei muito do primeiro filme (que é excelente), eu resolvi me aventurar nesta sequência, mas confesso que eu fiquei bastante decepcionado em ver como esse projeto foi pensado e executado de uma maneira tão vazia, sem ter à substância narrativa necessária para justificar à sua própria existência (o que por si só já denota a conclusão de que essa sequência é algo totalmente desnecessário desde à sua idealização).

Ninguém pediu (ou esperava) por esta segunda parte, mas a ganância hollywoodiana falou mais alto e o resultado foi algo bem abaixo do esperado. Sendo muito justo, o filme não é ruim enquanto uma experiência isolada, mas enquanto sequência, ele não funciona da maneira que deveria ser. Dentro de um roteiro extremamente simples em comparação ao que foi visto no filme anterior, aqui o público vê uma versão apagada do Coringa, que apesar de até conseguir brilhar em alguns breves momentos, não exala toda à sua complexidade, nem mesmo com sua união ao seu amor Lee Quinzel. O ritmo lento da trama também não ajuda, e cria uma espécie de “filme de tribunal” em nenhuma estrutura para isso.

O casal inesperado (e que não convence pela artificialidade da relação que acontece de uma maneira bem inverossímil) formado por Joaquin Phoenix e Lady Gaga não tem química alguma juntos e entrega mais momentos esquisitos do que momentos realmente apaixonados dentro do próprio mundo deles. Nada parece fazer muito sentido no romance deles e isso fica bastante claro desde o início quando Lee encontra Arhur pela primeira vez dentro do hospital / asilo Arkham, e nas sequências seguintes que tentam pavimentar essa relação amorosa. O roteiro é raso, e realmente pouco ousado (com exceção de alguns poucos takes “estilosos”), não apenas no romance em si, mas em tudo o que se propõe a fazer.

Isoladamente, Phoenix entrega uma boa performance, mas está bem menos inspirado do que no primeiro filme (em alguns momentos, ele até me pareceu estar um pouco cansado de reprisar este papel). Logo em seguida, aquela que seria o grande seu “apoio emocional”, Gaga não decepciona em sua performance, mas não consegue fazer muita coisa relevante ao longo do filme porque o próprio roteiro não lhe dá a chance de fazer isso, tornando-a em uma personagem quase descartável. Ambos atuam dentro de um projeto que não tem a profundidade que seus personagens mereciam, e nem mesmo os elementos mais “básicos” de suas psicologias conseguem um espaço apropriado dentro desse roteiro.

Se por um lado o excesso de músicas inseridas (que realmente são muitas) no projeto pode ser considerado como uma perspectiva dos inúmeros fantasmas que assolam a mente de Arthur e Lee, por outro, essa narrativa quase nunca tem um bom desenvolvimento dentro da estória, até porque, apesar de a grande maioria delas ser associada a um contexto válido (sempre buscando exaltar o mundo privado do casal em diferentes tipos de perspectivas singulares), a execução das sequências musicais é aleatória demais a ponto de ser algo muito frustrante, quase como se fosse algo inserido no trabalho de edição final de cenas em momentos apressados, apenas para cumprir um cronograma exigido pelo estúdio.

Tecnicamente, Coringa: Delírio a Dois é tem uma ótima produção (até porque é um filme caro) e eu destacaria a trilha sonora (que apesar de extensa, é bem escolhida) e a fotografia, mas nada no seu escopo geral é justificável a ponto de inclusive ser considerado um filme “extremamente violento”. Aqui, Phillips entregou uma decepção monumental. Nada é memorável, ainda que toque em temas importantes como a loucura e a glorificação da violência. Quando tudo acaba (com o final muito anticlimático), a impressão que fica é uma só: Coringa busca por uma “redenção” que nunca chega. Em muitas camadas isso acaba sendo bem decepcionante porque é como se a alma do anti-herói nunca tivesse existido.

After seeing some positive comments on twitter about this film, I decided to see it. Also the fact that it is Zoe Kravitz's directorial debut was a determining factor for me to have high expectations. I love directorial debuts, sometimes they can surprise me and sometimes disappoint me.

As I write this post, I have mixed feelings about the film. The premise of the fim seems good to me, the starting point seemed promising. Several sequences were interesting, but its tendency towards radical feminism and the final part is a total disaster.

There is a warning at the beginning of the film, warning us that there are things that can disturb us. It's a vile lie! I waited the whole film to see what would be very disturbing and I didn't find it. Some blood in the final part. That's all. The people who made this film really think that the viewers are very stupid and have a very short film culture. Maybe that's the target audience, as I've seen a lot of really disturbing films and this one actually got a few laughs out of me, so I'd consider it more of a comedy.

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Después de ver algunos comentarios positivos en twitter sobre esta película, decidí verla. También el hecho de que sea el debut como directora de Zoe Kravitz fue un factor determinante para que tuviera altas expectativas. Me encantan los debuts como directores, a veces pueden sorprenderme y otras decepcionarme.

Mientras escribo este post, tengo sentimientos encontrados sobre la película. La premisa del fim me parece buena, el punto de partida me pareció prometedor. Varias secuencias fueron interesantes, pero su tendencia hacia el feminismo radical y la parte final es un desastre total.

Hay una advertencia al principio de la película, que nos avisa de que hay cosas que nos pueden perturbar. ¡Es una vil mentira! Esperé toda la película para ver eso que sería muy perturbador y no lo encontré. Algo de sangre en la parte final. Eso es todo. Realmente los que hicieron este film piensan que los espectadores son muy tontos y tienen una cultura de cine muy corta. Tal vez ese sea el público al que va dirigido, ya que he visto muchas películas realmente perturbadoras y esta en realidad me sacó algunas risas, por lo que la consideraría más una comedia.

What bothers me most about the film is its insistence on continuing the argument that all white, heterosexual men are evil, sadistic, torturers, abusers and all the evils of the world. They are all white men here. There are no African-American men who are part of the villain's club of friends. The only ones who are not white are asaitic men who work on the island, but they are also evil because they throw lurid looks at the women. That the world's baddest bad guys have these characteristics would not be a problem, were it not for the fact that it is now a constant in every film that wants to embrace the feminist, agenda-driven feminist agenda to lead us down that path.

All this reminds me of the protests of the alphabetic community in past decades. For example, when the film Basic Instin was released, these groups protested because the villain was bisexual. They said they were tired of the villains who made the horrendous Corsican films being of that tencdence. Well, now we are in a time when being heterosexual seems to be a crime. Through these kinds of films they want us to feel bad for being heterosexual, for liking people of the opposite sex and even to ask for forgiveness without having done anything wrong. They want to make you believe that you are disgusting for being heterosexual and that all women in the world are victims. As if many women don't also do horrible things.

Many are going to say that this is a reference to Epstein's Island or that there are references to the P Diddy case. They already are. All those know-it-all tik tokers and three-quarter youtubers are already generating content that only seeks to gain likes and views, putting on expert faces and voices (when they are not experts at all). Comparing the film to that disgusting rapper abuser. But beyond small coincidences, it has nothing to do with that case.

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Lo que más me molesta de la película es su insistencia en continuar con el argumento de que todos los hombres blancos y heterosexuales son malvados, sádicos, torturadores, maltratadores y todos los males del mundo. Aquí todos son hombres blancos. No hay hombres afroamericanos que formen parte del club de amigos del villano. Los únicos que no son blancos, son asaiticos que trabajan en la isla, pero tambien son malos porque lanzan miradas escabrosas a las mujeres. Que los malos más malos del mundo tengan estas características no sería un problema, si no fuese que actualmente es una constante en cada película que quiere abrazar alegatos feministas, propios de la agenda establecida para guiarnos por ese camino.

Todo esto me recuerda a las protestas de la comunidad alfabética en décadas pasadas. Por ejemplo, cuando se estrenó la película Basic Instint, estos grupos protestaron porque el villano era bisexual. Decían que estaban cansados de que los villanos que hacían las horrendas corsas fueran de esa tencdencia. Pues bien, ahora estamos en una época en la que ser heterosexual parece ser un delito. A través de este tipo de películas quieren que nos sintamos mal por ser heterosexuales, por gustarnos las personas del sexo opuesto e incluso que pidamos perdón sin haber hecho nada malo. Quieren hacerte creer que eres un ser repugnante por ser heterosexual y que todas las mujeres del mundo son víctimas. Como si muchas mujeres no hicieran también cosas horribles.

Muchos van a decir que esto es una referencia a la isla de Epstein o que hay referencias al caso P Diddy. Ya lo están haciendo. Todos esos sabelotodos tik tokers y youtuber de tres cuartos, ya están generando contenidos que solo buscan ganar likes y visualizaciones, poniendo caras y voces de expertos ( cuando no lo son en absoluto). Comparando al film con ese asqueroso rapero abusador. Pero más allá de pequeñas coincidencias, no tiene nada que ver con ese caso.

Four years ago I wrote this Post recommending the first season of Industry. The series began with a group of finance graduates in their first job at Pierpoint & Co in London. I saw a lot of potential in its story and characters. I don't think the ratings were very high, there were other shows at the time that were grabbing the audience's attention.

I thought it might only be one season, but being from HBO, they went for a second season which convinced me that it's a great series. The second upped the ante, it was more intense and there was an evolution in all the characters. Even so, I found it a series that didn't have the scope it deserved. It's like that family member who goes unnoticed despite all his talent and I feared it would be cancelled.

Fortunately, they did a third season which just finished a few days ago and for me the show has outdone itself. This third season has been brilliant. Creators Mickey Down and Konrad Kay along with their entire team have scrapped all the tired subplots, focusing on digging even deeper into the characters that the viewer loves and pushing them to the limit.

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Entre los recuerdos catódicos de mi infancia está este grupo que la primera vez que vi fue en un programa sabatino de mucho éxito en mi país. Ni siquiera sabía de dónde eran. Para mí, como niño inocente, los veía como hombres disfrazados, algunos de aspecto muy femenino, que llevaban tacones altos. Algo que confirmé cuando una de mis tías exclamó que eran gays. Yo no tenía ni idea de eso. Me llamaron la atención los disfraces extravagantes y los grandes abanicos.

Hace cuatro años escribí este post recomendando la primera temporada de Industry. La serie empezaba con un grupo de licenciados en finanzas en su primer trabajo en Pierpoint & Co, en Londres. Vi mucho potencial en su historia y sus personajes. Los índices de audiencia no creo que fueran muy altos, había otras series en ese momento que acaparaban la atención del público.

Pensé que podría ser sólo una temporada, pero siendo de la HBO, apostaron por una segunda temporada que me convenció de que es una gran serie. La segunda subió la apuesta, fue más intensa y hubo una evolución en todos los personajes. Aun así me pareció una serie que no tenía el alcance que se merecía. Es como ese familiar que pasa desapercibido a pesar de todo su talento y temí que la cancelaran.

Afortunadamente, hicieron una tercera temporada que acaba de terminar hace unos días y para mí la serie se ha superado. Esta tercera temporada ha sido brillante. Los creadores Mickey Down y Konrad Kay junto con todo su equipo han desechado todas las subtramas que estaban agotadas, centrándose en profundizar aún más en los personajes que gustan al espectador y llevándolos al límite.

Betrayals. Ambition. Drugs and sex. High doses of drama and sentimental conflict. To all this is added a dose of black humour to make this story set in the world of finance entertaining.

This third season dares to be a thriller. Beginning with a conflict that will influence the whole season. The strange disappearance of Yasmin's father after a trip to Mallorca on his boat. The repercussions of his disappearance, the mystery of discovering what happened and the pressure on Yasmin after her father's millionaire embezzlement and also the labour and sexual abuses in which he seems to be implicated. This will not be the only nod to the thriller. Other characters will be involved with criminals with surprising consequences at the end of the season.

Something that has also boosted this season is the inclusion of the beloved and hated Jon Snow in the cast. Kit Harington joins the industry as Henry Muck, a millionaire with royal connections who launches a green startup. A spoiled child with strange fetishes and an unbridled life. A spoilt child with an eccentric personality befitting those born in a cradle of gold.

I think it also delves a little deeper into the workings of corporate entities. The crisis and the collapse of the banks, the betrayals and lies of all these people who deep down are a bit psychopathic and govern their lives based on making more money, success, feeding their egos. We may not understand some of them, but it makes us investigate and at the same time learn about the bad moves within the industry.

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Traiciones. Ambición. Drogas y sexo. Altas dosis de drama y conflictos sentimentales. A todo ello se añade una dosis de humor negro para hacer entretenida esta historia ambientada en el mundo de las finanzas.

Esta tercera temporada se atreve con el thriller. Comenzando con un conflicto que influirá en toda la temporada. La extraña desaparición del padre de Yasmin tras un viaje a Mallorca en su bote. Las repercusiones de su desaparición, el misterio por descubrir qué pasó y la presión sobre Yasmin tras el desfalco millonario de su padre y también los abusos laborales y sexuales en los que parece estar implicado. No será el único guiño al thriller. Otros personajes se verán involucrados con criminales con sorprendentes consecuencias al final de la temporada.

Algo que también ha potenciado esta temporada es la inclusión del querido y odiado Jon Snow en el reparto. Kit Harington se une a la industria como Henry Muck, un millonario con conexiones reales que lanza una startup ecológica. Un niño mimado con extraños fetiches y una vida desenfrenada. Un niño mimado con una personalidad excéntrica propia de los nacidos en cuna de oro.

Creo que también profundiza un poco más en el funcionamiento de las entidades corporativas. Se hace más latente la crisis y el hundimiento de la banca, las traiciones y mentiras de toda esta gente que en el fondo es un poco psicópata y rige su vida en base a ganar más dinero, éxito, alimentar su ego. Tal vez no entendamos a algunos de ellos, pero nos hace investigar y a la vez enterarnos de las malas jugadas dentro de la industria.

A bit of a strange, illogical, yet intriguing movie, sometimes people can surprise you in the worst way, and you never end up knowing someone 100%.

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Some time ago I saw this movie, when I saw the trailer it caught my attention, I thought it looked interesting, a touch of suspense with terror, I thought so, however, this story fell short.

The Trap, is a film, in which a man decides to take his teenage daughter to the concert of her favorite singer, but all this leads to a trap to catch a dark and ruthless serial killer, is nothing more than a game of hunting where we will see scenes of suspense and tension, in which a man will be exposed, trying to find an escape, without anyone knowing who he really is.

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So at first glance, it reads like a great scene, if well executed, everything is left to your imagination, we will not see the other life of this man, who supposedly is a psychopath, murderer and ruthless, you will not be horrified, as you will not see any of this in this film, only some suspenseful shots, showing some mental disorder.

It is curious how it is labeled as a horror movie, when reading this, one expects certain creepy scenes that make you startle, or at least something that attracts and resembles terror, but here this is far from being visualized, I do not deny it has its moments of suspense, uncertainty, but until there, it does not go beyond that.

Not to mention the performances, there is no denying,with the protagonist of this story, played by actor Josh Hartnett, was adequate, here we see how the whole plot is based on him, the whole development of the film was focused on showing how he solves each obstacle in an illogical way, subtracting a little suspense.

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We are supposed to be dealing with a psychopath, the police as usual, shows her negligent at the time of doing her job and catching these beings; on the other hand we have the girl who plays the role of the artist, the singer, it was very noticeable how forced her interpretation was, I understand it was her first time in a movie, she can be forgiven for that, but unfortunately this takes away a lot from the movie.

There are many scenes a little absurd as I said, they lack logic, it is not denied, the movie hooks you in the first 30 minutes, but then it loses the sense, not to mention the ending, I do not want to spoil them, but this story definitely lacked more.

This is all I can say about this movie, good scenery, atmosphere, don't get carried away by the trailer, it's not intimidating at all, just so you don't get your hopes up, if that's what you were looking to see in this film.

Well friends, even I leave you this review, if you saw the movie, tell me what you thought, do you think it's worth seeing a second part? Can it be better than this one? I read you...

SPANISH VERSION

🎥 LA TRAMPA 🎥

Una película un poco extraña, ilógica, pero a la vez intrigante, a veces las personas pueden sorprenderte de la peor manera, y nunca terminas de conocer a alguien al 100%.

Hace un tiempo ví está película, al ver el tráiler me llamo la atención, pensé parece interesante, un toque de suspenso con terror, así me pareció, sin embargo,esta historia se quedó corta.

La Trampa, es un films, en el que un hombre decide llevar a su hija adolescente al concierto de su cantante favorita, pero todo esto conlleva a una trampa para atrapar a un oscuro y despiadado asesino en serie, no es más que un juego de cacería dónde veremos escenas de suspenso, y tensión,en el que un hombre se verá expuesto, tratando de buscar una escapatoria, sin que nadie sepa quién es él realmente.

Así a simple vista, se lee cómo una gran escena, si es bien ejecutada, todo queda a tu imaginación, no veremos la otra vida de este hombre, que supuestamente es un psicópata, asesino y despiadado, no podrás horrorizarte, ya que no verás nada de esto en este films, sólo ciertos planos de suspenso, mostrando algun desorden mental.

Es curioso como la etiquetan como una película de terror, uno al leer esto, se espera ciertas escenas espeluznantes, que te hagan sobresaltarte, o por lo menos algo que atraiga y se asemeja al terror, pero aquí esto está muy lejos de visualizarse, no niego tiene sus momentos de suspenso, incertidumbre, pero hasta allí, no pasa de más.

Sin mencionar las actuaciones, no se puede negar,con el protagonista de esta historia, interpretado por el actor Josh Hartnett, fue adecuada, aquí vemos cómo toda la trama se basa en él, todo el desarrollo de la película fue enfocada en mostrar cómo resuelve cada obstáculo de manera ilógica, restándole un poco el suspenso.

Se supone que estamos lidiando con un psicópata, la policía como siempre, la muestra negligente al momento de hacer su trabajo y atrapar a estos seres; por otra parte tenemos a la chica que interpreta el papel de la artista, la cantante, se notó mucho lo forzado de su interpretación, tengo entendido que era su primera vez en una película, se le puede perdonar por eso, pero lamentablemente esto le resto mucho a la película.

Hay muchas escenas un poco absurdas cómo dije, carecen de lógica, no se niega, la película te engancha en los primeros 30 minutos, pero ya después pierde el sentido, sin mencionar el final, que no quiero spolearselos, pero definitivamente a esta historia le faltó más.

Esto es todo lo que puedo opinar con respecto a esta película, buena escenografía, ambiente, no se dejen llevar por el tráiler, no intimida para nada, solo para que no se hagan ilusiones, si es lo que buscaban ver en este film.

*Bien amigos, hasta aquí les dejo esta reseña, si vieron la película, díganme qué tal les pareció, ¿cree que valga la pena ver una segunda parte? ¿Puede ser mejor que esta?, los leo*...

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Synopsis: A young woman passionate about fashion design has the dream of studying at a university in London, but, once living in the city, she mysteriously manages to return to the 60s of that place, thus developing a strange connection with Sandie, a young woman aspiring singer who hides some mysteries.

Inserting characters into movies and making the audience care about them in some way is one of the most constant challenges for screenwriters and directors, because it is necessary to do this in a naturally intriguing and creative way (especially in specific genres such as suspense). In the case of this movie, this task of each is quite efficient, because the behavioral duality between the protagonists Eloise and Sandie is very well developed (to a certain extent), even though the script is unable to sustain its full power until its final act (where is your biggest mistake).

Tatler Asia

One of young (and dreamy) Eloise's biggest wishes is to graduate in fashion design at university. In pursuit of this goal she then moves to the city of London after getting a scholarship, but upon arriving there she develops a strange connection with Sandie, an aspiring singer from the 60s who manages to “teleport” her to that decade, which, by the way, she loves. The beginning of the movie works very well with the transition from “country girl” to “cool girl from the big city”, and as she becomes involved by Sandie, the suspense increases a lot.

The development of the script takes place in the midst of parallel universes at a very attractive pace. In this case, the art direction did an incredible job in bringing back London in the 60s, with visual nuances and high quality sets. In fact, the entire technical aspect of this movie is a real delight, because in addition to what I just mentioned, the photography, lighting, costumes (which are refined) and especially the soundtrack (which ends up playing an essential role in the plot because some scenes revolve around them a lot).

Musée Magazine

It is no coincidence that the audience moves between the 60s and modern times with remarkable fluidity and it is precisely in these moments that the movie shines in all its splendor. Initially, Eloise can't realize how fascinated she is with Sandie and the life she lives, but when all this starts to get strange and bring complications to her life in the real world, she soon realizes that there is something of strangeness hanging in the air. Thus, she begins an investigative journey to discover the mystery behind this unusual (and unexpected) connection.

The much-dreamed-of London of the 60s begins to “swallow” Eloise into a dizzying nightmare, and this brings the audience to an imminent feeling of urgency about the whole situation. Increasingly immersed in something violent, Eloise has no idea what is happening, but little by little she puts the pieces of the puzzle together. The main plot twist of this movie is something very intense, and something that rekindles essential debates about exploitation and violence within the artistic world that became so famous in past decades and that seem to be repeating themselves (in a camouflaged way) today.

AFRO

Thomasin McKenzie, Anya Taylor-Joy and Matt Smith bring their characters to life with a relatively complex construction. McKenzie is a mix of courage and hesitation (but it particularly bothered me a lot in the moments when she insisted on widening her eyes to convey a more obvious sense of fear), Taylor-Joy is the sexy embodiment of a fearless girl with a penetrating gaze, while Smith is strangely captivating and at the same time subversive in his proposal within the plot. A team with an undeniable quality of performance.

In addition to directing this movie with almost surgical precision, Edgar Wright also helped write it and it's really a shame that its conclusion is so small compared to what it could have been. It's not a bad ending or anything close to it, it's just not as ambitious as the script makes you think throughout the entire movie. The “simplicity” of the third act (including in terms of physical action) is disappointing, because there really was potential to create something much more impactful than just a few scenes that mix supernatural aspects with psychological aspects.

Newsweek

Last Night in Soho is, in fact, a good movie (it is worth mentioning here that there are sophisticated camera movements that manage to create a very provocative set of images in some scenes). On the other hand, even so, it remains a project that gets lost in the message it wants to deliver to the public, and this becomes very clear in the development of its third act. Not to mention the fact of his creative exaggerations, which oscillate between something very assertive, and sometimes very repetitive, showing a loss of control that turns things into something implausible.

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CRÍTICA DE PELÍCULA: “Última noche en el Soho” (2021)

Sinopsis: Una joven apasionada por el diseño de moda tiene el sueño de estudiar en una universidad de Londres, pero, una vez viviendo en la ciudad, misteriosamente logra regresar a los años 60 de aquel lugar, desarrollando así una extraña conexión con Sandie, una joven Mujer aspirante a cantante que esconde algunos misterios.

Insertar personajes en las películas y lograr que el público se interese por ellos de alguna manera es uno de los desafíos más constantes para guionistas y directores, porque es necesario hacerlo de una manera naturalmente intrigante y creativa (especialmente en géneros específicos como el suspenso). En el caso de esta película, esta tarea de cada uno es bastante eficiente, porque la dualidad conductual entre las protagonistas Eloise y Sandie está muy bien desarrollada (hasta cierto punto), aunque el guión no logra sostener toda su potencia hasta su final. actuar (dónde está tu mayor error).

Uno de los mayores deseos de la joven (y soñadora) Eloise es graduarse en diseño de moda en la universidad. En pos de este objetivo se traslada luego a la ciudad de Londres tras conseguir una beca, pero al llegar allí entabla una extraña conexión con Sandie, una aspirante a cantante de los años 60 que logra “teletransportarla” a esa década, que, por cierto, ella ama. El comienzo de la película funciona muy bien con la transición de “chica de campo” a “chica cool de la gran ciudad”, y a medida que Sandie la involucra, el suspenso aumenta mucho.

El desarrollo del guion se desarrolla en medio de universos paralelos a un ritmo muy atractivo. En este caso, la dirección de arte hizo un trabajo increíble al traer de vuelta el Londres de los años 60, con matices visuales y decorados de gran calidad. De hecho, todo el aspecto técnico de esta película es una auténtica delicia, porque además de lo que acabo de comentar, la fotografía, la iluminación, el vestuario (que está depurado) y sobre todo la banda sonora (que acaba jugando un papel esencial en la trama porque algunas escenas giran mucho en torno a ellos).

No es casualidad que el público se mueva entre los años 60 y la época moderna con notable fluidez y es precisamente en estos momentos donde la película brilla en todo su esplendor. Inicialmente, Eloise no puede darse cuenta de lo fascinada que está con Sandie y la vida que lleva, pero cuando todo esto comienza a volverse extraño y traer complicaciones a su vida en el mundo real, pronto se da cuenta de que hay algo extraño flotando en el aire. Así, inicia un viaje de investigación para descubrir el misterio detrás de esta inusual (e inesperada) conexión.

El tan soñado Londres de los años 60 comienza a "tragarse" a Eloise en una pesadilla vertiginosa, y esto lleva al público a un inminente sentimiento de urgencia sobre toda la situación. Cada vez más inmersa en algo violento, Eloise no tiene idea de lo que está pasando, pero poco a poco va juntando las piezas del rompecabezas. El plot twist principal de esta película es algo muy intenso, y algo que reaviva debates esenciales sobre la explotación y la violencia dentro del mundo artístico que tan famosos se hicieron en décadas pasadas y que parecen repetirse (de forma camuflada) hoy.

Thomasin McKenzie, Anya Taylor-Joy y Matt Smith dan vida a sus personajes con una construcción relativamente compleja. McKenzie es una mezcla de coraje y vacilación (pero particularmente me molestó mucho en los momentos en que insistía en abrir mucho los ojos para transmitir una sensación de miedo más obvia), Taylor-Joy es la encarnación sexy de una chica intrépida con una penetrante mirada, mientras que Smith resulta extrañamente cautivador y a la vez subversivo en su propuesta dentro de la trama. Un equipo con una calidad de rendimiento innegable.

Además de dirigir esta película con una precisión casi quirúrgica, Edgar Wright también ayudó a escribirla y es realmente una pena que su conclusión sea tan pequeña en comparación con lo que podría haber sido. No es un mal final ni nada parecido, simplemente no es tan ambicioso como te hace pensar el guión a lo largo de toda la película. La “simplicidad” del tercer acto (incluso en términos de acción física) es decepcionante, porque realmente había potencial para crear algo mucho más impactante que unas pocas escenas que mezclan aspectos sobrenaturales con aspectos psicológicos.

Última noche en el Soho es, de hecho, una buena película (cabe mencionar aquí que hay movimientos de cámara sofisticados que logran crear un conjunto de imágenes muy provocativo en algunas escenas). Por otro lado, aun así, sigue siendo un proyecto que se pierde en el mensaje que quiere transmitir al público, y esto queda muy claro en el desarrollo de su tercer acto. Por no hablar de sus exageraciones creativas, que oscilan entre algo muy asertivo, y en ocasiones muy repetitivo, mostrando una pérdida de control que convierte las cosas en algo inverosímil.

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CRÍTICA DE FILME: “Noite Passada em Soho” (2021)

Sinopse: Uma jovem apaixonada por design de moda tem o sonho de estudar em uma universidade de Londres, mas, uma vez morando na cidade, ela misteriosamente consegue voltar para a década de 60 daquele lugar, desenvolvendo assim uma estranha conexão com Sandie, uma jovem aspirante à cantora que esconde alguns mistérios.

Inserir personagens nos filmes e fazer com que o público de alguma forma se importe com eles é um dos desafios mais constantes para os roteiristas e para os diretores, porque é preciso fazer isso de uma maneira naturalmente intrigante e criativa (especialmente em gêneros específicos como o suspense). No caso deste filme, essa tarefa de cada é bastante eficiente, porque a dualidade comportamental entre as protagonistas Eloise e Sandie é muito bem desenvolvida (até certo ponto), ainda que o roteiro não consiga sustentar todo seu poder até o seu ato final (onde está o seu maior erro).

Um dos maiores desejos da jovem (e sonhadora) Eloise é se formar em design de moda na universidade. Em busca desse objetivo ela então se muda para à cidade de Londres após conseguir uma bolsa de estudos, mas ao chegar lá ela desenvolve uma estranha conexão com Sandie, uma aspirante a cantora dos anos 60 que consegue “teletransportá-la” para aquela década, que aliás, ela adora. O início do filme trabalha muito bem a transição de “garota interiorana” para “garota decolada da cidade grande”, e à medida em que ela vai sendo envolvida por Sandie, o suspense aumenta muito.

O desenvolvimento do roteiro vai acontecendo em meio a universos paralelos dentro de um ritmo bem atrativo. Neste caso, à direção de arte fez um trabalho incrível ao remontar a Londres dos anos 60, com nuances visuais e cenários de altíssima qualidade. Aliás, toda à parte técnica deste filme é um verdadeiro deleite, porque além do que eu acabei de mencionar, também merecem aplausos para a fotografia, a iluminação, o figurino (que é refinado) e principalmente a trilha sonora (que acaba exercendo um papel essencial na trama porque algumas cenas orbitam muito em torno delas).

Não por acaso, o público transita entre a década de 60 e o tempo moderno com uma fluidez notável e é precisamente nestes momentos em que o filme brilha em todo o seu esplendor. Inicialmente, Eloise não consegue se dar conta do quão fascinada ela está em relação a Sandie e à vida que ela vive, mas quando tudo isso começa a se tornar estranho e trazer complicações para à vida dela no mundo real, ela logo percebe que há algo de estranho pairando no ar. Assim, ela começa uma jornada investigativa para descobrir qual é o mistério por trás dessa inusitada (e inesperada) conexão.

A tão sonhada Londres dos anos 60 começa a “tragar” Eloise para um pesadelo atordoante, e isso traz para o público à sensação iminente de urgência sobre toda aquela situação. Cada vez mais imersa dentro de algo violento, Eloise não faz ideia do que está acontecendo, mas aos poucos vai juntando as peças do quebra-cabeças. O plot twist principal deste filme é algo muito intenso, e algo que reacende debates essenciais sobre exploração e violência dentro do meio artístico que se tornaram tão famosos em décadas passadas e que parecem estar se repetindo (de maneira camuflada) hoje em dia.

Thomasin McKenzie, Anya Taylor-Joy e Matt Smith dão vida aos seus personagens com uma construção relativamente complexa. McKenzie é uma mistura de coragem com hesitação (mas que particularmente me incomodou bastante nos momentos em que ela insistia em arregalar os olhos para transmitir uma sensação mais evidente de medo), Taylor-Joy é à personificação sexy de uma garota destemida com olhar penetrante, enquanto Smith é estranhamente cativante e ao mesmo tempo subversivo em sua proposta dentro da trama. Um time com uma qualidade de atuação incontestável.

Além de dirigir este filme com uma precisão quase cirúrgica, Edgar Wright também ajudou a escrevê-lo e é realmente uma pena que à sua conclusão seja algo tão pequeno em relação ao que poderia ter sido. Não se trata de um final ruim ou nada perto disso, só não é algo tão ambicioso como o roteiro te faz pensar durante o filme inteiro. A “simplicidade” do terceiro ato (inclusive em termos de ação física) é decepcionante, porque realmente havia potencial para criar algo muito mais impactante do que apenas algumas cenas que mesclam aspectos sobrenaturais com aspectos psicológicos.

*Noite Passada em Soho é, de fato, um bom filme (vale mencionar aqui há movimentações sofisticadas de câmeras que conseguem criar um conjunto de imagens bastante provocativo em algumas cenas). Por outro lado, mesmo assim se mantém como um projeto que se perde na própria mensagem que quer entregar ao público, e isso fica muito claro no desenvolvimento do seu terceiro ato. Sem mencionar o fato dos seus exageros criativos, que oscilam entre algo bem assertivo, e às vezes muito repetitivo, evidenciando uma perda de controle que tornam as coisas em algo inverossímil.