There's no doubt that cinema (especially American cinema) has some truly well-known classics when it comes to time travel (and I could have chosen any of them to write about in this edition of the competition, but I preferred to think outside the box and deliver something different). However, some gems remain unknown to the general public and deserve greater recognition (and appreciation). Therefore, it is precisely about Donnie Darko that I decided to write, not only because it is a controversial movie about time travel, but because it is one of my favorites from that era (which in itself is quite complex and generates excellent conversations, and since this is one of the essences of the Seventh Art, it's impossible not to think of this movie when discussing "time loops").

Looper

The Guardian

Here's a movie that explores time travel in a way never before seen in cinematic history (and the boldness of the project speaks for itself, delivering something incredibly complex that continues to be discussed in countless movie forums to this day). Released in the early 2000s (2001, to be precise), the plot centers on a young man (Donnie Darko) who, after escaping a bizarre accident, finds himself trapped in a mental trap that causes him to have constant visions of a man in a bunny suit, and which also leads him to commit numerous crimes. What could have been "just" another thriller becomes something greater because it's a project that invites you to ask different kinds of questions about the logic of even the most trivial things.

L’Opinione

FilmInk

Unfortunately, I can't delve deeply into the issues surrounding time travel in this text (because they are the driving force behind the entire plot), but I can assure you that to this day, cinema (at least within the segment of movies dealing with this same type of theme that I've had the opportunity to see) has never managed to produce something as bold, complex, profound, thought-provoking, and philosophical as what we see in this project. Even after almost 25 years (during which countless movies with unique approaches to time travel have been made), Donnie Darko remains intact as a project that "defies" time itself, not only because of the physical and psychological aspects of time travel, but also because of the drama that "envelops" its entire context.

Riot Material

IMDb

Dealing with two distinct universes (in this case, the primary and the tangent), the script thrusts an intricate and powerful narrative upon the audience about how changing past events directly impacts the more recent era (the time that delimits all human actions in the current timeline). Although it has a very slow pace (perhaps its only "negative" point... but which, in my opinion, perfectly fits the development of what's being constructed on screen within a very insightful psychology), the movie never becomes boring (or irrelevant) because all the events are so compelling within their own complexity. Time travel in this movie is like jumping off a "cliff" without seeing where the end is (if there even is one).

MUBI

The Mirror

Donnie Darko delivers an effective blend of science fiction, romance, horror, and suspense that defies the limits of logic. This is a credit to Richard Kelly, who worked double time to make this movie happens, directing and writing (a dual role he masterfully performed). The cast includes Jake Gyllenhaal, Jena Malone, Drew Barrymore and Maggie Gyllenhaal. They all deliver decent performances, but there's no denying that Jake is the one who steals every scene with his introspective and enigmatic aura, building a character that's (almost) impossible to decipher. It's also worth mentioning the excellent technical aspects (above average for low-budget movie standards), which enhance a very skillful "confusion".

This post is my entry for the CineTV Contest #145, which is being promoted by the CineTV community.

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Concurso CineTV: “Donnie Darko”, uno de los viajes en el tiempo más intrigantes jamás realizados en la historia del Séptimo Arte.

No cabe duda de que el cine (sobre todo el estadounidense) cuenta con clásicos muy conocidos en cuanto a viajes en el tempo (y podría haber elegido cualquiera para escribir sobre él en esta edición del concurso, pero preferí pensar fuera de la caja y ofrecer algo diferente). Sin embargo, algunas joyas permanecen desconocidas para el público general y merecen un mayor reconocimiento (y aprecio). Por lo tanto, decidí escribir precisamente sobre Donnie Darko, no solo por ser una película controvertida sobre viajes en el tiempo, sino porque es una de mis favoritas de esa época (lo cual, de por sí, es bastante complejo y genera excelentes conversaciones, y dado que esta es una de las esencias del Séptimo Arte, es imposible no pensar en esta película cuando se habla de bucles temporales).

Aquí tenemos una película que explora los viajes en el tiempo de una forma nunca antes vista en la historia del cine (y la audacia del proyecto habla por sí sola, ofreciendo algo increíblemente complejo que sigue debatiéndose en innumerables foros de cine hasta el día de hoy). Estrenada a principios de la década del 2000 (2001, para ser precisos), la trama se centra en un joven (Donnie Darko) que, tras escapar de un extraño accidente, se ve atrapado en una trampa mental que le provoca visiones constantes de un hombre con un traje de conejo, lo que también lo lleva a cometer numerosos crímenes. Lo que podría haber sido "solo" un thriller más se convierte en algo más grande porque es un proyecto que invita a plantearse diferentes tipos de preguntas sobre la lógica incluso de las cosas más triviales.

Lamentablemente, no puedo profundizar en los problemas que rodean los viajes en el tiempo en este texto (ya que son el motor de toda la trama), pero puedo asegurarles que, hasta la fecha, el cine (al menos dentro del segmento de películas que abordan este mismo tipo de temática que he tenido la oportunidad de ver) nunca ha logrado producir algo tan audaz, complejo, profundo, sugerente y filosófico como lo que vemos en este proyecto. Incluso después de casi 25 años (durante los cuales se han realizado innumerables películas con enfoques únicos sobre los viajes en el tiempo), Donnie Darko se mantiene intacto como un proyecto que "desafía" al tiempo mismo, no solo por los aspectos físicos y psicológicos del viaje en el tiempo, sino también por el drama que "envuelve" todo su contexto.

Al abordar dos universos distintos (en este caso, el primario y el tangente), el guion presenta al público una narrativa compleja y poderosa sobre cómo los cambios en los eventos del pasado impactan directamente en la era más reciente (el tiempo que delimita todas las acciones humanas en la línea temporal actual). Aunque tiene un ritmo muy lento (quizás su único punto "negativo"... pero que, en mi opinión, encaja a la perfección con el desarrollo de lo que se construye en pantalla dentro de una psicología muy profunda), la película nunca se vuelve aburrida (ni irrelevante) porque todos los eventos son tan cautivadores dentro de su propia complejidad. Viajar en el tiempo en esta película es como saltar de un precipicio sin ver dónde está el final (si es que lo hay).

Donnie Darko ofrece una eficaz mezcla de ciencia ficción, romance, terror y suspenso que desafía los límites de la lógica. Esto es mérito de Richard Kelly, quien trabajó a destajo para hacer realidad esta película, dirigiendo y escribiendo (una doble función que desempeñó con maestría). El reparto incluye a Jake Gyllenhaal, Jena Malone, Drew Barrymore y Maggie Gyllenhaal. Todos ofrecen actuaciones decentes, pero es innegable que Jake es quien se roba cada escena con su aura introspectiva y enigmática, construyendo un personaje (casi) imposible de descifrar. También cabe destacar los excelentes aspectos técnicos (superiores a la media para películas de bajo presupuesto), que potencian una hábil "confusión".

Esta publicación es mi entrada para el Concurso CineTV #145, que está siendo promovido por la comunidad CineTV.

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Concurso CineTV: “Donnie Darko”, uma das mais intrigantes viagens no tempo que já foram feitas na história da Sétima Arte.

Não há dúvidas de que o cinema (em especial, o estadunidense) tem verdadeiros clássicos muito conhecidos quando o tema é viagem no tempo (e eu poderia ter escolhido qualquer um deles para escrever à minha participação nesta edição do concurso, mas eu preferi pensar fora da caixa e entregar algo diferente). No entanto, algumas gemas seguem sendo desconhecidas do grande público e precisam ser mais reconhecidas (e apreciadas). Sendo assim, é justamente sobre Donnie Darko que eu decidi escrever, não apenas por ser um filme controverso sobre viagem no tempo, mas por ser um dos meus favoritos dentro desse tempo (que por si só é algo bastante complexo e rende excelentes conversas, e sendo essa uma das essências da Sétima Arte, não há como não lembrar deste filme ao falar de “loopings temporais”).

Eis aqui um filme que se debruça sobre a viagem no tempo de uma maneira como antes nunca havia sido feita dentro da história do cinema (e a ousadia do projeto fala por si própria ao entregar algo muito complexo e que até hoje segue sendo discutido em inúmeros fóruns de cinema). Lançado no início dos anos 2000 (mais precisamente no ano de 2001), a trama é centrada em um jovem (Donnie Darko) que após ter escapado de um acidente de circunstâncias bizarras, se vê “preso” de uma “armadilha mental” que o faz ter constantes visões de um homem usando uma fantasia de coelho, e que também o faz cometer diversos crimes. O que poderia ter sido “só” outro filme de suspense, se torna algo maior porque é um projeto que te convida a fazer diferentes tipos de questionamentos sobre a lógica das coisas mais triviais.

Infelizmente eu não posso mergulhar fundo neste texto para explicar sobre as questões envolvendo as viagens através do tempo (porque são nelas que residem a “força motriz” de toda à trama principal), mas eu posso te garantir que até hoje o cinema (ao menos dentro do segmento dos filmes que lidam com esse mesmo tipo de temática que eu já tive a oportunidade de assistir) nunca conseguiu fazer algo tão ousado, complexo, profundo, instigante e filosófico quanto o que é visto neste projeto. Mesmo após quase 25 anos (onde inúmeros filmes com diferentes abordagens únicas sobre viagens temporais já foram feitos por aí), Donnie Darko segue intacto como um projeto que “desafia” o próprio tempo, não apenas pela questão física e psicológica da viagem no tempo, mas pelo drama que “envelopa” todo o seu contexto.

Lidando com dois tipos diferentes de universos (neste caso, o primário e o tangente), o roteiro joga na cara do público uma narrativa intrincada e poderosa sobre como mudar os eventos do passado impactam diretamente no tempo mais recente (que é o tempo que delimita todas as ações dos seres humanos na linha temporal vigente). Embora tenha uma dinâmica muito lenta (sendo talvez esse o seu único ponto “negativo”... mas que no meu ponto de vista cai como uma luva no desenvolvimento do que está sendo construído na tela dentro de uma psicologia bem perspicaz), o filme nunca se torna entediante (ou irrelevante) porque todos os eventos são muito atraentes dentro da sua própria complexidade. Viajar no tempo dentro deste filme é pular de um “precipício” sem enxergar onde é o final dele (se é que existe algum).

Donnie Darko trás uma mistura eficiente de ficção científica, romance, horror e suspense que desafia o limite da lógica. Esse é um mérito de Richard Kelly, que trabalhou dobrado para fazer esse filme acontecer, sendo ele o diretor e também o roteirista do mesmo (uma função dupla que ele desempenhou com maestria, aliás). No elenco, há nomes como Jake Gyllenhaal, Jena Malone, Drew Barrymore e Maggie Gyllenhaal. Todos eles entregam performances decentes, mas não há como negar que é Jake o responsável por roubar todas as cenas com sua aura introspectiva e enigmática ao construir um personagem (quase) impossível de ser decifrado. Vale à pena mencionar também os seus ótimos aspectos técnicos (algo acima da média para os padrões de filmes com baixo orçamento), que engrandecem uma “confusão” muito hábil.

Este post é a minha participação para o Concurso CineTV #145, que está sendo promovido pela comunidade CineTV.

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¡Hola amigos! Hoy me paso por acá para traerles mi reseña acerca de la tercera temporada de la serie que logró atrapar a más de uno a pesar de su trama rebuscada, les estoy hablando de El verano en que me enamoré.

Hello, friends! Today I'm here to bring you my review of the third season of the series that managed to captivate more than a few viewers despite its convoluted plot. I'm talking about The Summer I Turned Pretty.

Trama - Plot

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En esta nueva y última temporada vemos cómo es la vida universitaria de Belly y su relación romántica con Jeremiah. Mientras que Conrad está siguiendo con sus estudios en Boston y trata de mantenerse alejado de su familia por todo lo qué pasó. Sin embargo, el verano los vuelve a unir a todos en la casa de Cousins para celebrar la vida de Belly y Jeremiah. Aunque no todos estén de acuerdo con esta decisión precipitada, allí afloran los sentimientos que se creían marchitos y vuelven las confusiones junto con el estrés de la boda y el futuro incierto de varios de los involucrados. ¿Podrán dejar los sentimientos y el pasado de lado? ¿Será esta boda lo que los vuelva a unir o ya no habrá vuelta atrás? 

In this new and final season, we see what college life is like for Belly and her romantic relationship with Jeremiah. Meanwhile, Conrad is continuing his studies in Boston and trying to stay away from his family because of everything that has happened. However, summer brings them all back together at the Cousins' house to celebrate Belly and Jeremiah's life. Although not everyone agrees with this hasty decision, feelings that were thought to have faded resurface, and confusion returns along with the stress of the wedding and the uncertain future of several of those involved. Will they be able to put their feelings and the past aside? Will this wedding bring them back together, or will there be no turning back?

Reseña - Review

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Una temporada que se sintió como una montaña rusa de emociones, espere cada miércoles por un nuevo capítulo con mucha ilusión para ver cómo iban avanzando las cosas y me encontraba con muchas frustraciones porque mi protegido indiscutido fue Conrad Fisher y odie lo mal que fue tratado durante toda la serie, él no tuvo ni un momento de paz y parecía que lo culpaban de todas las desgracias del mundo. Así que ahí estaba lista cada miércoles para defenderlo a capa y espada.

It was a season that felt like an emotional roller coaster. Every Wednesday, I eagerly awaited each new episode to see how things would unfold, and I found myself feeling very frustrated because my undisputed favorite character was Conrad Fisher, and I hated how badly he was treated throughout the series. He didn't have a moment's peace, and it seemed like he was being blamed for all the misfortunes in the world. So there I was, ready every Wednesday to defend him tooth and nail.

Como a mí me gusta decir, a esta temporada la nombre El verano en que me enamoré de Conrad Fisher con canciones de Taylor Swift de fondo. Es que no estaba en mis planes, pero de repente este chico hizo todo bien. Intentó remendar sus errores, fue a terapia, se enfrentó a sus demonios internos y externos, y al fin pudo abrir sus sentimientos, y decir lo qué pensaba. Siento que es el personaje que más creció en todo este tiempo y se noto un montón. Quedé encantada con Conrad Fisher. 

As I like to say, I'm naming this season “The Summer I Fell for Conrad Fisher with Taylor Swift Songs Playing in the Background”. It wasn't part of my plan, but suddenly this guy did everything right. He tried to fix his mistakes, went to therapy, faced his inner and outer demons, and was finally able to open up his feelings and say what he thought. I feel like he's the character who has grown the most during this time, and it shows. I was enchanted by Conrad Fisher.

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Es increíble como sentí que todos fingieron demencia con el hecho de que Belly y Conrad fueron pareja unos meses y al tiempo de cortar ella se puso de novia con el otro hermano Fisher. Pero parece que el malo siempre fue Conrad por haber estado deprimido porque se le estaba muriendo la madre entonces fue un novio de mierda mientras estuvo con Belly, okey. Ah no, yo sigo enojadísima por esto, ni olvido ni perdón. Encima la otra casi tira todo su futuro por la borda por un capricho del momento.

It's incredible how I felt that everyone pretended not to notice that Belly and Conrad were a couple for a few months and then, when they broke up, she started dating the other Fisher brother. But it seems that Conrad was always the bad guy for being depressed because his mother was dying, so he was a shitty boyfriend while he was with Belly, okay. Oh no, I'm still really angry about this, I won't forget or forgive. On top of that, the other one almost threw her whole future away on a whim.

Es una reseña muy personal porque viví cada capítulo de esta temporada con una emoción como si se estuviera jugando un mundial de fútbol en términos futbolistas, así que imagínense, no puedo ser imparcial. Pero la verdad es que me divertí mucho viéndola y se sintió como algo ideal para desconectar de la realidad y las preocupaciones cotidianas. A veces necesitamos de producciones cómo estás que te absorban por completo un rato para poder escapar. 

This is a very personal review because I experienced each episode of this season with the same excitement as if it were the World Cup in soccer terms, so imagine, I can't be impartial. But the truth is that I had a lot of fun watching it and it felt like the perfect way to disconnect from reality and everyday worries. Sometimes we need productions like this that completely absorb us for a while so we can escape.

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Como siempre, una trama simple, pero efectiva y atrapante. También con su carga emotiva y dramática. Adoré a cada personaje que pasó por ella y sí, al final solo son eso, personajes ficticios. No los odie, pero si me frustraron bastante algunos. Fuera de la pareja principal mis favoritos indiscutidos fueron Steven y Taylor, yo los amé desde el inicio y su ship me dio mil años de vida. Ansiaba los momentos en que estuvieran juntos en pantalla, se me hacían increíbles. La verdad es que los sentí una pareja con mucha química, además Stevie pego un Grow up impresionante esta temporada que ni decirles si no la vieron. 

As always, a simple but effective and captivating plot. It also has its emotional and dramatic moments. I loved every character that appeared in it, and yes, in the end, they are just that, fictional characters. I didn't hate them, but some of them did frustrate me quite a bit. Outside of the main couple, my undisputed favorites were Steven and Taylor. I loved them from the start, and their ship gave me a thousand years of life. I longed for the moments when they were together on screen; they were incredible to me. The truth is that I felt they were a couple with great chemistry. Plus, Stevie had an impressive growth this season, which I won't spoil if you haven't seen it.

Así que en líneas generales fue una buena temporada, aunque en un principio sentía que todo giraba en torno a una boda que me atrevo a decir sin considerarlo spoilers porque se veía venir a mil años luz de distancia que no se iba a realizar jajaja. Pero bueno, la emoción estaba en ver cómo llegaban a ese momento y todo lo que pasaba. Además, las escenas importantes musicalizadas con canciones de Taylor Swift de fondo las amé. De hecho, empecé a ver esta serie por eso jajaja, y me di cuenta que a otros les pasó lo inverso, empezaron a escuchar a Taylor después de que sus canciones salieran en la serie. Me parece un muy buen acierto, nada hubiera sonado tan bien como las canciones de Taylor en un drama adolescente. 

So overall it was a good season, although at first I felt that everything revolved around a wedding, which I dare say without considering it a spoiler because you could see it coming a mile away that it wasn't going to happen, ha ha ha. But anyway, the excitement was in seeing how they got to that moment and everything that happened. I also loved the important scenes set to Taylor Swift songs in the background. In fact, that's why I started watching this series, ha ha ha, and I realized that others had the opposite experience: they started listening to Taylor after her songs appeared in the series. I think it was a very good choice; nothing would have sounded as good as Taylor's songs in a teen drama.

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No quiero que esta reseña se extienda mucho, nada más quería marcar lo que me hizo sentir esta temporada y recomendarla a todos los que aún no la vieron. Sé que les puede parecer súper cliché este tipo de series, pero les juro que es una obsesión total porque te hace vivir muchas emociones juntas y pasas de la rabia a la risa, de la frustración al odio y así hasta que al final todo se pone en su lugar y queda más o menos como todos nos imaginamos. Aunque este no es el fin porque tras la culminación de la serie se anunció que va a salir una película que termine por cerrar todos los cabos sueltos, o eso es lo que se esperaba. Así que todavía están a tiempo de subirse a este tren de la locura, los invitó.

I don't want this review to be too long, I just wanted to highlight how this season made me feel and recommend it to anyone who hasn't seen it yet. I know this type of series may seem super cliché, but I swear it's totally addictive because it makes you experience so many emotions at once, going from anger to laughter, from frustration to hatred, and so on, until in the end everything falls into place and turns out more or less as we all imagined. Although this isn't the end, because after the series ended, it was announced that a movie will be released to tie up all the loose ends, or at least that's what was expected. So you still have time to jump on this crazy train. I invite you to do so.

Bueno amigos, hasta acá mi opinión acerca de la serie. Espero que les haya gustado y los animo a verla si les llama la atención. Si ya lo hicieron me encantaría saber qué les pareció. Gracias por llegar hasta acá y apoyar mi contenido. ¡Hasta la próxima! 

Well, friends, that's my opinion about the series. I hope you liked it, and I encourage you to watch it if it catches your attention. If you already have, I'd love to hear what you thought. Thank you for reading and supporting my content. See you next time!

Synopsis: Nemo is an art thief trapped in a New York City penthouse after a botched robbery. In his search for a way out, he must navigate various obstacles that turn this place into a veritable trap with unimaginable consequences.

If you deeply appreciate any form of artistic expression, you've probably wondered how each artist works within their respective creative process. Whether creating music, photographs, books, movies, or even paintings (and everything in between), there are distinct ways to do so. A single answer may not solve the essence of the matter, but this movie can certainly give you something more robust to think about, because the crux of the matter here is precisely this (at least in my view): to create a kind of analogy within this creative process, which gradually attempts to be "deepened" by an inertia of events that take the audience from nowhere to nowhere.

Looper

It all begins when Nemo, a thief specializing in high-end art theft, is abandoned by his team (who are assisting him remotely) after a robbery is foiled by a technical glitch in the security system of a New York penthouse. What would seemingly be just another simple (and perhaps routine) heist in his professional history actually turns out to be his worst nightmare when he realizes he needs to find a way out of the place without anyone else's help (besides himself). However, communication failures within the script itself already reveal the lack of care in its trivial conception.

Once trapped inside, and alone, he must face adversities "imposed" on him by the highly intelligent security system that keeps the place safe from invaders (such as the imminent lack of internet and water, increasingly precarious access to basic sanitation, food restrictions, and also the constant temperature changes... which oscillate between heat waves and cold, but nothing can do worse than psychological degradation). Everything becomes more intense as each new day brings a new surprise, and the escape seems intangible. From that point on, the thief's feelings of anguish and mental fragility become essential elements in this narrative.

Looper

The script has a very compelling and interesting idea, but unfortunately the movie's pacing is too slow, and even though the project's purpose is truly to present a gradual progression within the narrative, the dynamics within and outside the central idea go in circles for most of the time, consistently failing to present anything more impactful to the audience (who end up trapped along with Nemo, within a plot that needed much more polish to become more relevant). Overall, nothing particularly grand happens, and everything is reduced to Nemo's mental ramblings as he tries to find a way out of his prison.

Willem Dafoe goes from one side to the other bringing Nemo to life within a psychologically very well-orchestrated construction (not only because of the script, which in this case is very assertive, but also because of the notorious quality of Dafoe's acting, who continues to be a first-class actor on the list of the best), but still, everything he does is not enough to keep the movie standing for a little over 90 minutes and this ends up highlighting the persistent wrong decisions of an idea that, despite being good, was unnecessarily extremely extended (and the lack of more "chaotic" transitory elements greatly affects the dynamism of the plot, which practically does not exist).

Looper

This is a single-character movie, because even though Nemo "interacts" with other characters, they all become disposable props within a frivolous and minimally quantified exchange of words, and even then, through an interaction that occurs exclusively in his imagination. As he tries to figure out how to escape the place that imprisons him, ironically, he finds a way to "free" himself within himself. In other words, it's as if this improvised "prison" is actually a kind of "lifeline" for him. In a way, it's a "poetic" movie, but much less daring than its core proposition could have been.

Making use of good scenography and scene editing that favors wide shots (dimensioning and, with precision, exploring practically all the environments of the main setting), Vasilis Katsoupis did a double job that deserves to be positively recognized (although his work as a director was much better than his work as a screenwriter, even if partially... because he shared this task with Ben Hopkins), even though between the lines, the movie is a somewhat complex experience to digest (especially for the less demanding audience) and that also relates the “mental prison” exposed by the very paintings that can be seen inside the apartment.

WFCN

If I could summarize Inside in just a few words, I'd say this kind of movie isn't for everyone. Anyone who decides to watch this project needs to be willing to dive into calm waters that can easily leave the viewer adrift, but once there's a connection to the plot at its core, everything becomes more interesting to watch. On the other hand, I can't forget to mention that it's necessary to ignore all the script's conventions (like ignoring an entire external alarm system or remote access to the cameras... something that would make this movie's plot completely unfeasible) to have a much more enjoyable and sustainable experience.

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CRÍTICA DE PELÍCULA: “Inside” (2023)

Sinopsis: Nemo es un ladrón de arte atrapado en un ático de Nueva York tras un robo fallido. En su búsqueda de una salida, debe sortear diversos obstáculos que convierten este lugar en una auténtica trampa con consecuencias inimaginables.

Si aprecias profundamente cualquier forma de expresión artística, probablemente te hayas preguntado cómo trabaja cada artista en su respectivo proceso creativo. Ya sea creando música, fotografías, libros, películas o incluso pinturas (y todo lo demás), existen distintas maneras de hacerlo. Una única respuesta puede no resolver la esencia del asunto, pero esta película sin duda puede darte algo más sólido en qué pensar, porque el quid de la cuestión es precisamente esto (al menos en mi opinión): crear una especie de analogía dentro de este proceso creativo, que gradualmente intenta "profundizarse" por una inercia de acontecimientos que lleva al público de la nada a la nada.

Todo comienza cuando Nemo, un ladrón especializado en el robo de obras de arte de lujo, es abandonado por su equipo (que lo asiste remotamente) tras frustrar un robo debido a un fallo técnico en el sistema de seguridad de un ático de Nueva York. Lo que aparentemente sería un simple (y quizás rutinario) atraco más en su trayectoria profesional se convierte en su peor pesadilla al darse cuenta de que necesita encontrar la manera de escapar del lugar sin la ayuda de nadie más (excepto la suya). Sin embargo, los fallos de comunicación dentro del propio guion ya revelan la falta de cuidado en su trivial concepción.

Una vez atrapado dentro, y solo, debe enfrentarse a las adversidades que le impone el sistema de seguridad inteligente que mantiene el lugar a salvo de invasores (como la inminente falta de internet y agua, el acceso cada vez más precario a servicios sanitarios básicos, las restricciones alimentarias y los constantes cambios de temperatura... que oscilan entre olas de calor y frío, pero nada puede ser peor que la degradación psicológica). Todo se vuelve más intenso a medida que cada nuevo día trae una nueva sorpresa, y la huida parece intangible. A partir de ese momento, la angustia y la fragilidad mental del ladrón se convierten en elementos esenciales de esta narrativa.

El guion tiene una idea muy convincente e interesante, pero lamentablemente el ritmo de la película es demasiado lento, y aunque el propósito del proyecto es presentar una progresión gradual dentro de la narrativa, la dinámica dentro y fuera de la idea central da vueltas la mayor parte del tiempo, sin lograr un mayor impacto para el público (que termina atrapado junto con Nemo en una trama que necesitaba mucho más pulido para cobrar relevancia). En general, no ocurre nada particularmente grandioso, y todo se reduce a las divagaciones mentales de Nemo mientras intenta encontrar la manera de escapar de su prisión.

Willem Dafoe va de un lado a otro dando vida a Nemo dentro de una construcción psicológicamente muy bien orquestada (no solo por el guion, que en este caso es muy asertivo, sino por la notoria calidad actoral de Dafoe, quien sigue siendo un actor de primera en la lista de los mejores), pero aún así, todo lo que hace no es suficiente para mantener la película en pie durante poco más de 90 minutos y esto termina evidenciando las persistentes decisiones erróneas de una idea que, a pesar de ser buena, se extendió innecesariamente en extremo (y la falta de elementos transitorios más "caóticos" afecta mucho el dinamismo de la trama, que prácticamente no existe).

Esta es una película de un solo personaje, porque aunque Nemo "interactúa" con otros personajes, todos se convierten en elementos desechables dentro de un intercambio de palabras frívolo y mínimamente cuantificado, e incluso entonces, mediante una interacción que ocurre exclusivamente en su imaginación. Mientras intenta descubrir cómo escapar del lugar que lo aprisiona, irónicamente, encuentra la manera de "liberarse" dentro de sí mismo. En otras palabras, es como si esta "prisión" improvisada fuera en realidad una especie de "salvavidas" para él. En cierto modo, es una película "poética", pero mucho menos atrevida de lo que podría haber sido su propuesta principal.

Haciendo uso de una buena escenografía y un montaje de escena que privilegia los planos generales (dimensionando y, con precisión, explorando prácticamente todos los ambientes del escenario principal), Vasilis Katsoupis realizó un doble trabajo que merece ser reconocido positivamente (si bien su labor como director fue mucho mejor que la de guionista, aunque fuera parcialmente… porque compartió esta tarea con Ben Hopkins), aun cuando entre líneas, la película sea una experiencia algo compleja de digerir (sobre todo para el público menos exigente) y que además relata la “prisión mental” que exponen las propias pinturas que se pueden ver en el interior del apartamento.

Si pudiera resumir Inside en pocas palabras, diría que este tipo de película no es para todos. Quien decida ver este proyecto debe estar dispuesto a sumergirse en aguas tranquilas que fácilmente pueden dejar al espectador a la deriva, pero una vez que se conecta con la trama central, todo se vuelve más interesante. Por otro lado, no puedo olvidar mencionar que es necesario ignorar todas las convenciones del guion (como ignorar un sistema de alarma externo completo o el acceso remoto a las cámaras... algo que haría la trama de esta película completamente inviable) para tener una experiencia mucho más agradable y sostenible.

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CRÍTICA DE FILME: “Dentro” (2023)

Sinopse: Nemo é um ladrão de artes que fica preso numa cobertura na cidade de Nova York após um assalto frustrado. Na busca por uma saída, ele precisa lidar com diferentes obstáculos que tornam esse lugar numa verdadeira armadilha de consequências inimagináveis.

Se você aprecia alguma forma de expressão artística com mais afinco, certamente já deve ter se perguntado como cada artista trabalha dentro do seu respectivo processo criativo. Seja na criação de músicas, fotografias, livros, filmes ou até mesmo pinturas (e demais opções), há maneiras distintas de fazer isso. Uma única resposta pode não resolver tudo na essência da questão, mas este filme certamente pode te dar algo mais robusta para pensar, porque o cerne da questão aqui é justamente este (ao menos no meu ponto de vista): criar uma espécie de analogia dentro deste processo criativo, que aos poucos tenta ser “aprofundada” por uma inércia de eventos que levam o público do nada, para lugar nenhum.

Tudo começa quando Nemo, que é um ladrão especializado em roubo de artes sofisticadas, acaba sendo abandonado por sua equipe (que o está ajudando remotamente) depois que um assalto acaba sendo frustrado por uma falha muito técnica no sistema de segurança de uma cobertura localizada em Nova York. O que aparentemente seria apenas mais um assalto simples (e talvez rotineiro) no histórico profissional dele, na verdade, acaba se tornando o seu pior pesadelo quando ele percebe que precisa encontrar uma saída daquele lugar sem ter a ajuda mais ninguém (além de si mesmo). No entanto, falhas de comunicação dentro do próprio roteiro já evidenciam a falta de esmero na sua concepção trivial.

Uma vez preso dentro do lugar, e sozinho, ele precisa então enfrentar adversidades que lhe são “impostas” pelo sistema de segurança altamente inteligente que mantém o lugar protegido contra invasores (como a falta iminente de internet e água, o acesso cada vez mais precário ao saneamento básico, restrição de comida e também as constantes mudanças de temperaturas... que oscilam entre ondas de calor e frio, mas nada consegue pior do que a degradação psicológica). Tudo vai ficando mais intenso à medida em que cada novo dia traz uma nova surpresa, e a saída parece não ser tangível. A partir daí, o sentimento de angústia e a fragilidade mental do ladrão se tornam elementos essenciais nesta narrativa.

O roteiro tem uma ideia muito atrativa e interessante, mas infelizmente o ritmo do filme é lento demais e ainda que o propósito do projeto seja realmente o de apresentar uma progressão gradual dentro da narrativa, a dinâmica dentro e fora da ideia central anda em círculos durante a maior parte do tempo, falhando consistentemente em apresentar algo mais impactante para o público (que acaba ficando preso junto com Nemo, dentro de uma trama que precisava de um refinamento muito mais polido para se tornar mais relevante). De um modo geral, nada de muito grandioso acontece, e tudo fica resumido apenas nos devaneios mentais de Nemo, enquanto ele tenta encontrar uma saída daquela prisão.

Willem Dafoe anda de um lado para o outro trazendo Nemo à vida dentro de uma construção psicologicamente muito bem orquestrada (não apenas pelo roteiro, que neste caso é muito assertivo, mas também pela notória qualidade de atuação do próprio Dafoe, que continua sendo um ator de primeira classe na lista dos melhores), mas ainda sim, tudo o que ele faz não é o suficiente para segurar o filme de pé por pouco mais de 90 minutos e isso acaba evidenciando as persistentes decisões equivocadas de uma ideia que, apesar de boa, foi desnecessariamente extremamente alongada (e a falta de elementos transitórios mais “caóticos” afeta demais o dinamismo da trama, que praticamente não existe).

Eis aqui um filme de um único personagem, porque ainda que Nemo “interaja” com outros personagens, todos eles se convertem em acessórios descartáveis dentro de uma troca de palavras frívola e minimamente quantificada, e mesmo assim, sob uma interação que acontece apenas no imaginário dele exclusivamente. Enquanto ele tenta entender como sair daquele lugar que o aprisiona, ironicamente ele vai encontrando uma maneira de se “libertar” dentro dele mesmo. Em outras palavras, é como se aquela “prisão” improvisada fosse na verdade uma espécie de “tábua de salvação” dele. De certa maneira, é um filme “poético”, mas muito menos ousado do que poderia ter sido na sua proposta mais central.

Fazendo uso de uma boa cenografia e de uma edição de cenas que favorece os planos abertos (dimensionando e, com precisão, explorando praticamente todos os ambientes do cenário principal), Vasilis Katsoupis fez um trabalho dobrado que merece ser positivamente reconhecido (embora do seu trabalho como diretor tenha sido muito melhor do que o seu trabalho como roteirista, ainda que parcialmente... porque ele dividiu essa tarefa com Ben Hopkins), ainda que nas entrelinhas, o filme seja uma experiência de digestão um tanto complexa (em especial, para o público menos exigente) e que relata também a “prisão mental” exposta pelos próprios quadros que podem ser vistos dentro do apartamento.

Se eu pudesse resumir Dentro em poucas palavras, eu diria que esse tipo de filme não é para qualquer tipo de público. Quem decidir assistir a este projeto precisa estar disposto a mergulhar em águas calmas e que facilmente podem deixar o telespectador à deriva dos acontecimentos, mas uma vez que há uma conexão com à trama na sua essência, tudo se torna mais interessante de ser assistido. Por outro lado, não posso esquecer de mencionar que é preciso ignorar todas as convenções do roteiro (como ignorar todo um sistema de alarme externo ou o acesso remoto as câmeras... algo que tornaria a trama deste filme em algo totalmente inviável) para ter uma experiência muito mais aprazível e sustentável.

This year, not all of the films presented at Cannes excited me. I think this year's festival was a bit weak, as it tends to be in some years. However, the San Sebastián Film Festival featured quite a few films I'm looking forward to seeing, but let's get back to Cannes. From that festival, I was really looking forward to seeing Sirat, a film by filmmaker Oliver Laxe, who, you might say, is a Cannes darling because, since his debut at the festival, he has always won an award.

He didn't leave empty-handed with Sirat. It received the Jury Prize, and boy does it deserve it. His film is incredible, and Laxe is a born artist. By the way, I highly recommend you seek out and see Mimosas and What Burns, two other excellent films by the director. I still have to see his first feature film at Cannes, called All You Are Captains, so I also have that task with his first feature film, and now I remember that I haven't posted any posts about Mimosas or What Burns.

There are hallmarks of Laxe's cinema in this film, but this time it's also a good idea to fasten your seatbelt and bring water, because this journey through the Moroccan desert is agonizing and suffocating. The scorching sun passes through the screen; I assure you, you'll feel hot just admiring the images Laxe constructs, with that orange earth that will make us sweat. The dust and dryness of the desert will dry our throats. It happened to me; I felt thirsty while watching the film, but I couldn't stop to drink water.

That's the strength of this filmmaker, who is an artist. He takes us on a journey with the film's characters, but it's not just a physical journey, moving from one place to another in the desert; it's also a sensorial journey, because that's what Laxe's cinema is all about. A combination of images and sounds that absorb us. Images that convey anguish, emotion, and, of course, what gives it a powerful impact, a lot of pain.

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Este año, no todas las películas presentadas en Cannes me entusiasmaron. Creo que el festival de este año estuvo un poco flojo, hay años que suele pasar. Sin embargo, el festival de San Sebastián presentó bastantes películas que espero ver, pero volvamos a Cannes. De ese festival, tenía muchas ganas de ver Sirat, una película del cineasta Oliver Laxe, quien, podríamos decir, es un niño consentido de Cannes, porque desde su debut en el festival, siempre ha ganado un premio.

No se fue con las manos vacías con Sirat. Recibió el Premio del Jurado, y vaya si se lo merece. Su película es increíble, y Laxe es un artista nato. Por cierto, les recomiendo encarecidamente que busquen y vean Mimosas y Lo que Arde, otras dos excelentes películas del director. Todavía tengo pendiente ver su primer largometraje en Cannes, llamado Todos Vossotros Sois Capitanes, así que tambien tengo esa tarea con su primer largometraje , y ahora recuerdo que no he publicado ninguna entrada sobre Mimosas o Lo que Arde .

Hay sellos distintivos del cine de Laxe en esta película, pero esta vez también conviene abrocharse el cinturón y llevar agua, porque este viaje por el desierto marroquí es agonizante y sofocante. El sol abrasador pasa la pantalla; les aseguro que sentirán calor solo de admirar las imágenes que Laxe construye, con esa tierra anaranjada que nos hará sudar. El polvo y la sequedad del desierto nos secarán la garganta. Me pasó; sentí sed mientras veía la película, pero no pude parar a beber agua.

Esa es la fuerza de este cineasta, que es artista. Nos embarca en un viaje con los personajes de la película, pero no es solo un viaje físico, moviéndose de un lugar a otro en el desierto; también es un viaje sensorial, porque de eso se trata el cine de Laxe. Una combinación de imágenes y sonidos que nos absorben. Imágenes que transmiten angustia, emoción y, por supuesto, lo que le da un impacto poderoso, mucho dolor.

Tragedy, pain, death. Just as the filmmaker mentioned in two podcasts I listened to a few months ago, where he expressed the message he wanted to convey with the film: death and our fragility, two themes that increasingly draw my attention. Of course, what the filmmaker wants to express is one thing, but as in all art, and he knows this very well, viewers can draw different interpretations, which may differ from his professional motivations for this film.

As in his previous films, he primarily uses non-professional actors here. Only the lead actor, played by Spanish actor Sergi López, has extensive experience in the Spanish film industry. The rest are new actors. Well, I think the boy has some experience, the others don't. There we see Bigui's character without a hand and Tonin without a leg. Stef and Jade are the female characters, and they all act very naturally. I've always said that new and unknown faces bring realism to the stories.

And speaking of the story, the plot, without spoilers, is about Luis, accompanied by his son, a boy named Esteban. The two arrive in the Moroccan desert, where a rave is being held. Luis is searching for his daughter, whom he hasn't seen in five months. She's missing, and he thinks she's at one of those raves. In the midst of all this, an international conflict breaks out, and things get very ugly, so they follow a group of ravers, including the two one-armed men I already told you about, who head to southern Morocco for another rave. That's all I can tell you, because what comes next is very difficult.

You can watch the trailer carefully. They made a good trailer, as it doesn't give anything away. Nothing bothers me more than a trailer that tells the whole story or shows key moments. It's very important here not to reveal too much of the story being told, so we can enjoy, and of course, suffer this journey to the rhythm of techno music. Just when you think you've seen the rawest part, the following horrors will surprise you when you least expect it.

Oh, I almost forgot. The film was selected by the Spanish Film Academy this year for Oscar nominations. Now it has to go through the Academy of Motion Picture Arts and Sciences in Hollywood to see if it's among the final nominees. There's plenty of time for that.

Look for it right now, and after watching it, come back and leave me your thoughts in the comments.

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Tragedia, dolor, muerte. Tal como lo comentó el cineasta en dos podcasts que escuché hace unos meses, donde expresó el mensaje que quería transmitir con la película: la muerte y nuestra fragilidad, dos temas que cada vez me llaman más la atención. Claro que lo que el cineasta quiere expresar es una cosa, pero como en todo arte, y él lo sabe muy bien, los espectadores podemos extraer diferentes interpretaciones, que pueden diferir de sus motivaciones profesionales para esta película.

Al igual que en sus películas anteriores, aquí utiliza principalmente actores no profesionales. Solo el protagonista, interpretado por el actor español Sergi López, tiene una amplia experiencia en la industria cinematográfica de ese país. El resto son actores noveles. Bueno, creo que el chico tiene algo de experiencia, los demás no. Allí vemos al personaje de Bigui sin una mano y a Tonin sin una pierna. Stef y Jade son los personajes femeninos, y todos actúan con mucha naturalidad. Siempre he dicho que los rostros nuevos y desconocidos aportan realismo a las historias.

Y hablando de la historia, la trama, sin spoilers, trata sobre Luis, acompañado de su hijo, un chico llamado Esteban. Ambos llegan al desierto marroquí, donde se celebra una fiesta rave. Luis busca a su hija, a quien no ha visto en cinco meses. Está desaparecida y cree estar en una de esas raves. En medio de todo esto, estalla un conflicto internacional y las cosas se ponen muy feas, así que siguen a un grupo de ravers, incluyendo a los dos mancos de los que ya les hablé, que se dirigen al sur de Marruecos para otra fiesta rave. Eso es todo lo que puedo contarles, porque lo que viene después es muy duro.

Pueden ver el tráiler con calma. Hicieron un buen tráiler, ya que no desvela nada. Nada me molesta más que un tráiler que cuenta toda la historia o muestra los momentos clave. Es muy importante aquí no revelar mucho de la historia que nos cuenta, para que podamos disfrutar, y por supuesto sufrir este viaje al ritmo de la música techno. Justo cuando crees haber visto lo más crudo, las siguientes coñasos te sorprenderán cuando menos te lo esperes.

Ah, casi lo olvido. La película fue seleccionada por la Academia de Cine Español este año para ser nominada a los Oscar. Ahora tiene que pasar por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood para ver si está entre las nominadas finales. Falta tiempo para eso.

Búscala ahora mismo, y después de verla, regresa y déjame tu opinión en los comentarios.

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Synopsis: An exclusive (and luxurious) apartment is used by five married friends as a "secret place" to keep their extramarital affairs hidden from the eyes of others (especially their respective wives). However, when the body of a mysterious woman is found there, their situation takes a dramatic turn.

Betrayal, money, sexual abuse, mystery, psychopathy, control, misogyny, narcissism, power, and murder... These are just some of the main aspects that tie together this intricate plot, which is full of suspense and countless plot twists. All of this unfolds within an atmosphere that is sometimes cheesy and over-the-top (negatively speaking), but still manages to be extremely engaging and intriguing within the movie's most important themes, the main one being to keep the audience engaged with each surprise.

Variety

The fortress of holy matrimony (as it is religiously known throughout the world) is shattered by the irrefutable lust (for the female body) of five married men, each with completely different personalities. However, they all maintain a bond that connects them: the lust for betrayal (in this case, highlighting not only the sin of the flesh... but mainly, a game of complex and immeasurable proportions, where a part of male predatory behavior is highlighted under already known contours, but which are much more intensified by their actions).

Vincent, Chris, Luke, Marty, and Philip maintain a bond of "friendship" sustained solely by their respective desires to cheat on their respective wives. When they decide to share a luxury apartment (where each of them has a private copy of the key to use whenever they want, maintaining only one communication channel between them to avoid "scheduling conflicts") so they can keep their random affairs with other women a secret, they never imagined that this idea would become their worst nightmare.

The Dissolve

On any given day, when one of them enters the apartment, they find a woman's body covered in blood inside. The young woman's bloodied locks lying on the bed indicate a brutal crime has been committed. The culprit is unknown, but only the five friends have copies of the keys (which are unique). This means the crime was presumably committed by one of them (or by someone who had access to their keys), and this is the question of strong narrative development that "envelops" the entire plot in a veritable rollercoaster of suspense.

The script is fast-paced, dynamic, and unpretentious in throwing the audience into a tightly knit plot with all its threads (which ultimately triggers a veritable "electric discharge" of mysteries in the viewer). Perhaps the only negative point in this aspect here is the excess of surprises, because in a certain way, this undermines the weight of some revelations that should have been better worked within the narrative, but this is not a problem at all, because even so, the surprise factor remains very relevant and surprising throughout the plot.

Meet Mr. Karma

In any case, director Erik Van Looy's skillful handling of events consistently evokes a sense that nothing is as it seems. While each of the friends is interrogated by the police (as the movie unfolds, featuring alternate scenes between the past and present), the dynamic of the script, written by Bart De Pauw and Wesley Strick, is quite synergistic, making this remake (inspired by the original Belgian movie, directed by Bart De Pauw) a "devilishly entertaining" project.

The characters are all morally negatively affected (especially the male characters), sparking discussions about a part of nature supposedly intrinsic to all men and women who succumb to betrayal in their various contexts. Although there are moments of "redemption" where the script attempts to "separate" the good guys from the bad guys, none of the main characters (male or female) are innocent. This brings up a very consistent dichotomy about morality and behavioral ethics, even though it is not explored much in the script.

Collider

The Loft features Karl Urban, James Marsden, Rachael Taylor, Wentworth Miller and Isabel Lucas in the cast, and while none of them (and certainly none of the supporting cast) deliver memorable performances, what they do is enough to sustain the narrative (which itself carries the entire project bravely). Although it's a movie that errs on the side of excessive argument in its attempt to entertain and shock its audience, it's important to recognize that this is a project brimming with tentacles capable of embracing those on the other side.

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CRÍTICA DE PELÍCULA: “El loft” (2014)

Sinopsis: Un exclusivo (y lujoso) apartamento es utilizado por cinco amigos casados como "lugar secreto" para mantener sus aventuras extramatrimoniales ocultas a los ojos de los demás (especialmente de sus respectivas esposas). Sin embargo, cuando se encuentra allí el cuerpo de una misteriosa mujer, su situación da un giro dramático.

Traición, dinero, abuso sexual, misterio, psicopatía, control, misoginia, narcisismo, poder y asesinato... Estos son solo algunos de los aspectos principales que unen esta intrincada trama, llena de suspense e innumerables plot twists. Todo esto se desarrolla en una atmósfera a veces cursi y exagerada (en el sentido negativo), pero que aun así logra ser sumamente atractiva e intrigante dentro de los temas más importantes de la película, el principal de los cuales es mantener al público enganchado con cada sorpresa.

La fortaleza del sagrado matrimonio (como se le conoce religiosamente en todo el mundo) se ve destrozada por la irrefutable lujuria (por el cuerpo femenino) de cinco hombres casados, cada uno con personalidades completamente diferentes. Sin embargo, todos mantienen un vínculo que los conecta: el deseo de traición (en este caso, resaltando no solo el pecado de la carne... sino principalmente, un juego de proporciones complejas e inconmensurables, donde parte del comportamiento depredador masculino se destaca bajo contornos ya conocidos, pero que se intensifican mucho más con sus acciones).

Vincent, Chris, Luke, Marty y Philip mantienen un vínculo de "amistad" sustentado únicamente por sus respectivos deseos de engañar a sus respectivas esposas. Cuando deciden compartir un apartamento de lujo (donde cada uno tiene una copia privada de la llave para usar cuando quiera, manteniendo un solo canal de comunicación entre ellos para evitar conflictos de agenda) para mantener en secreto sus aventuras amorosas con otras mujeres, nunca imaginaron que esta idea se convertiría en su peor pesadilla.

En un día cualquiera, cuando uno de ellos entra al apartamento, encuentra el cuerpo de una mujer cubierto de sangre. Los mechones ensangrentados de la joven, sobre la cama, indican que se ha cometido un crimen brutal. Se desconoce el culpable, pero solo los cinco amigos tienen copias de las llaves (que son únicas). Esto significa que el crimen fue presuntamente cometido por uno de ellos (o por alguien que tuviera acceso a sus llaves), y de ahí la importancia de un sólido desarrollo narrativo que envuelve toda la trama en una auténtica montaña rusa de suspense.

El guion es ágil, dinámico y sin pretensiones, sumergiendo al público en una trama intrincada con todos sus hilos (lo que finalmente desencadena una auténtica descarga eléctrica de misterios en el espectador). Quizás el único punto negativo en este aspecto aquí es el exceso de sorpresas, pues en cierta manera esto le resta peso a algunas revelaciones que deberían haber sido mejor trabajadas dentro de la narrativa, pero esto no es un problema en absoluto, porque aún así, el factor sorpresa sigue siendo muy relevante y sorprendente a lo largo de la trama.

En todo caso, la hábil gestión de los acontecimientos por parte del director Erik Van Looy evoca constantemente la sensación de que nada es lo que parece. Mientras cada uno de los amigos es interrogado por la policía (a medida que se desarrolla la película, con escenas alternas entre el pasado y el presente), la dinámica del guion, escrito por Bart De Pauw y Wesley Strick, es bastante sinérgica, convirtiendo este remake (inspirado en la película belga original, dirigida por Bart De Pauw) en un proyecto “endiabladamente entretenido”.

Todos los personajes se ven moralmente afectados negativamente (especialmente los masculinos), lo que genera debates sobre una parte de la naturaleza supuestamente intrínseca a todos los hombres y mujeres que sucumben a la traición en sus diversos contextos. Aunque hay momentos de "redención" donde el guion intenta "separar" a los buenos de los malos, ninguno de los personajes principales (ni hombres ni mujeres) es inocente. Esto plantea una dicotomía muy constante sobre la moral y la ética del comportamiento, aunque no se explora mucho en el guion.

El loft cuenta con Karl Urban, James Marsden, Rachael Taylor, Wentworth Miller e Isabel Lucas en el reparto, y aunque ninguno de ellos (y mucho menos ninguno del reparto secundario) ofrece actuaciones memorables, lo que hacen basta para sostener la narrativa (que, por sí sola, sostiene con valentía todo el proyecto). Si bien es una película que peca de argumentación excesiva en su intento de entretener y escandalizar al público, es importante reconocer que este proyecto rebosa de tentáculos capaces de abrazar a quienes están en el otro bando.

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CRÍTICA DE FILME: “Prazeres Mortais” (2014)

Sinopse: Um apartamento exclusivo (e luxuoso) é usado por cinco amigos (casados) como um “local secreto” para que eles mantenham os seus casos extraconjugais longe dos olhares de outras pessoas (especialmente de suas respectivas esposas). Porém, quando o corpo de uma mulher misteriosa é encontrado no lugar, a situação deles se torna dramática.

Traição, dinheiro, abuso sexual, mistério, psicopatia, controle, misoginia, narcisismo, poder e assassinato... Estes são só alguns dos principais aspectos que atam os nós desta intricada trama, que é repleta de suspense, além de inúmeros plot twits. Tudo isso acontecendo dentro de uma atmosfera que por vezes é muito cafona e exagerada (negativamente falando), mas que ainda consegue ser extremamente envolvente e intrigante dentro das propostas que mais importam para o filme, sendo a principal delas manter o interesse da audiência sobre o que está acontecendo a cada surpresa.

A fortaleza do sagrado matrimônio (como é religiosamente conhecido mundo à fora) é quebrada pela cobiça irrefutável de cinco homens casados (pelo corpo feminino), que tem personalidades completamente distintas entre si. No entanto, todos eles mantêm um laço que os conecta: a luxúria pela traição (neste caso, evidenciando não apenas o pecado da carne... mas principalmente, um jogo de proporções complexas e imensuráveis, onde uma parte do comportamento predatório masculino é realçada sob contornos já conhecidos, mas que são muito mais intensificados pelas suas ações).

Vincent, Chris, Luke, Marty e Philip mantém um elo de “amizade” que é sustentado unicamente pelos seus respectivos desejos relacionados a trair suas respectivas esposas. Quando eles decidem compartilhar um mesmo apartamento de luxo (onde cada um deles tem uma cópia particular da chave para usar quando eles quiserem, mantendo apenas uma comunicação entre eles para não haver um “conflito de agendas”) para que eles consigam manter em segredo os seus casos aleatórios com outras mulheres, eles não imaginavam que essa ideia se tornaria no pior pesadelo da vida deles.

Em um dia qualquer, quando um deles entra no apartamento, há um corpo de uma mulher banhado em sangue dentro lugar. As madeixas ensanguentadas da jovem deitada na cama evidenciam que um crime brutal foi cometido. O culpado é desconhecido, mas apenas os cinco amigos têm às cópias das chaves (que são únicas). Isso quer dizer que o crime foi supostamente cometido por um deles (ou por alguém que teve acesso as chaves deles), e esse é o questionamento de forte desenvolvimento narrativo que “envelopa” toda à trama dentro de uma verdadeira montanha-russa de suspense.

O roteiro é ágil, dinâmico e não faz a menor cerimônia ao jogar o público dentro de uma trama muito bem “conectada” com todos os seus fios (o que acaba desencadeando uma verdadeira “descarga elétrica” de mistérios no telespectador). Talvez o único ponto negativo neste aspecto aqui seja o excesso de surpresas, porque de uma certa maneira, isso mina o peso de algumas relevações que deveriam ter sido melhor trabalhadas dentro da narrativa, mas nem de longe isso é um problema, porque mesmo assim, o fator surpresa se mantém muito relevante e surpreendente sobre toda à trama.

De qualquer maneira, o modo como os acontecimentos são conduzidos pelo diretor Erik Van Looy foi bem habilidoso, trazendo sempre uma sensação de que nada é o que parece ser, porque enquanto cada um dos amigos é interrogado pela polícia (à medida em que o filme vai sendo desenvolvido, trazendo cortes de cenas alternativos entre passado e presente), a dinâmica do roteiro escrito pela dupla Bart De Pauw e Wesley Strick é bastante sinérgica, tornando esse remake (inspirado no filme original belga, que foi dirigido por Bart De Pauw) em um projeto “diabolicamente divertido”.

Os personagens são todos moralmente afetados negativamente (principalmente os personagens masculinos), trazendo discussões sobre uma parte da natureza que é supostamente intrínseca a todos os homens e mulheres que se rendem as traições em suas diferentes contextualizações. Embora haja momentos de “redenção” onde o roteiro tenta “separar” os mocinhos dos bandidos, nenhum dos personagens principais são inocentes (sejam os homens ou as mulheres). Isso traz uma dicotomia muito consistente sobre moral e ética comportamental, ainda que não muito explorada no roteiro.

Prazeres Mortais traz no seu elenco nomes como Karl Urban, James Marsden, Rachael Taylor, Wentworth Miller e Isabel Lucas, e embora nenhum deles (e muito menos o elenco de apoio) entreguem performances memoráveis, o que eles fazem é suficiente para sustenta o peso da narrativa (que por si só carrega todo o peso do projeto bravamente). Ainda que seja um filme que peca pelo excesso argumentativo na tentativa de entreter e, ao mesmo tempo, chocar o público, é preciso reconhecer que eis aqui um projeto que é repleto de tentáculos capazes de abraçar quem está do outro lado.