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Hola Hivers ❤️ espero que se encuentren bien. Caeras es una nueva pelicula de thriller de Netflix de origen alemán. Es una pelicula un poco pasadita de tono pero no es para tanto. Aunque es de suspenso yo la vi romántica y a mi para una historia romantica llamenme.
Hello Hivers ❤️ I hope you are all well. Caeras is a new German thriller movie on Netflix. It's a bit over the top, but it's not that bad. Although it's a suspense film, I found it romantic, and when it comes to romantic stories, count me in.
Nuestra protagonista Lilly llega a la ciudad de Mallorca para visitar a su hermana Valeria, quien ya lleva tiempo viviendo en el lugar. Lilli y Valeria son huerfanas desde hace años y heredaron dinero y propiedades de su madre una de estas ubicada en Mallorca
Our protagonist, Lilly, arrives in the city of Mallorca to visit her sister Valeria, who has been living there for some time. Lilly and Valeria have been orphans for years and inherited money and properties from their mother, one of which is located in Mallorca.
Lilli al llegar a Mollorca se entera que Valeria se comprometió con su nuevo novio Manu con quien tiene planes de comprar una casa y converirla en posada y que sus mayor interes de que Lilli la visitara era para vender la propiedad de su madre, Lilli no esta de acuerdo y no acepta y Manu no le da buena espina y gracias a algunos sucesos decide invertigarlo.
When Lilli arrives in Mallorca, she learns that Valeria is engaged to her new boyfriend, Manu, with whom she plans to buy a house and convert it into an inn. Valeria's main interest in Lilli visiting was to sell her mother's property. Lilli disagrees and refuses, and she doesn't have a good feeling about Manu. Thanks to certain events, she decides to investigate him.
Una noche salen a divertirse a un club donde Lilly conoce a Tom, gerente del club con quien conectó desde el primer instante. Tanto Tom como Manu son trabajadores de Nick el agente inmobiliario que junto con su esposa Girasol intentan persuadir a Lilli con Tom para que venda la propiedad en un costo inferior a su costo real.
One night they go out to have fun at a club where Lilly meets Tom, the club manager, with whom she connected from the very first moment. Both Tom and Manu work for Nick, the real estate agent who, together with his wife Girasol, tries to persuade Lilly and Tom to sell the property at a price below its actual value.
Aunque Tom tiene que lograr que Lilli venda y se vaya de la isla éste no puede evitar sentir culpa, por lo que su lealtad cambia y sus sentimiento tambien. Es una pelicula muy entretenida, tenia miedo del final pero vayan a verla es buena.
Although Tom has to get Lilli to sell up and leave the island, he can't help feeling guilty, so his loyalty changes and so do his feelings. It's a very entertaining film. I was afraid of the ending, but go and see it, it's good.
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Bienvenidos a un nuevo post para los amantes del cine y de las series, hoy hare una "review" de la película "La Terminal", luego de ver algunas partes en las redes sociales, me dispuse a verla, ya que dura 2 horas y 8 minutos, aproveché la noche antes de dormir y me fui con mucho entusiasmo a dormir pensando en escribir sobre ella, sin duda cuenta con una crítica ya que desmantela mucha sociología en ella, sin más, espero que disfruten de la publicación. - La pueden encontrar en el siguiente link:
Welcome to a new post for movie and TV series lovers. Today I'll be reviewing the film "The Terminal." After seeing parts of it on social media, I decided to watch it. It's 2 hours and 8 minutes long. I took advantage of the night before bed and went to sleep with great enthusiasm, thinking about writing about it. It certainly warrants criticism, as it dismantles a lot of sociology. Without further ado, I hope you enjoy the post. You can find it at the following link:
Parece una comedia amable de aeropuerto principios de los 2000, Spielberg en modo luminoso junto a Tom Hanks, pero debajo late un manifiesto sobre el poder, la burocracia y la condición humana en tiempos de fronteras rígidas y derechos blandos. Yo la miro desde el laburo y la calle con la sospecha sistemática hacia los privilegios y con la convicción de que las vidas “pequeñas” dicen más que cualquier discurso en cadena nacional.
It looks like a lighthearted early-2000s airport comedy, Spielberg in his luminous mode alongside Tom Hanks, but beneath it beats a manifesto about power, bureaucracy, and the human condition in times of rigid borders and fragile rights. I watch it from the perspective of work and the street, with systematic suspicion toward privilege and with the conviction that “small” lives say more than any national broadcast speech.
“Viktor Navorski”, ese tipo que aterriza y descubre que su país —obvio que ficticio creado para la película pero podemos sospechar que, si viene de Estados Unidos a quien se hace referencia, demasiado reconocible— dejó de existir por un golpe de estado mientras él estaba en el aire, es el ciudadano perfecto para este sistema: no tiene dónde caer. No es turista, no es inmigrante, no es refugiado formal. Es una anomalía administrativa. Y como toda anomalía, en lugar de preguntarse qué necesita, el sistema se pregunta cómo contenerla. Ahí aparece la figura del burócrata (Stanley Tucci), que no es un villano de bigote, sino el sacerdote de un templo: el templo de los formularios.
“Viktor Navorski,” the man who lands and discovers that his country—obviously fictional, created for the movie, but we can suspect, given the United States references, all too recognizable—has ceased to exist after a coup while he was in the air, is the perfect citizen for this system: he has nowhere to fall. He is not a tourist, not an immigrant, not a formal refugee. He is an administrative anomaly. And like all anomalies, instead of asking what he needs, the system asks how to contain him. That’s where the bureaucrat appears (Stanley Tucci), not a mustache-twirling villain but the priest of a temple: the temple of paperwork.
Desde lo psicológico, La terminal es un experimento sobre la espera. La espera no como paciencia zen, sino como estado mental impuesto. Quien espera está en inferioridad. No decide; administra el tiempo muerto. Viktor aprende a traducir esa espera en supervivencia: colecciona carritos para juntar monedas, inventa una cama, consigue comida con truquitos de ingenio, trabaja de albañil hasta que lo detectan, y teje red con los laburantes invisibles del aeropuerto. Ahí, en ese subsuelito del capitalismo, la película se vuelve hermosa: la solidaridad de quienes sostienen la maquinaria.
Psychologically, *The Terminal* is an experiment in waiting. Waiting not as zen patience, but as an imposed mental state. Whoever waits is in a position of inferiority. They don’t decide; they manage dead time. Viktor learns to translate that waiting into survival: he collects carts to gather coins, invents a bed, finds food with little tricks, works as a construction hand until he’s discovered, and weaves a network with the invisible workers of the airport. There, in that basement of capitalism, the film becomes beautiful: the solidarity of those who keep the machinery running.
Sociológicamente, el aeropuerto es un no-lugar: un espacio diseñado para el tránsito, no para la vida. Todo está pensado para que consumas, no para que te quedes, misma interacción sucede en la película: “aquí es para que compres”. La paradoja es que Viktor hace lo indecible: habitar el no-lugar. Lo convierte en barrio. Y cuando un no-lugar se vuelve lugar, se desnuda la trampa: se puede vivir sin derechos, pero no se puede vivir bien. Eso, que parece una obviedad, es el corazón político de la película.
Sociologically, the airport is a non-place: a space designed for transit, not for living. Everything is designed for you to consume, not to stay, and the same interaction happens in the film: “this is here for you to buy.” The paradox is that Viktor does the unthinkable: he inhabits the non-place. He turns it into a neighborhood. And when a non-place becomes a place, the trap is revealed: you can live without rights, but you cannot live well. That, which seems obvious, is the political heart of the film.
Hay una lectura más áspera que me gusta: *La terminal* es una clase práctica de biopolítica. El Estado (o su versión tercerizada en Seguridad Aeroportuaria) decide sobre la circulación de los cuerpos. No le importa qué piensa Viktor, ni su historia, ni su promesa íntima —ese pequeño deber con su padre que solo necesita un pie en Manhattan para cumplirse—. Importa si su documento encaja. Si no encaja, quedate. ¿Dónde? En el limbo. Si encaja, andate. ¿A dónde? A un afuera que tampoco te garantiza nada. Ese margen donde la ley puede y no puede, donde te dejan respirar pero no caminar, es una zona de excepción.
There’s a harsher reading I like: *The Terminal* is a practical class in biopolitics. The State (or its outsourced version in Airport Security) decides on the circulation of bodies. It doesn’t care what Viktor thinks, or his history, or his intimate promise—that small duty to his father that only needs one step in Manhattan to be fulfilled. What matters is if his document fits. If it doesn’t fit, stay. Where? In limbo. If it fits, leave. Where? To an outside that doesn’t guarantee you anything either. That margin where the law can and cannot, where they let you breathe but not walk, is a zone of exception.
El burócrata lo sabe. Por eso presiona. Lo tienta: “firmá que pedís asilo y te saco de encima”. Lo provoca: “salí a la calle, te arrestan, problema resuelto”. Lo quiere convertir en caso. Porque cuando sos un caso, dejás de ser un sujeto. Ese es el golpe más fino de la película: no sataniza al funcionario, lo muestra funcionando. Obedece al organigrama, a los incentivos, al miedo a equivocarse. Y como pasa en cualquier institución —escuela, hospital, juzgado—, el miedo al papel mal puesto vale más que la vida bien tratada.
La contraofensiva de Viktor es de manual obrero: hacer comunidad. No con grandes discursos, sino con favores, códigos y chistes compartidos. Ayuda a quien necesita un paquete, alguien le acerca comida; le traduce a alguien, alguien le acerca una manta; guarda silencio por el romance de un compañero, el compañero le devuelve un milagro administrativo. Es la lógica de los que no tienen poder institucional y sin embargo sostienen todo: el poder de la confianza. Si lo ponemos en criollo: los de abajo se organizan porque los de arriba ponen trabas. Esa trama le gana, de a ratos, a la maquinaria.
The bureaucrat knows it. That’s why he pressures him. He tempts him: “Sign that you’re requesting asylum and I’ll get rid of you.” He provokes him: “Step outside, they’ll arrest you, problem solved.” He wants to turn him into a case. Because when you’re a case, you stop being a subject. That is the film’s finest stroke: it doesn’t demonize the official, it shows him functioning. He obeys the flowchart, the incentives, the fear of making a mistake. And as happens in any institution—school, hospital, court—the fear of a misplaced paper weighs more than a well-treated life.
Viktor’s counteroffensive is straight from the worker’s manual: build community. Not with big speeches, but with favors, codes, and shared jokes. He helps someone with a package, someone else brings him food; he translates for someone, someone gives him a blanket; he keeps quiet about a colleague’s romance, the colleague pays him back with an administrative miracle. It’s the logic of those without institutional power who nevertheless hold everything up: the power of trust. Put simply: those at the bottom organize because those at the top set up obstacles. That network wins, at times, against the machinery.
Psicológicamente, Viktor es el anti-cínico. Y eso conmueve. Porque el cinismo es el traje de gala de las democracias cansadas. El tipo cree en la palabra, en la promesa, en la dignidad del trabajo bien hecho. Cuando consigue laburo de obra —aunque sea un gris legal— se ilumina: está en su elemento. La película le concede esa épica chiquita: poner ladrillos, arreglar paneles, embellecer un espacio que no lo reconoce como propio. Hay dignidad ahí. Y hay crítica: el sistema acepta su fuerza de trabajo antes que su condición de sujeto. Primero produce, después vemos si existe. ¿A quien le suena parecida y conocida esta frase?
Psychologically, Viktor is the anti-cynic. And that moves us. Because cynicism is the evening wear of tired democracies. The man believes in words, in promises, in the dignity of a job well done. When he gets construction work—even if it’s legally gray—he lights up: he’s in his element. The film grants him that small epic: laying bricks, fixing panels, beautifying a space that doesn’t recognize him as its own. There is dignity there. And there is critique: the system accepts his labor power before it accepts his condition as a subject. First he produces, then we see if he exists. Who does that phrase sound familiar to?
En clave de clase, *La terminal* es un retrato del trabajador migrante sin papeles: indispensable, barato, descartable. El aeropuerto, con su estética de vidrio y acero, es la fábrica posmoderna; los uniformes reemplazan al overol; la tarjeta magnética reemplaza al fichaje. Y los de “seguridad” operan como capataces de pasillo. Todo brillante, todo controlado, todo injusto. Spielberg lo suaviza (porque Spielberg es Spielberg), pero el mensaje llega: la inclusión sin derechos es un espejismo.
La relación con la azafata (Catherine Zeta-Jones) funciona como espejo de esa ambivalencia: hay ternura, pero no hay lugar. Ella vive suspendida entre vuelos y promesas rotas; él, entre puertas de embarque y sellos que no llegan. Son dos personas detenidas por razones distintas. La película sugiere una salida romántica y enseguida la retira: no alcanza con quererse cuando el mundo te pide papeles. Es cruel, pero honesto.
In class terms, *The Terminal* is a portrait of the undocumented migrant worker: indispensable, cheap, disposable. The airport, with its glass-and-steel aesthetic, is the postmodern factory; uniforms replace overalls; the magnetic card replaces the time clock. And “security” acts as hallway foremen. Everything shiny, everything controlled, everything unjust. Spielberg softens it (because Spielberg is Spielberg), but the message gets through: inclusion without rights is a mirage.
The relationship with the flight attendant (Catherine Zeta-Jones) works as a mirror of that ambivalence: there is tenderness, but no space. She lives suspended between flights and broken promises; he, between gates and stamps that never arrive. They are two people detained for different reasons. The film suggests a romantic way out and then immediately withdraws it: love is not enough when the world demands papers. It’s cruel, but honest.
Ahora, miremos la política. *La terminal* sale pocos años después de un mundo endurecido por controles, listas y miedos. Las democracias se vuelven administradoras de riesgos y, cuando gestionan miedo, restringen. Siempre primero sobre los mismos: migrantes, pobres, disidentes. La película pone un caso amable —un hombre decente, ingenuo, sin maldad— para hacernos la pregunta incómoda: ¿y si no fuera decente? ¿y si fuera solo alguien desesperado? La respuesta real es la misma: el sistema no ve personas, ve categorías. Y las categorías, cuando están mal paridas, aplastan.
Now, let’s look at politics. *The Terminal* was released a few years after a world hardened by controls, lists, and fears. Democracies became risk administrators, and when they manage fear, they restrict. Always first on the same groups: migrants, the poor, dissidents. The film gives us a kind case—a decent, naïve man, without malice—to pose the uncomfortable question: what if he weren’t decent? What if he were just desperate? The real answer is the same: the system doesn’t see people, it sees categories. And categories, when poorly conceived, crush.
*La terminal* termina con un gesto mínimo y gigante: Viktor cruza una puerta, cumple su promesa y vuelve. No se queda “del otro lado”. No persigue el sueño americano en versión postal. Vuelve a ser alguien en su propia lengua. Podríamos leerlo como conservador, pero a mí me parece otra cosa: el tipo no buscaba “irse”, buscaba ser reconocido. No quería un nuevo pasaporte; quería cerrar un duelo. Y eso también es político: el derecho a cerrar nuestros duelos sin pasar por ventanilla.
En tiempos donde sobran alambrados y faltan abrazos, esta película parece un cuento. Pero es una advertencia. Si naturalizamos que existan personas en suspensión, la sala de espera se expande: termina alcanzándonos a todos. Hoy es el migrante sin papeles, mañana es el laburante sin recibo, pasado el estudiante sin beca. Siempre hay una manera nueva de dejarte a mitad de camino.
*The Terminal* ends with a gesture both small and enormous: Viktor crosses a door, fulfills his promise, and goes back. He doesn’t stay “on the other side.” He doesn’t chase the American dream in postcard form. He returns to being someone in his own language. We could read it as conservative, but I see it differently: the man wasn’t looking to “leave,” he was looking to be recognized. He didn’t want a new passport; he wanted to close a grief. And that too is political: the right to close our griefs without going through a counter.
In times where fences abound and hugs are scarce, this film seems like a tale. But it is a warning. If we naturalize that people exist in suspension, the waiting room expands: it ends up reaching all of us. Today it’s the undocumented migrant, tomorrow the worker without payslip, the day after the student without a scholarship. There’s always a new way to leave you halfway.
Por eso, sí: me río en algunas escenas, me emociono en otras, pero salgo enojado. No con la película, con el mundo que la hizo posible. Con esa modernidad rápida que te vende millas y te retacea derechos. Con ese Estado que te abraza si podés consumir, y te controla si solo querés existir. Y con esa certeza que no me abandona: la dignidad no se tramita; se ejerce.
That’s why, yes: I laugh at some scenes, I’m moved in others, but I leave angry. Not with the film, but with the world that made it possible. With that fast-paced modernity that sells you miles and withholds rights. With that State that embraces you if you can consume, and controls you if you only want to exist. And with that certainty that never leaves me: dignity is not processed; it is exercised.
Synopsis:Peter is a young man with a physical disability (the absence of part of his right upper limb) who becomes a target of the Nazi army. In an attempt to escape a fate he refuses to accept, he finds a way to rebel against the oppressive system and save his own life.
"The proof of a society's morality is what it does for its children.", is how this very short (but very interesting and extremely provocative) Netflix feature movie begins its development, featuring a quote from German theologian Dietrich Bonhoeffer to spark some immediate reflection on how we all depend on each other, anywhere in the world. This thought was also purposefully used to pave the way for everything this project has to offer, within the magnitude of its morbid essence.
During periods like the World Wars, one of the minorities that receives little (or almost no) remembrance is the physically disabled. However, the fateful history of these individuals cannot be forgotten, and audiovisual projects like this one keep this "fire of memories" burning (even though it can be painful, especially for those with physical disabilities), reminding us of how terrible human beings can be to one another (and this is something of critical value even for today's society, which, for its part, miserably defends Nazism).
In 1939, Hitler implemented a mass murder program known as Akiton T4 (or Euthanasia). The program targeted people with some kind of physical disability, claiming the lives of 300,000 of them and sterilizing over 400,000. According to Hitler himself, during times of war it was necessary to remind everyone that these events were the best times to eliminate those patients who were considered incurable, and many Germans rejected the physically disabled because they were not compatible with the concept of a “superior race”.
This short movie (just over 10 minutes long) unfortunately fails to delve deeply into all the issues it raises as its main dilemmas. However, this isn't due to a lack of apparent quality. Quite the contrary: the script is intelligent, bold, and sad, yet simultaneously imbued with courage and poise, reliving painful moments during wartime. The biggest problem here was its lack of time, because this is the kind of subject matter that can be covered in a full-length movie (at least two hours long).
In the plot, a teacher has a physically disabled son who is discreetly bullied at school and must suppress feelings of pain while watching his own mother follow a teaching manual that crushes the disabled population by using them as negative references, for example, within the country's own economy (directly insinuating that families with physically disabled people cause massive financial losses). When the young man becomes a target of the Nazi army (which begins killing people with this type of disability), he finds a way to live.
The Akiton T4 project, which became a landmark for its use in the development of gas chambers used in World War II concentration camps, served as the main argument within this sensitive (and at the same time brutal) script, materializing the problems exposed. Small details reveal major events within the script's approach, which doesn't shy away from delivering a deeply moving story (even within such a short timeframe) and, incidentally, boasts stunning technical aspects (such as the cinematography and set design).
Personally speaking, I had no idea that a project as horrific as the Akiton T4 had ever existed, and this only reinforces my utter contempt for Hitler as a "human being" (and here, I certainly need endless quotation marks) and for any and all ideas he championed as a political figure (and also as a person, especially since there was no distinction between the two). This also sparked my curiosity to learn more about what happened, and it is precisely here that the Seventh Art plays a fundamental role, placing cinema in the position of an essential art.
Forgive Us Our Trespasses is the kind of movie that feels like a strong, accurate punch to the audience's gut, and this is evident not only in the story itself, but also in Knox Gibson's performance, which conveys a range of emotions both with his gaze and his physical movements (especially moments of agony). This is a work of remarkable and inspiring quality, skillfully written by Ashley Eakin and Shawn Lovering, with Eakin directing (and doing a very good job). You must see this movie.
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CRÍTICA DE PELÍCULA: “Perdona nuestras ofensas” (2022)
Sinopsis:Peter es un joven con una discapacidad física (la ausencia de parte de su extremidad superior derecha) que se convierte en blanco del ejército nazi. En un intento por escapar de un destino que se niega a aceptar, encuentra la manera de rebelarse contra el sistema opresor y salvar su vida.
"La prueba de la moralidad de una sociedad es lo que hace por sus hijos.", así comienza este cortometraje de Netflix (pero muy interesante y extremadamente provocador), con una cita del teólogo alemán Dietrich Bonhoeffer que provoca una reflexión inmediata sobre cómo todos dependemos unos de otros, en cualquier parte del mundo. Esta idea también se utilizó deliberadamente para sentar las bases de todo lo que este proyecto ofrece, dentro de la magnitud de su esencia mórbida.
Durante períodos como las Guerras Mundiales, una de las minorías que recibe poco (o casi ningún) recuerdo son las personas con discapacidad física. Sin embargo, la fatídica historia de estas personas no puede olvidarse, y proyectos audiovisuales como este mantienen viva esta llama de la memoria (aunque pueda ser dolorosa, especialmente para quienes tienen discapacidad física), recordándonos lo terribles que pueden ser los seres humanos entre sí (y esto es algo de vital importancia incluso para la sociedad actual, que, por su parte, defiende con desdén el nazismo).
En 1939, Hitler implementó un programa de asesinatos en masa conocido como Akiton T4 (o Eutanasia). El programa se centró en personas con algún tipo de discapacidad física, cobrándose la vida de 300.000 de ellas y esterilizando a más de 400.000. Según el propio Hitler, en tiempos de guerra era necesario recordar a todos que estos eventos eran el mejor momento para eliminar a aquellos pacientes considerados incurables, y muchos alemanes rechazaban a las personas con discapacidad física porque no eran compatibles con el concepto de una "raza superior".
Este cortometraje (de poco más de 10 minutos de duración) lamentablemente no profundiza en todos los problemas que plantea como sus principales dilemas. Sin embargo, esto no se debe a una aparente falta de calidad. Todo lo contrario: el guion es inteligente, audaz y triste, pero a la vez está imbuido de valentía y aplomo, reviviendo momentos dolorosos de la guerra. El mayor problema fue la falta de tiempo, ya que este es el tipo de tema que puede abordarse en un largometraje (de al menos dos horas de duración).
En la trama, un profesor tiene un hijo con discapacidad física que sufre acoso escolar discretamente y debe reprimir su dolor mientras ve a su propia madre seguir un manual de enseñanza que aplasta a la población con discapacidad, usándola como referencia negativa, por ejemplo, dentro de la propia economía del país (insinuando directamente que las familias con personas con discapacidad física causan enormes pérdidas económicas). Cuando el joven se convierte en objetivo del ejército nazi (que comienza a matar a personas con este tipo de discapacidad), encuentra una manera de vivir.
El proyecto Akiton T4, que se convirtió en un hito por su uso en el desarrollo de las cámaras de gas utilizadas en los campos de concentración de la Segunda Guerra Mundial, sirvió como argumento principal de este sensible (y a la vez brutal) guion, materializando los problemas expuestos. Pequeños detalles revelan acontecimientos importantes dentro del enfoque del guion, que no rehúye ofrecer una historia profundamente conmovedora (incluso en un lapso de tiempo tan corto) y, por cierto, presume de impresionantes aspectos técnicos (como la fotografía y la escenografía).
Personalmente, no tenía ni idea de que existiera un proyecto tan horroroso como el Akiton T4, y esto no hace más que reforzar mi absoluto desprecio por Hitler como "ser humano" (y aquí, sin duda, necesito infinitas comillas) y por todas y cada una de las ideas que defendió como figura política (y también como persona, sobre todo porque no había distinción entre ambos). Esto también despertó mi curiosidad por saber más sobre lo sucedido, y es precisamente aquí donde el Séptimo Arte juega un papel fundamental, colocando al cine en la posición de un arte esencial.
Perdona nuestras ofensas es el tipo de película que se siente como un puñetazo fuerte y certero en el estómago del público, y esto se evidencia no solo en la historia en sí, sino también en la actuación de Knox Gibson, que transmite una gama de emociones tanto con su mirada como con sus movimientos físicos (especialmente en los momentos de agonía). Esta es una obra de una calidad notable e inspiradora, magistralmente escrita por Ashley Eakin y Shawn Lovering, con Eakin dirigiendo (y haciendo un excelente trabajo). Necesitas ver esta película.
CRÍTICA DE FILME: “Perdoai-nos as Nossas Ofensas” (2022)
Sinopse:Peter é um jovem com uma deficiência física (a ausência de parte do seu membro superior direito) que acaba se tornando um alvo do exército nazista. Na tentativa de fugir de um destino que ele não aceita, encontra uma maneira se rebelar contra o sistema opressor e salvar a própria vida.
“A prova da moralidade de uma sociedade é o que ela faz por suas crianças.”, é assim que esse curtíssimo (porém muito interessante e extremamente provocante) longa-metragem da Netflix inicia todo o seu desenvolvimento, trazendo uma frase do teólogo alemão Dietrich Bonhoeffer para despertar no público uma reflexão imediata sobre como todo todos nós dependemos uns dos outros, em qualquer lugar do mundo. Esse pensamento também foi propositalmente usado para pavimentar tudo o que esse projeto tem para oferecer ao público, dentro da magnitude da sua essência mórbida.
Em períodos como as Guerras Mundiais, uma das minorias que são pouco (ou quase nada) lembradas são os deficientes físicos. No entanto, a história fatídica dessas pessoas não pode ser esquecida, e projetos audiovisuais como este trazem uma chama para manter essa “fogueira de memórias” acesa (ainda que isso seja algo doloroso, em especial, para quem é deficiente físico), nos lembrando de como os seres humanos podem ser terríveis uns com os outros (e isso é algo de valor crítico até para a sociedade que temos no mundo de hoje, que em sua parte, miseravelmente defende o nazismo).
Precisamente em 1939, Hitler implementou um programa de assassinato em massa que ficou conhecido como Akiton T4 (ou Eutanásia). O programa foi pensado em pessoas com alguma deficiência física, ceifando à vida de 300 mil delas, além de esterilizar mais de 400 mil. Segundo o próprio Hitler, em períodos de guerra era preciso lembrar a todos que esses eventos eram os melhores momentos para se eliminar aqueles doentes que eram considerados como incuráveis, e muitos alemães rejeitavam os deficientes físicos porque eles não eram compatíveis com o conceito de “raça superior”.
Este pequeno curta-metragem (que tem pouco mais de 10 minutos de duração) infelizmente não consegue ser muito profundo em todas as questões que traz como seus principais dilemas. No entanto, isso não acontece pela falta de um aspecto de qualidade aparente. Muito pelo contrário, o roteiro é inteligente, é ousado, é triste e ao mesmo tempo, se reveste de coragem e atitude para reviver momentos dolorosos em tempos de guerra. O grande problema aqui foi sua falta de tempo, porque esse é o tipo de assunto que rende um filme completo (com no mínimo duas horas de duração).
Na trama, uma professora tem um filho deficiente físico, que é discretamente hostilizado na escola e precisa reprimir sentimentos de dor enquanto vê à sua própria mãe seguir uma cartilha de ensino que esmaga a população deficiente quando os usa como referências negativas, por exemplo, dentro da economia do próprio país (insinuando diretamente que as famílias que tem pessoas com deficiência física trazem prejuízos financeiros massivos). Quando o jovem se torna alvo do exército nazista (que começa a matar pessoas com esse tipo de deficiência), ele encontra uma maneira de viver.
O projeto Akiton T4, que se tornou uma referência por ter sido usado no desenvolvimento das câmaras de gás usadas nos campos de concentração da Segunda Guerra Mundial, funcionou dentro desse roteiro sensível (e ao mesmo tempo brutal) como o principal argumento materializar os problemas expostos. Pequenos detalhes revelam grandes eventos dentro da abordagem do roteiro, que não se priva de entregar ao público uma história muito comovente (mesmo que dentro de um período de duração tão curto), e que aliás, tem aspectos técnicos lindos (como a fotografia e cenografia).
Particularmente falando, eu não sabia que um projeto tão medonho quanto o Akiton T4 havia existido, e isso só reforça o meu completo desprezo porque Hitler foi enquanto “ser humano” (e aqui com certeza cabem aspas intermináveis) e por todos e quaisquer ideias que ele defendia enquanto figura política (e também como pessoa, até porque não havia qualquer distinção entre os dois lados). Isso despertou também a minha curiosidade em saber mais sobre o que houve, e precisamente aqui a Sétima Arte assume um papel fundamental, colocando o cinema numa posição de arte essencial.
Perdoai-nos as Nossas Ofensas é aquele tipo de filme que soa como um soco forte e certeiro no estômago do público, e isso fica evidente não apenas pela história em si, mas também pela atuação de Knox Gibson, que transparece diversos tipos de sentimentos tanto com seu olhar quanto com seus movimentos físicos (principalmente momentos de agonia). Eis aqui um trabalho de qualidade notória e inspiradora, que foi habilmente escrito pela dupla Ashley Eakin e Shawn Lovering, com Eakin tomando à frente da direção (e fazendo um trabalho muito bom). Você precisa assistir a este filme.
Hello everyone, I hope you are all doing great. It’s always great to share new series with you all. Today I’m here to talk about a series that took me by surprise and impacted me more than I could have imagined. Today I want to talk about I May Destroy You. I finished it a while ago, and honestly, I’m still mulling it over. It’s one of those series that sticks in your head. First of all, let’s talk about the genius behind it: Michaela Coel. What a woman! She doesn’t just act in it; she created it, wrote every single episode, and even directed some! It’s dark, but somehow it manages to have moments that make you laugh and the next second, boom!, it hits you in the gut… the story behind the story… hits just as hard, look at this: the entire series is inspired by Michaela Coel’s own experience of being sexually assaulted while writing Chewing Gum. Knowing that adds a layer of brutal depth to everything. She’s said it was a super personal thing, enough to get it all out, and you feel that vulnerability, that honesty, unfiltered, in every scene… what courage!
And you want to talk about integrity? Apparently, Netflix offered her a million pounds –imagine the money!– for the series, but they didn’t give her full control or the rights to her story…she said no, can you imagine? Blowing that fortune away because she knew what her story and her vision were worth…that tells you everything about her dedication and how important this was to her…my respects. So, what’s it about? The plot follows Arabella, played by Coel herself, a young, cool writer living in London, somewhat famous on Twitter, struggling to finish her second book, she takes a break from work to go out with friends, to distract herself for a while. The next day, she's back at her computer, with blackouts, a cut on her forehead, a broken phone screen... and that horrible flash, which won't go away, of a guy on top of her, the series is basically about her trying to put together the puzzle of that night, realizing that she was drugged and abused, and how she tries to get up after that.
Hola a todos, espero que se encuentren súper bien, siempre es bueno compartir con todos ustedes nuevas series, hoy vengo a hablarles de una serie que me tomo por sorpresa, y me impacto más de lo que creería, hoy les quiero hablar de: I May Destroy You, la terminé hace un rato y, sinceramente, todavía le ando dando vueltas.. es de esas series que se te clavan en la cabeza, primero que nada, hablemos de la genia que está detrás: Michaela Coel. ¡Qué mujer! no solo actúa, ¡ella la creó, escribió cada bendito capítulo y hasta dirigió algunos! es oscura, pero de alguna forma se las arregla para tener momentos que te sacan la carcajada y al segundo ¡pum!, te da un madrazo en la panza.. la historia detrás de la historia...pega igual de fuerte, miren esto: toda la serie está inspirada en la propia experiencia de Michaela Coel, cuando la agredieron sexualmente mientras estaba escribiendo Chewing Gum saber eso le mete una capa de profundidad brutal a todo, ella ha dicho que fue algo súper personal, como para sacar todo, y sientes esa vulnerabilidad, esa honestidad así, sin filtros, en cada escena.. qué valor.
Y quieren hablar de integridad? Aparentemente, Netflix le ofreció un millón de libras –¡imagínense el dinero!– por la serie, pero no le daban control total ni los derechos de su historia.. les dijo que no, se imaginan? Mandar a volar esa millonada porque sabía lo que valía su historia y su visión.. eso te dice todo de su entrega y lo importante que era esto para ella.. mis respetos. Entonces, ¿de qué va? La trama sigue a Arabella, que la hace la misma Coel, una escritora joven, cool, que vive en Londres, medio famosa en Twitter, batallando para terminar su segundo libro, se da un respiro del trabajo para salir con los amigos, para distraerse un rato.. al día siguiente, está de vuelta en su compu, con lagunas mentales, un corte en la frente, la pantalla del celular rota... y ese flash horrible, que no se le va, de un tipo encima de ella, la serie es básicamente cómo ella intenta armar el rompecabezas de esa noche, darse cuenta de que la drogaron y abusaron de ella, y cómo trata de levantarse después de eso.
But to say that it's just a series about sexual assault... is a huge understatement, it's much, much more complex than that, it's like a dramatic comedy, it has moments that make you laugh, sometimes super absurd ones that catch you off guard, and then boom!, things that destroy you, it perfectly captures that crazy roller coaster that is life, where even in the shittiest moments, something absurd can come out or a spark of joy that you didn't even expect... it goes all in on a lot of today's issues. But the core, what struck me the most and left me thinking, was how it handles the issue of consent. It’s not just the basic issue of ‘no means no,’ which is obviously key. The show goes much deeper, it explores those gray areas, the little details, the limits and traps of consent in a way that I’d never seen on TV or in movies. It gets into super complex things, like ‘stealthing’ – you know, taking off the condom mid-action without warning, without permission.
The show forces you to see that consent isn’t just a ‘yes’ or ‘no’ at the beginning and that’s it. It’s about being clear, being honest, all the time. It pushes you to understand control over your body on another level, and shows you how easy it is to cross the line, sometimes in ways that people don’t even understand are abuse. It teaches you a lot, but without preaching at you, it’s not afraid to show the different sides of abuse, it’s not just from the victim’s point of view, although Arabella’s is the main thing... it shows you how the environment, the attitudes, and the thousand ways in which abuse appears, affect various characters.
Speaking of people, Arabella and her two best friends, Terry (Weruche Opia) and Kwame (Paapa Essiedu), are the heart of it all, they feel super human, super real... they are loyal to death to Arabella, trying to help her through this horrible trauma, but they also deal with their own problems, Kwame’s story, in particular, explores consent and aggression from a side we hardly see. And Terry is dealing with his work and relationship things... they are not perfect, not at all! They screw up, sometimes they hurt each other unintentionally, and they do things that make you say how sad…
Pero decir que es solo una serie sobre agresión sexual.. se queda súper corto, es mucho, mucho más compleja que eso, es como una comedia dramática, tiene momentos que te hacen reír, a veces súper absurdos que te agarran con la guardia baja, y al lado ¡zas!, cosas que te destrozan, es que capta perfecto esa montaña rusa loca que es la vida, donde hasta en los momentos más culeros, puede salir algo absurdo o una chispita de alegría que ni te esperabas.. le entra con todo a un montón de temas de hoy. Pero el centro, lo que más me pegó y me dejó pensando, fue cómo maneja el tema del consentimiento, no es nomás el tema básico de 'no es no', que obvio es clave.. la serie va mucho más hondo, explora esas zonas grises, los detallitos, los límites y las trampas del consentimiento de una forma que yo nunca había visto en la tele o el cine, se mete en ondas súper complejas, como el 'stealthing' – ya saben, eso de quitarse el condón a media acción sin avisar, sin permiso..
La serie te fuerza a ver que el consentimiento no es nomás un 'sí' o 'no' al principio y ya; es estar hablando claro, ser honestos, todo el tiempo.. te empuja a entender el control sobre tu cuerpo a otro nivel, y te muestra lo fácil que es cruzar la línea, a veces de formas que la gente ni entiende que son abuso. Te enseña un montón, pero sin echarte sermones, no teme mostrar los diferentes lados del abuso, no es solo desde el punto de vista de la víctima, aunque lo de Arabella es lo principal.. te muestra cómo el ambiente, las actitudes, y las mil formas en que aparece el abuso, le pegan a varios personajes.
Hablando de la gente, Arabella y sus dos mejores amigos, Terry (Weruche Opia) y Kwame (Paapa Essiedu), son el corazón de todo, se sienten súper humanos, súper reales.. son leales a morir con Arabella, tratando de echarle la mano con este trauma horrible, pero ellos también andan con sus propios problemas, la historia de Kwame, en especial, explora el consentimiento y la agresión desde un lado que casi no vemos. Y Terry anda lidiando con sus cosas del trabajo y de pareja.. no son perfectos, ¡para nada! Lo arruinan, a veces se lastiman sin querer, y hacen cosas que dices que triste..
Even with Arabella... there were times when it was really hard to connect with her, she can get super self-absorbed, throw off vibes, make decisions that really frustrate you, you're left thinking: "Arabella, what the hell are you doing?" .. then you remember what she's going through, the huge trauma she's dealing with. The series brilliantly captures how these sometimes difficult attitudes are part of how she's healing, her way of enduring, of surviving, well. Coel made it clear that she wanted to show the "ugliness" that a victim can have, so as not to fall into that easy victim/survivor thing and make it difficult for us to just choose sides, it's a mess, it's complicated, like real life. You see her struggling with this new identity that's been thrown at her, sometimes symbolized by how she changes her hair or clothes, trying to understand if this defines her or if it's just a part of who she is.
And beyond consent and assault, the series weaves together a ton of other important themes well. We see the devastating impact of trauma, the weight of shame, guilt, and confusion, how incredibly alone people going through this can feel... It touches on sexism, racism (Coel is a Black British woman with Ghanaian roots, and that identity feels incredibly natural to the story), drug use, and the complexities of sexual diversity. It also touches on physical and mental health: the after-effects aren't just emotional; they hit you in the body too. It tackles taboo subjects head-on, in a way that feels refreshingly real, unvarnished. There's one scene in particular about menstruation that's shown with such direct honesty, without overdoing it or being embarrassing... It wasn't gross or shocking; it was just... real. Like saying "Oh yeah, that happens..." made me realize how rarely we see those everyday realities so clearly, so authentically, on screen. The series also takes a pretty hard look at the justice system, showing its flaws, how they handle these types of crimes, and how they treat victims, especially depending on their gender, race, or who they're attracted to.
Incluso con Arabella... hubo momentos en que de verdad era complicado conectar con ella, se puede poner súper centrada en sí misma, tirar mala onda, tomar decisiones que te frustran un buen, te quedas pensando: "Arabella, ¿pero qué carajos haces?".. entonces te acuerdas por lo que está pasando, el traumsote gigante que está procesando.. la serie capta brillantemente cómo esas actitudes a veces difíciles son parte de cómo está sanando, su forma de aguantar, de sobrevivir, pues. Coel dijo clarito que quería mostrar la "fealdad" que puede tener una víctima, para no caer en esa cosa fácil de víctima/sobreviviente y que fuera difícil para nosotros nomás elegir un bando, es un desmadre, es complicado, como la vida real.. la ves luchando con esta nueva identidad que le cayó encima, a veces simbolizado por cómo se cambia el pelo o la ropa, tratando de entender si esto la define o si es nomás una parte de quién es ella.
Y más allá del consentimiento y la agresión, la serie hila bien un montón de otros temas importantes, vemos el madrazo que es el trauma, el peso de la vergüenza, la culpa y la confusión, lo increíblemente sola que se puede sentir la gente que pasa por esto.. toca el sexismo, el racismo (Coel es una mujer negra británica con raíces de Ghana, y esa identidad se siente súper natural en la historia), la onda de las drogas y las complejidades de la diversidad sexual. También le entra a la salud física y mental: las secuelas no son nomás emocionales; también te pegan en el cuerpo.. aborda temas tabú de frente, de una manera que se siente refrescantemente real, sin pelos en la lengua, hay una escena en particular sobre la menstruación que la muestran con una honestidad tan directa, sin exagerar ni hacerse la penosa.. no fue asquerosa ni impactante; fue nomás... real. Como decir "Ah, sí, eso pasa".. me hizo darme cuenta qué pocas veces vemos esas realidades de todos los días tan así, tan auténticas, en pantalla, la serie también le tira bastante duro al sistema de justicia, mostrando sus fallas, cómo manejan este tipo de delitos y como tratan a las víctimas, sobre todo dependiendo de su género, raza o por quién se sienten atraídos.
Okay, let's see, I've read somewhere that I May Destroy You is a difficult series to watch... and yes, it is, but not because it goes over the top or is poorly made, not at all, it's difficult because it asks you to give it your full attention, it forces you to think, to look inside... watching it, I was questioning my own ideas, what we take for granted, it awakens a different empathy, but it also shakes you up, it challenges you - about your own actions, what you assume without thinking, the world around us. It makes you think about the damage we can do with what we say or do, intentionally or unintentionally. Michaela Coel wanted us to watch the series with respect for the victims, and although it has a lot of her life, she added fictional elements. I think so as not to be reliving her trauma every now and then when talking about her, and to give us all, her and us, a space to deal with the complicated things without it being a copy as is. It's a miniseries, just 12 chapters, about half an hour each, so you can watch it quickly. You can find it on HBO Max.
Honestly, calling it "difficult" falls short of how much it rewards you. It didn't leave me feeling hopeless or just sad... it left me... alert, more empathetic, I want to think... it made me value the strength it takes to navigate trauma and how key friends and a support network are, even if that network has its holes. The title itself, I May Destroy You, feels like a warning, but also an acknowledgment of the power these experiences have to change you, and even the power of the show itself. In some ways, it did destroy my previous ideas about certain things, but it rebuilt them into something more layered, more informed. So, my rating? A 9/10, without a doubt. It's powerful, brave, brilliantly written, acted wow! and oh so importantly, it's one of those shows that stays with you, that makes you talk, and that really changes your perspective. And well, that's all for today! I'll see you in the next reviews, I hope you liked it, take care! Bye!
Okay, a ver, he leído por ahí que I May Destroy You es una serie difícil de ver.. y sí, sí lo es, pero no porque se pase de la raya o esté mal hecha, para nada, es difícil porque te pide que le pongas toda tu atención, te obliga a pensar, a mirar pa' dentro.. viéndola, estaba cuestionando mis propias ideas, lo que damos por normal, te despierta una empatía diferente, pero también te sacude, te reta – sobre tus propias acciones, lo que asumes sin pensar, el mundo que nos rodea. Te hace darle vueltas al daño que podemos hacer con lo que decimos o hacemos, queriendo o sin querer, Michaela Coel quería que viéramos la serie respetando a las víctimas, y aunque tiene mucho de su vida, le metió cosas de ficción, yo creo que para no estar reviviendo su trauma cada dos por tres al hablar de ella, y para darnos a todos, a ella y a nosotros, un espacio para lidiar con lo complicado sin que fuera una copia tal cual.. es una miniserie, 12 capítulos nomás, como de media hora cada uno, así que en tiempo te la echas rápido, la encuentran en HBO Max
Sinceramente, decirle "difícil" se queda corto para lo mucho que te recompensa, no me dejó sintiéndome sin esperanza o nomás triste.. me dejó.. alerta, mas empático, quiero pensar.. me hizo valorar la fuerza que se necesita para navegar un trauma y lo clave que son los amigos y la red de apoyo, aunque esa red tenga sus hoyos. El título mismo, I May Destroy You (Podría Destruirte), se siente como una advertencia, pero también como un reconocimiento del poder que tienen estas experiencias para cambiarte, y hasta el poder de la serie misma.. de alguna manera, sí destruyó mis ideas de antes sobre ciertas cosas, pero las reconstruyó en algo con más capas, más informado. Así que, ¿mi calificación? Un 9/10, sin dudarlo.. es poderosa, valiente, escrita de forma brillante, actuada ¡wow! y súper importante.. es de esas series que se te quedan, que te hacen platicar, y que se verdad te cambian la perspectiva.. y bueno, esto es todo por hoy! Nos veremos en las próximas reseñas, espero que les haya gustado, cuidense mucho! Byebye!
Tell me... have you seen this series? Has it caught your attention? Tell me what you thought of this review with my opinion, and tell me if it has made you want to watch this series. You can leave me in the comments your recommendations for future publications! 😊
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Of all genres, modern trends in global cinema may have had the worst effect on crime films. On one hand, they are too 'commercial' for art snobs chasing festival awards, while on the other, they are either too simplistic or demand excessive intellectual effort from the kind of audience an average producer is willing to invest truly substantial money into. As a result, crime films have more or less been banished to television, where they have significantly contributed to its golden age through various formats. Among the rare examples where a quality crime film can still be seen on the big screen, non-Hollywood cinemas deserve the most credit, including Italian cinema, whose film The Girl in the Fog was one of 2017’s hits.
The film is based on Donato Carrisi’s eponymous novel, written by an exceptionally praised and awarded crime author who can also boast versatility—namely his professional qualifications as a lawyer and criminologist. Carrisi has leveraged this versatility to try his hand as both screenwriter and director in the adaptation of his novel. The story is set in Avechot, a fictional town in the Italian Alps, whose daily life is disrupted by the disappearance of Anne Lou (Ekaterina Buscemi), a 16-year-old girl from a family that, like many of her neighbours, belongs to an ultra-conservative Christian community. The local police are convinced she has run away from home, as many teenagers in similar situations do. However, Inspector Vogel (Toni Servillo), an experienced investigator brought in as expert assistance, quickly concludes this is a crime. Vogel is convinced the perpetrator is someone from the village—an exceptionally intelligent and calculating individual who meticulously planned the abduction and murder over a long period. Nevertheless, Vogel is equally certain he will unmask the criminal, employing any means necessary, whether through shameless media manipulation or actions beyond the law. Thus begins a complex and prolonged battle of wits, during which Vogel and his team will uncover numerous long-hidden secrets and encounter many surprises.
The Girl in the Fog can be characterised as one of today’s rare examples of a genre-pure crime film, an achievement that can be described as 'old-school' in the best sense of the phrase. Although the setting and its inhabitants may seem exotic at first glance, Carrisi’s film avoids cheap, pseudo-social engagement, and even the theme of modern media manipulation serves merely as a vehicle for crafting a relatively straightforward story of a battle of wits between a master criminal and a master detective. Both characters are far from perfect and make mistakes that humanise them for the audience, even without emphasis on their private lives. Carrisi has proven himself an excellent screenwriter, and for someone without prior experience, a very capable filmmaker who handles flashbacks and non-linear narrative with ease—techniques that would confuse even his far more experienced colleagues. The result is a surprisingly good film that holds the viewer’s attention from start to finish and never feels overly stretched despite its two-hour runtime. Carrisi skilfully works within relatively limited resources, and the film functions well without international stars (with the possible exception of Jean Reno in a small but unusual role as a psychiatrist, or the almost unrecognisable Greta Scacchi). The relatively unknown cast leaves a strong impression, whether it’s Servillo (whose most notable role to date was in Gomorrah), Galatea Ranzi as a ruthless journalist, or Alessio Boni, who resembles a younger Vincent Cassel. Those who look for it may find traces of earlier works in The Girl in the Fog, be it the works of Friedrich Dürrenmatt or Alfred Hitchcock, or more contemporary pieces like Twin Peaks or Wild Things, but none of these influences are overly intrusive, allowing Carrisi’s film to be regarded as an original, even auteur work. This is especially evident in the plot twists, which even the most attentive viewers will struggle to predict. Although the ending feels somewhat 'forced,' giving the impression that one twist too many was used, this does not significantly detract from the overall impression of The Girl in the Fog as one of the more pleasant surprises in cinema offerings of its time.
RATING: 7/10 (+++)
(Note: The text in the original Croatian version is available here.)
[Source](https://screenrant.com)
Foundation Season 3 Episode 4, damn its one of those episodes that really makes you think about where this series is heading and I dont understand from where people might say they are bored with this series only after 3 Seasons, yes I can understand how they can feel both Gaal and the Empire plans feel over extended but with The Mule as the new factor in the equation things seem to be more interesting and exciting, the way this season focus more on Demerzel character was something else and honestly I'm still processing how a robot breaks character when it cant break the three laws and go against its program. Episode four titled "Distress of Her Regard" really puts all the cards on the table when it comes to what Demerzels been doing behind the scenes, she finally admits she was the one responsible for the Starbridge bombing that killed all those people way back in season one and the way she talks about it is so cold its almost scary. The revelation that she orchestrated this massive terrorist attack to protect Harry Seldon and let the Foundation grow is wild but also makes perfect sense when you think about her programming, shes been playing chess while everyone else is playing checkers and now we finally see how deep her manipulation goes.
What really got me was how she explains her reasoning to Zephyr in that garden scene, the way she justifies killing millions of people because she believed it would help the Empire survive longer term is both logical and both sad and negative towards the Empire because she still believe the dynasty is going to disappear she is just trying to extend it as much as she can. She basically admits that without the Foundation succeeding the Empire would have just executed Harry and fallen apart much quicker, so she sacrificed all those lives on the Starbridge to create the exact scenario that would keep both sides alive and fighting for centuries. The fact that she can talk about this massive loss of life like its just another tactical decision really shows how different she is from humans, even when she clearly struggles with some kind of emotional conflict about her actions. Zephyr tries to get her to see that maybe she could have a different purpose once the Empire falls but Demerzel literally cant think that way, her programming wont let her imagine a world where she doesnt serve the Cleons and its both tragic and frustrating to watch.
Brother Day finally making his move to escape and go after Song was something I saw coming but the execution was better than I expected, watching him kill Mavon after realizing he was being betrayed was brutal and showed us this version of Day is way more ruthless and calculative than previous ones, how he made reference he lost all those times playing cards with the guards and Mavon almost like he was trying to learn them so when the day comes he knew not who to trust but who would betray him the less basically, I think that was clever writing from the series and instead of making it predictable gives it more context to what could have always been Brother Day plan to one day escape, it shows Day has been paying attention and learning even when he seemed like he was just partying and causing trouble. The whole sequence where he steals one of Demerzels tools while she was doing maintenance on herself was intense but dumb too, how she let that slide? was it because she trust him? this is the part where the "robot" character keeps falling appart and feels like human errors, seeing her with her head detached was both cool and creepy as hell and it really brings in that she is a machine even when she acts "human ish" most of the time. Day spitting on the floor after talking to Cleon the firsts memory was such the disrespectful and balls to the wall move almost like not even a Cleon itself cant stand been a Cleon after properly analizing all the wront they have done through centuries, it shows how disgusted he is with the legacy of violence and oppression that defines his dynasty.
The political stuff with Quent and Dusk discovering each other had romantic feelings was unexpected but worked really well, I always saw them together but also shows that most Cleon cant have no love for a partner, the Empire is always above everything even live or humanity, their chemistry has been building for a while but seeing it finally come out in the open while they are looking at the Prime Radiant together was a romantic moment and Dusk showing off how to use the Radiant felt just right when a man is trying to pick up a woman based on showing of some skill. The way Dusk shows her this device that can predict the future and they both get so caught up in the moment they forget about the chaos around them its supposed to show every Clean still has a human side, even these powerful people just want connection and love when everything around them is falling apart, Dusk has not even made peace with one day turning into dust . Meanwhile Gaal and Han relationship keeps getting more complicated as she struggles between her mission to stop the mule and her feelings for him, the way he wants to just run away and get married while she knows she has to save the galaxy creates this tension that pulls them apart, after hundreds of years of planing and going into cryo she was dead set on the goal and target and not Han or any other lover would change it. The mule learning about Gaal through Hans mind is going to create even more problems and I love how the series keeps building up for that moment, that vision might start to feel force if they dont get to it or at least give it a rest and not make it the center of attention too much.
Dawn deciding to leave with Gaal at the end was the right move even though it means abandoning his chance to become Day, the way she used her mental powers to hide them from the guards and make them forget what they were looking for had Dawn amazed and terrify since he realize just how powerful she really is and at the same time that he can be another pawn on her play when he ask if she can read peoples mind and if she have been doing it with him, the answer was obvious and he still decided to go with it. The fact that all three Cleon brothers are now going in completely different directions felt right as the Empire is starting to split and probably spells the end of the dynasty as we know it, Dusk is falling in love, Day is on a revenge mission and Dawn is joining the rebellion that wants to destroy everything the Empire represents but he kinda share Demerzel vision to keep the Empire going he must do certain things that really fall into a gray area. This episode really feels like a turning point for the entire series, all the pieces that have been moving around for three seasons are finally starting to come together and feel inevitable but also surprising, like everything has been perfetcly calculated for years by Gaal's work. I have to admit the series can feel slow sometimes and I understand why some people think its getting stretched out too much, but episodes like this shows me how even with Season 3 been my only season I keep watching because when Foundation has so much quality in its storytelling, political drama, suspense and also is not bloaded with human emotional side because of how the sci fi aspects rips it apart, I dont know, its just my personal way to describe it, it really hits hard and makes all the political and character development worth it.
Hello, cinema fans. As we reach the final stretch with science fiction films related to experiments, this time we're going to talk about one of the best works ever made in the seventh art. A film that revolutionized modern cinema and created one of the biggest franchises in the industry. Based on the novel of the same name written by Michael Crichton, Jurassic Park is directed by the great Steven Spielberg. It also stars Richard Attenborough, Sam Neill, Jeff Goldblum, and Laura Dern. I invite you to remember the best dinosaur movie you've ever seen in your life.
SPANISH VERSION
Hola, fanáticos del cine. Llegando a la recta final con las películas de ciencia ficción relacionadas a experimentos, esta vez toca hablar de una de las mejores obras jamás antes hechas del séptimo arte. Una película que revolucionó el cine moderno y creó una de las franquicias más grandes que hay en esta industria. Basada en la novela homónima escrita por Michael Crichton, Jurassic Park está dirigida por el gran Steven Spielberg. Cuenta también con el protagonismo de Richard Attenborough, Sam Neill, Jeff Goldblum y Laura Dern. Te invito a recordar la mejor película de dinosaurios que has visto en toda tu vida.
The film begins with a group of employees from InGen (International Genetic Technologies Inc.) attempting to transport what appears to be a group of creatures, but when they are removed from their iron cage, one of them grabs a person and devours them alive. The manager of the facility, John Hammond, is forced to undergo an inspection visit due to this incident. This visit is to ensure the safety of future visitors, as well as to reassure his investors. The millionaire John goes in search of two dinosaur experts: paleontologist Alan Grant and paleobotanist Ellie Statler. Instead, the representative of his investors invites mathematician Ian Malcolm. All of them will take a tour of the great Jurassic Park, located on Nublar Island, near Costa Rica.
SPANISH VERSION
Trama
La película inicia con un grupo de empleados de InGen (Tecnologías Genéticas Internacionales Inc.) intentando trasladar lo que parece ser un grupo de criaturas, pero al momento de ser sacados de su jaula de hierro en la que se encuentran, uno de estos atrapa a una persona y se lo devora vivo. El gerente de este lugar, John Hammond, es obligado a recibir una visita de inspección debido a este incidente. Esta visita es para garantizar la seguridad de los futuros visitantes, además de tranquilizar a sus inversores. El millonario de John va en busca de dos expertos en dinosaurios: el paleontólogo Alan Grant y la paleobotánica Ellie Statler. En cambio, el representante de sus inversores invita al matemático Ian Malcolm. Todos ellos realizarán un recorrido por el gran Parque Jurásico, ubicado en la Isla Nublar, cerca de Costa Rica.
Nowadays, it's almost impossible to find someone who hasn't seen or even heard of this great movie. It's literally one of the first films that any movie buff will recommend you watch if you're one of those rare people who live under a rock and know nothing about cinema. Apart from being a great classic, Jurassic Park is an important reference point for this huge industry and for today's popular culture. Steven Spielberg proves that he is one of the best directors around thanks to what he achieved with this work. Personally, it is one of the films I have seen the most times in my life since I was a child. Seriously, if I had a dollar for every time I saw this gem of a film, I would currently be writing this review from a new laptop and not from my old second-hand cell phone.
Jurassic Park is not only one of the best films I have ever seen, but it has also been a clear guide to the type of films I have enjoyed watching since I was a child. This has positively led me to discover more impressive works by the great Steven Spielberg, and I admit that, both in the science fiction and adventure genres, this director has a gift for creating stories that you will never forget for the rest of your life. But that's not all he achieved with this film; it also sparked a great interest in me for the subject of dinosaurs, although I didn't end up completely obsessed with them, unlike others. I still find everything this gem of a film shows us quite fascinating.
SPANISH VERSION
Actualmente es casi imposible que exista alguien que no haya visto o que ni siquiera haya escuchado hablar de esta grandiosa película. Literalmente es de las primeras cintas que cualquier cinéfilo te recomienda ver para empezar si eres de esos raros que viven bajo una roca y no conocen nada acerca del séptimo arte. Aparte de ser un gran clásico, Jurassic Park es un referente importante para esta enorme industria y para la cultura popular actual. Steven Spielberg demuestra que es de los mejores directores que existen gracias a lo que logró con esta obra. En lo personal, es de las películas que más veces he visto en mi vida desde que era pequeño. En serio, si me dieran un dólar por cada vez que vi esta joya de película actualmente estaría escribiendo esta reseña desde una laptop nueva y no desde mi viejo celular de segunda mano.
Jurassic Park no es solo de las mejores películas que he visto en toda mi vida, sino que también ha sido una guía clara de qué tipo de películas me gustaban ver desde que era un niño. Positivamente esto me ha llevado a conocer más trabajos impresionantes del gran Steven Spielberg y admito que, tanto para el género de ciencia ficción como también para el género de aventura, este director posee el don de crear historias que te serán imposibles de olvidar por el resto de tu vida. Pero no solo es eso lo que consiguió con esta cinta, sino que también generó en mí un gran interés por el tema de los dinosaurios, aunque no terminé obsesionado del todo con ellos, a diferencia de los demás. Actualmente me sigue pareciendo bastante fascinante todo lo que nos muestra esta joya de película.
To begin with, the story is about an attempt to revive a completely extinct era with the help of genetic engineering and some fossilized prehistoric mosquitoes. On the one hand, this sounds like science with the theme of genetic crossbreeding and all that, but on the other hand, it's clearly fiction, using the theme of blood-sucking insects trapped in tree sap for millions of years as an excuse (ignoring the issue of meteorites and everything else). But hey, we're talking about movies, and sometimes these illogical details are normal to see in these films. Otherwise, the idea of cloning extinct dinosaurs and experimenting with their DNA sounds great. We've already talked about cloning before with The Island, but here at least it's explained a little better.
We're also talking about dinosaurs, extinct creatures that now seem to be used as a means of entertainment in this world. Jurassic Park is not only an iconic and fascinating place, but also the perfect representation of everything that is wrong with human beings. Ambition, desire, power... these are just some of the goals to be achieved with the existence of this place. Aside from sounding delusional, the issue of cloning extinct species is already a violation of nature, an unpleasant attempt to create life that should not exist. Controlling these types of creatures is another issue altogether, something that is mentioned several times in the film itself. Such attempts at control are only an illusion for these poor humans.
SPANISH VERSION
Para empezar, la historia trata de un intento de revivir una era completamente extinta con la ayuda de la ingeniería genética y unos mosquitos prehistóricos fosilizados. Por un lado, esto suena a ciencia con el tema de la cruza genética y todo eso, pero por el otro lado se nota que es claramente ficción al usar como excusa el tema de los insectos chupasangre atrapados en savia de árboles durante millones de años (ignorando el tema de los meteoritos y todo lo demás). Pero bueno, hablamos de cine y a veces estos detalles carentes de lógica son normales verlas en estas películas. De resto suena genial el tema de clonar dinosaurios extintos y experimentar con su ADN. Ya hemos hablado antes del tema de la clonación con The Island, pero aquí al menos se explica un poco mejor.
También que estamos hablando de dinosaurios, criaturas extintas que ahora parece que son utilizadas como medio de entretenimiento en este mundo. El Parque Jurásico no solo es un lugar icónico y fascinante, sino que también es la representación perfecta de todo lo que está mal en el ser humano. La ambición, el deseo, el poder… todo esto son solo algunos de los objetivos a conseguir con la existencia de este lugar. Aparte de sonar delirante, el tema de la clonación de especies extintas ya es una violación de la naturaleza, un intento para nada agradable de crear vida que no debería de existir. El control de este tipo de criaturas es otro tema aparte, algo que en la misma película se menciona varias veces. Dicho intento de control es sólo una ilusión para estos pobres humanos.
Neither Hammond nor the other scientists involved in all this had any idea that keeping dangerous prehistoric creatures in a simulated environment was something that was obviously going to end badly. And that's exactly what happens, which was to be expected from people who are only looking out for their own interests and don't weigh up the risks of their own decisions. Normally, I would talk a little more about the plot of this film, but it's not something that anyone reading this now doesn't already know. So I'll move on to giving my personal opinion, adding that the idea of bringing experts like Alan Grant and Ian Malcolm to this amusement park with prehistoric creatures is one of the most interesting things about the whole film, as we can see from the debate I've been having so far.
The issue of control over an unknown species is something we know is impossible to achieve. This film is a perfect example of this. But what is most striking of all is how the species itself manages to adapt to the environment to such an extent that it can reproduce and grow despite genetic limitations. It is ironic that what brought these dinosaurs to life was also what freed them from their creators' attempts to control them by eliminating their ability to reproduce. So far, so good with the film, even the way the dinosaurs themselves behave confirms everything that is said about them from the beginning.
SPANISH VERSION
Tanto Hammond como los demás científicos que estuvieron involucrados en todo esto no tenían ni idea de que retener a criaturas prehistóricas y peligrosas en un ambiente simulado es algo que, obviamente, iba a terminar mal. Y eso es exactamente lo que sucede, algo que era de esperarse y más de gente que solo buscan su propio beneficio y no miden los riesgos de sus propias decisiones. Normalmente hablaría un poco más sobre la trama de esta película, pero no es algo que cualquiera de los que me estén leyendo ahora no conozcan ya. Por eso paso de una vez a dar mi opinión personal, agregando que la idea de traer a expertos como Alan Grant y Ian Malcolm a este parque de diversiones con criaturas prehistóricas es de lo más interesante de toda la película, ya que podemos notar dicho debate que estoy formulando hasta ahora.
El tema del control sobre una especie desconocida es algo que tenemos claro es imposible de conseguir. Esta película es un ejemplo perfecto de esto. Pero lo más llamativo de todo es cómo la misma especie consigue adaptarse al entorno hasta tal punto de poder reproducirse y crecer a pesar de las limitaciones genéticas. Es irónico que lo que hizo que les diera vida a estos dinosaurios fuera lo que los liberaría del intento de control que le dieron sus creadores al eliminarles su capacidad de reproducirse. Hasta aquí todo bien con la película, incluso el cómo los mismos dinosaurios se comportan confirman todo lo que se habla de ellos desde el principio.
However, there are certain things that I didn't quite like about it. Don't get me wrong, I love the first and second acts of this film, with the beginning being a fascinating way to introduce us to everything we will see throughout the more than two hours of the film. After meeting Dr. Grant, we have the iconic arrival of the visitors to the island and the famous scene that serves as an introduction to Jurassic Park. Who doesn't remember this iconic scene, remembered and replicated dozens of times in movies and series since then in this industry? No matter how many times I repeat it, I always get excited when I see it and hear the unforgettable soundtrack in the background.
On the other hand, what I didn't like was the absurd way in which everything went wrong during that visit to the park, resulting in the loss of millions of dollars in equipment, personnel, and experiments. All this because they trusted a fat programmer who only complained that he wasn't paid enough. That's right, the same guy who said, "I fixed it on expenses" didn't pay him enough to do his job well, apparently. I don't like the character anyway, but it's impossible to forget him because of one or two iconic scenes I remember him in in this movie. Another detail I don't like is the number of clichés in this story. One of those might be the chase scene with the kids and the Velociraptors. I usually like how Spielberg manages to entertain with sequences full of drama and excitement.
SPANISH VERSION
Sin embargo, hay ciertas cosas que no me terminaron de agradar de la misma. No me malentiendan, me fascina lo que sería el primer y segundo arco de esta obra, siendo el inicio una forma fascinante de introducirnos a todo lo que veremos a lo largo de las más de dos horas de película. Luego de conocer al Dr. Grant, tenemos la icónica llegada de los visitantes a la isla y la famosa escena que sirve como presentación para el Parque Jurásico. Quién no recuerda esta icónica escena, recordada y replicada decenas de veces en películas y series desde entonces en esta industria. No importa las veces que la repita, siempre me emociona ese momento cuando lo veo y escucho la inolvidable banda sonora que tiene de fondo.
Por otro lado, lo que no me agradó fue la forma absurda de que todo saliera mal en dicha visita al parque y así perdieran millones de dólares en equipos, personal y experimentos. Todo esto por culpa de confiar en un gordo programador que solo se quejaba de que no le pagaban lo suficiente. Así es, el mismo de la frase “lo reparé en gastos” no le pagó lo suficiente para que hiciera bien su trabajo, al parecer. De por sí el personaje me cae mal, pero es imposible olvidarlo debido a una que otra escena icónica que recuerdo de él en esta película. Otro detalle que no me agrada es la cantidad de clichés que tiene esta historia. Uno de esos puede ser esa escena de persecución que tienen los niños con los Velociraptors. Normalmente me gusta cómo Spielberg consigue entretener con secuencias repletas de drama y emoción.
This film is no exception, especially in the second and third acts, where we see how everything turns into chaos in the park and we follow the visitors as they try to survive an enormous flesh-eating dinosaur. The scene where the Tyrannosaurus appears for the first time is undoubtedly one of the best. There is also the humor in the film, which plays with being both sarcastic and ironic, yet funny at the same time. Although I suspect that this is based more on the characters themselves that we meet in this film. For example, there is Ian Malcolm, played by Jeff Goldblum, who does an excellent job of giving him a unique personality with unbeatable humor.
Continuing with the main characters in this film, there is Alan Grant, played by Sam Neill, who is practically the protagonist and the face that no one will ever forget after seeing this great story. The character's introduction in the first few minutes of the film is more than enough to give a clear idea of what he is like. His personality is based more on being someone who is direct, outspoken, and impatient (especially with children). His fascination with dinosaurs makes him an expert and a danger to society, as he has a way of thinking and seeing things that is very different from others. However, that does not take away from the fact that he is someone who is brave; after all, he is the hero of this story.
SPANISH VERSION
Esta película no es la excepción, sobre todo en el segundo y tercer acto donde vemos cómo todo se vuelve un desastre en el parque y seguimos a los visitantes intentando sobrevivir de un enorme dinosaurio come carne. Esa escena donde aparece el Tiranosaurio por primera vez es de lo mejor, sin lugar a dudas. También está ese humor que tiene la película que juega con ser tanto sarcástico como irónico y a la vez divertido en muchas ocasiones. Aunque intuyo que esto se basa más en cómo son los propios personajes que conocemos en esta cinta. Por ejemplo, está Ian Malcolm quien es interpretado por Jeff Goldblum y hace un excelente trabajo al darle una personalidad única con un humor inmejorable.
Con esto continuamos hablando de los personajes principales de esta película, como lo es Alan Grant, interpretado por Sam Neill y es prácticamente el protagonista y la cara que nunca nadie olvidará luego de ver esta gran historia. La misma introducción que tiene el personaje en los primeros minutos de metraje es más que suficiente para tener una idea clara de cómo es. Su personalidad se basa más en ser alguien directo, sin tapujos, con poca paciencia (sobre todo con los niños). Su fascinación por los dinosaurios lo vuelve un experto y un peligro para la sociedad al tener una forma de pensar y ver las cosas muy diferente a las de los demás. Sin embargo, eso no quita que sea alguien valiente, bueno, es el héroe de esta historia al final de cuentas.
In the case of John Hammond, I couldn't say whether I like him or not, as his personality is captivating and he manages to charm people in a particular way. He knows how to convince and win over others, but in the end, his own ignorance about the danger of what he is trying to do in his Jurassic Park becomes his downfall. Although it is not complete ignorance, as he is aware of the risks, he simply trusts himself more than others. When everything spirals out of his control, we see his weaker side and realize that he never had, nor will he ever have, the power or ability to achieve what he sought from the beginning. It is ironic that this same mistake is repeated over and over again throughout the seven films in this great franchise.
Hammond's case can teach us an interesting lesson about the desire for power and control. No matter how much money or power you have, you will never be able to make things happen exactly as you expect them to. And this is where we talk about chaos, and there is no better character for this than Ian Malcolm himself. This misunderstood genius is both captivating and funny. Promiscuity aside, his knowledge of chaos theory applies quite well in this film, especially in how things end up spiraling out of control. Chaos itself caused the life they created and tried to control and retain in this park to spiral out of control and be released, never to return to a cage again.
SPANISH VERSION
Con el caso de John Hammond, no podría afirmar si me agrada o no del todo ya que su personalidad es atrapante y logra cautivar a la gente de una forma particular. Sabe convencer y comprar a los demás, pero al final su misma ignorancia sobre el peligro de lo que intenta hacer en su Parque Jurásico se convierte en su perdición. Aunque no es ignorancia del todo, ya que conoce los riesgos, solo que confía más en sí mismo que en lo demás. Ya cuando todo se sale de su control es que vemos su lado más débil y nos damos cuenta de que nunca tuvo ni tendrá el poder ni la capacidad de conseguir lo que busca desde un principio. Es irónico que este mismo error se repita una y otra y otra vez a lo largo de las ya siete películas que tiene esta gran franquicia.
El caso de Hammond puede dejarnos una lección interesante sobre el deseo de poder y control. Sin importar cuánto dinero o poder tengas, nunca lograrás hacer que las cosas se hagan precisamente como tú esperas que sean. Y es aquí donde hablamos del tema del caos y no hay mejor personaje para esto que el mismo Ian Malcolm. Este genio incomprendido es cautivador y gracioso a la vez. Dejando de lado lo promiscuo, su conocimiento sobre la teoría del caos aplica bastante bien en esta película, sobre todo en cómo las cosas terminan saliéndose de control. El mismo caos hizo que la vida que crearon e intentaron controlar y retener en este parque se descontrole y sea liberado para más nunca volver a una jaula de nuevo.
Now, regarding the film itself, there are several things I really like about it. One of these is, of course, the dinosaurs. But I'm not just talking about when they appear, but when these creatures chase or try to eat someone. This is when I'm talking about the incredible chase and action sequences in this film, such as the scenes I mentioned earlier, for example. Another thing I like about this film is how the director mixes adventure with suspense in a way that is hard to ignore. An example of this is the ending, which is full of tension-filled sequences. However, there is something about this that didn't quite convince me, such as the unforgettable Deus Ex-Machina at the very end with the T-Rex appearing out of nowhere.
Another point I wanted to mention about this film is the constant reference to and comparison with the novel of the same name. Unlike the original material that inspired it, this film has a rather superficial tone when it comes to the terror caused by these creatures. For example, if we look at the different scenes with the Velociraptors, we see that they are dangerous dinosaurs. They are intelligent, yes, but they do not cause the terror depicted in the novel, where they are described in a much more graphic and explicit way. Personally, I have experience with horror movies with a lot of gore, and this movie is far from that. But it is clear that Steven Spielberg did not seek to cause terror with this film, but rather to generate fascination and entertain the Jurassic Park audience with this version.
SPANISH VERSION
Ahora, con respecto a la película en sí, hay varias cosas que me gustan mucho de ella. Una de estas es, por supuesto, los dinosaurios. Pero no solo hablo de cuando aparecen nomás, sino cuando estas criaturas persiguen o intentan comerse a alguien. Aquí es cuando hablo de las increíbles secuencias de persecución y acción que tiene esta cinta, como las escenas que ya mencioné antes, por ejemplo. Otra cosa que me gusta de esta cinta es cómo el director mezcla la aventura con el suspenso de una forma que es difícil ignorar. Un ejemplo de esto es su final, el cual tiene secuencias repletas de tensión. Sin embargo, de esto hay algo que no me terminó de convencer como lo es el inolvidable Deus Ex-Machina que tiene justo en la parte final con la aparición del T-Rex de la nada.
Otro punto que quería mencionar de esta película es la constante mención y comparación que se le hace con la novela homónima. A diferencia del material original donde se inspiró, esta película tiene un tono bastante superficial en lo que respecta al terror que causan dichas criaturas. Por ejemplo, si vemos las diferentes escenas de los Velociraptors notamos que son dinosaurios peligrosos. Son inteligentes, si, pero tampoco es que causen un terror tal y como se muestra en la novela donde se nos describe de una forma mucho más gráfica y explícita. Yo por mi parte, tengo experiencia con películas de terror con mucho gore y esta película está demasiado lejos de todo esto. Pero está claro que Steven Spielberg no buscó causar terror con esta cinta, sino más bien generar fascinación y entretener con esta versión para el público del Parque Jurásico.
Last but not least, let's talk about what made this great film win so many awards and earn widespread recognition: its audiovisual aspect. What I like most about Jurassic Park, without a doubt, is its visual and technical aspects. Especially the use of cameras, moving shots, close-ups, transitions, etc. There's also the color palette, along with the effective use of light and shadow. The film has the advantage of making good use of the environment to create suspense with fascinating sequences. There is also the iconic design of the dinosaurs, which is an excellent piece of work in itself.
And speaking of dinosaurs, the work they did with practical and computer-generated effects is worth studying in depth. The clever use of animatronics for some scenes and CGI for others is what makes this film one of the best of the last century. Just remembering the appearance of those huge long-necked dinosaurs is enough to get an idea of this. The sound effects are also crazy, especially the sounds of the dinosaurs themselves. I don't know how or where they got those sounds from, but it's fascinating nonetheless. And if that weren't enough, the soundtrack to this film is the icing on the cake, the best I've ever heard in my entire life. In short, this film is one of those that you have to see at least a hundred times before you die.
Personally, I give it a rating of 9.5/10 in terms of the adventure and science fiction genre.
SPANISH VERSION
Por último, pero no menos importante, hablemos de lo que hizo que se lleve un montón de premios y el reconocimiento de muchos sobre esta gran película: su aspecto audiovisual. Lo que más me gusta de Parque Jurásico, sin duda alguna, es su apartado visual y técnico. Sobre todo con el uso de cámaras, tomas en movimiento, acercamientos, transiciones, etc. También está la paleta de colores que tiene junto con el buen uso de luces y sombras. La película tiene la ventaja de que aprovecha bien el entorno para causar suspenso con secuencias fascinantes. También está el diseño icónico de los dinosaurios, lo cual es un excelente trabajo aparte.
Y hablando de los dinosaurios, el trabajo que hicieron con los efectos prácticos y hechos por computadora es para estudiarlo a fondo. El uso inteligente de animatrónicos para algunas escenas y CGI para otras es lo que hace de esta película una de las mejores de este último siglo. Con solo recordar la aparición de esos enormes dinosaurios con cuello largo es suficiente para tener una idea de esto. Los efectos de sonido son también una locura, sobre todo los sonidos de los mismos dinosaurios que no sé cómo ni de dónde sacaron esos sonidos, pero es fascinante igualmente. Y por si no fuera suficiente, la banda sonora de esta película es la cereza del pastel, lo mejor que he escuchado en toda mi vida. En resumen, esta película es de esas que tienes que ver por lo menos cien veces antes de morir.
Personalmente, le doy una calificación de 9.5/10 en lo que respecta al género de aventura y ciencia ficción.
Tell me, have you seen the movie yet? What did you think of it? You can leave your answer in a comment.
Dime, ¿ya has visto la película? ¿Qué te ha parecido? Puedes dejarme tu respuesta en un comentario.
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Saludos estimados Otakus de #TheAnimeRealm. Me estoy poniendo al día con mi lista de animé y esta vez quise ver algo diferente. Tenía muchas ganas de relajarme así que decidí darle una oportunidad a la segunda temporada de Spy X Family. Y debo decir que al igual que la primera, esta serie no decepciona.
Greetings dear Otakus of #TheAnimeRealm. I'm catching up on my anime list and this time I wanted to watch something different. I really wanted to relax so I decided to give the second season of Spy X Family a chance. And I must say that just like the first, this series does not disappoint.
Lo que más me gustó de esta temporada es que muestra el lado de Yor que todos queríamos ver. Su modo asesino a todo dar. Si bien esta madre improvisada, se mostró modosita y tranquilita, en la primera temporada, como quien no quiebra un plato pero en esta segunda parte se suelta el moño para darlo todo como asesina.
What I liked most about this season is that it shows the side of Yor we all wanted to see. Her killer mode is in full force. While this makeshift mother appeared modest and calm in the first season, as if she wouldn't break a plate, in this second season she lets her hair down and gives it her all as a killer.
Quien también mostró un lado desconocido y muy poco explorado, fue el sexy de Loid Forge, quien no dudó en meterse en su papel como espía haciendo el papel de padre del año para la tierna de Anya. Me agradó mucho ver cómo se cuestionaba por cumplir su rol paterno.
Another guy who showed off a previously unknown and underexplored side was sexy Loid Forge, who didn't hesitate to step into his role as a spy, playing the role of father of the year to sweet Anya. I really enjoyed seeing how he questioned his fatherly role.
Y la verdad es que los monólogos juegan una parte importante en esta temporada. Ver la cantidad de pensamientos que corren por la cabeza de estos peculiares personajes en ciertos momentos, es de lo más hilarante y divertido.
And the truth is, monologues play an important part in this season. Seeing the myriad thoughts running through these peculiar characters' heads at certain moments is hilarious and entertaining.
Pero quien se lleva el premio gordo con su protagonismo es mi querida Yor. Esta chica muestra sin miedo su lado rudo y luego su lado tierno, es como verla apagar y encender un suiche de luz, bastante gracioso.
But the one who takes the cake with her starring role is my beloved Yor. This girl fearlessly shows off her tough side and then her tender side. It's like watching her turn a light switch on and off, quite funny.
Ella se ve tan frágil y delicada pero esconde una fuerza bruta descomunal que te sorprenderá. Me llevé muchas sorpresas cuando empezaron los episodios que transcurrían dentro del barco porque elevaron la serie a otro nivel y a la vez mantuvo su escencia no sólo a nivel de comedia sino de acción y romance.
She looks so fragile and delicate, but she hides a tremendous amount of raw strength that will surprise you. I was in for a real treat when the episodes set on the ship began, because they elevated the series to another level while maintaining its essence, not only in terms of comedy but also in terms of action and romance.
En cuanto a los villanos, eran fáciles de distinguir, tenían cierta expresión en la cara que los identificaba y por su puesto que esa expresión era de lo más cómica. Y ver los enfrentamientos entre Yor y ellos fue de lo mejor porque a la vez trataban de disimular que estaban "peleando".
As for the villains, they were easy to spot; they had a certain facial expression that identified them, and of course, that expression was hilarious. And watching the fights between Yor and them was the best because at the same time they tried to hide the fact that they were "fighting."
En cuanto a Yor, debo decir que me hizo reir bastante, incluso a carcajadas por sus reacciones previas a la pelea como con sus expresiones faciales, por lo que diría que en esta ocasión los editores se enfocaron en hacer estos efectos con muchos detalles en el rostro para todos los personajes.
As for Yor, I must say that he made me laugh quite a bit, even out loud, with his pre-fight reactions and facial expressions, so I would say that this time the editors focused on making these effects with a lot of detail in the faces of all the characters.
En cuanto a Anya, esta niña sigue haciendo de las suyas, cargada de ternura y muchas emociones con las cuales busca discimular su superpoder psíquico de leer la mente. Y otro aspecto que me encantó de esta temporada es que le dejaron un momento especial a los protagonistas para fortalecer sus lazos familiares.
As for Anya, this little girl continues to be up to her old tricks, brimming with tenderness and a wealth of emotions, all while trying to disguise her psychic mind-reading superpower. Another aspect I loved about this season is that they gave the main characters a special moment to strengthen their family ties.
Y al igual que leí por un post, esta serie tiene algo que me hace conectar con mis emociones a tal punto de hacerme llorar al ver ciertos momentos familiares entre los protagonistas.
And just like I read in a post, this series has something that makes me connect with my emotions to the point of making me cry when I see certain family moments between the protagonists.
También hace reflexionar sobre el tema familiar. Si estos personajes son realmente espías y formaron una familia fingiendo que son una familia para llevar a cabo una misión con éxito para salvar al mundo, ¿esto puede llegar a aplicarse en la vida real?
It also makes us reflect on the theme of family. If these characters are really spies and formed a family, pretending to be a family, to carry out a successful mission to save the world, could this be applied in real life?
Así que pienso que podría servir de ejemplo familiar, que aunque finjan sus roles como familia para alcanzar con éxito su misión, al final logran ser la familia perfecta o al menos la más querida en el mundo del animé, de mi parte, es la que más admiro y quiero. Así que al igual que la primera temporada les otorgo todas sus 5 estrellas.
So I think it could serve as a family example, that even though they fake their roles as a family to successfully achieve their mission, in the end they manage to be the perfect family, or at least the most beloved in the anime world. For my part, it's the one I admire and love the most. So, just like the first season, I give them all five stars.
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|[Imagen de Portada 【Cover Image】](https://www.imdb.com/es/title/tt13706018/mediaviewer/rm2380796417/?ref_=ttmi_mi_332)|
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|Traducción hecha con 【Translation made with】[Traductor Google Translate](https://translate.google.com/?hl=es&tab=TT)
Conocedor de Futbol y las MMA pero malo practicando deportes, me gusta las peliculas y series por eso ahora..."Soy critico de Cine". Viviendo en Venezuela
En el 2021, el género cinematográfico de la acción se vio representado por el estreno de muchas películas las cuales estuvieron dominadas por las producciones basadas en comics, así como otras que son parte de exitosas franquicias, pero también hubo otras producciones originales como por ejemplo "Nobody", la cual fue una grata sorpresa por su estilo de acción muy directo y divertido lo cual captó mi atención por ser un film como las antiguas películas de acción lo cual me generó nostalgia y a pesar de no ser un gran éxito taquillero, me hizo pensar que seguramente se realizaría una secuela; cuatro años transcurrieron y nuevamente un Don Nadie tendrá una oportunidad más para desplegar su violenta naturaleza.
In 2021, the action film genre was represented by the release of many films dominated by comic book adaptations and other successful franchises, but there were also other original productions such as "Nobody," which was a pleasant surprise due to its very direct and entertaining action style that caught my attention because it was a film like the old action movies, which made me feel nostalgic. And despite not being a big box office hit, it made me think that a sequel would surely be made. Four years have passed, and once again, a nobody will have another chance to unleash his violent nature.
En "Nobody 2", más que presenciar las consecuencias de los actos realizados por "Hutch Mansell", veremos la necesidad de regresar a esa vida familiar que aborrecía y que lo llevo a esconder lo que verdaderamente es, pero después de esa descarga de adrenalina y violencia que ahora se ha vuelto una acción cotidiana, Hutch se dio cuenta de que lo importante es su familia y por eso que lo mejor es unas vacaciones en un lugar donde fue feliz en un momento de su vida, lo que no sabe él es que ese lugar dejo de ser un lugar de diversión y se ha convertido en un nido de criminales, un lugar perfecto para unir el ambiente familiar con el violento.
Para esta secuela se decidió (no se por qué) cambiar de director y cobrar con Timo Tjahjanto, director de indonesia que para el género de la acción nos ha regalado buenas producciones como "Headshot", "The Shadow Strays" y la mítica "The Night Comes for Us"; en esta oportunidad, "Nobody 2" es el primer film americano que dirige Timo y pensaba que su estilo desenfrenado y violento sería una característica importante, pero la realidad es que en mi opinión, el trabajo de este director pareciera que se mantuvo contenido ofreciendo las escenas de acción más aburridas que he visto de algunas de sus películas; creo que se perdió una gran oportunidad de dar libertad a un director con mucho potencial y con un presupuesto que seguramente sea el más alto con que ha trabajado.
In "Nobody 2," rather than witnessing the consequences of Hutch Mansell's actions, we see his need to return to the family life he hated and that led him to hide who he really is. But after that rush of adrenaline and violence that has now become a daily occurrence, Hutch realizes that what matters most is his family, and that's why the best thing to do is take a vacation to a place where he was happy at one point in his life. What he doesn't know is that this place is no longer a place of fun and has become a den of criminals, a perfect place to combine the family atmosphere with violence.
For this sequel, it was decided (I don't know why) to change directors and hire Timo Tjahjanto, an Indonesian director who has given us good action films such as "Headshot," "The Shadow Strays," and the legendary "The Night Comes for Us." This time, "Nobody 2" is the first American film directed by Timo, and I thought that his wild and violent style would be an important feature, but the reality is that, in my opinion, this director's work seems to have remained restrained, offering the most boring action scenes I have seen in any of his films. I think they missed a great opportunity to give free rein to a director with a lot of potential and a budget that is surely the highest he has ever worked with.
La historia es simple aunque me costó por momentos conectar con lo que es lo relevante del relato en esta secuela; seguir la historia de "Hutch" era algo inevitable y como dije anteriormente en la sinopsis, en esta oportunidad necesitaba recuperar la verdadera felicidad la cual (supuestamente) es estar con su familia, una la cual pareciera no perder la oportunidad de demostrar esa herencia violenta que padece el mismo protagonista lo cual espero que pueda ser desarrollada en una secuela aunque creo que es muy difícil que se realice, pero volviendo a lo que es esta película, me convenció el hecho de que el protagonista siga explorando sus necesidades sabiendo que cada vez más se hace viejo y que posiblemente para él sea tarde de cambiar o dejar atrás su vida violenta; esa historia enfocada en su protagonista creo que es lo mejor en toda esta corta franquicia.
The story is simple, although at times I found it difficult to connect with what is relevant in this sequel. Following the story of "Hutch" was inevitable, and as I said earlier in the synopsis, this time he needed to rediscover true happiness, which (supposedly) is being with his family, a family that seems unable to resist demonstrating the violent tendencies inherited by the protagonist himself, which I hope will be developed in a sequel, although I think it is very unlikely to happen. But returning to this film, I was convinced by the fact that the protagonist continues to explore his needs, knowing that he is getting older and that it may be too late for him to change or leave his violent life behind. I think this story focused on the protagonist is the best thing about this short franchise.
A pesar de encontrar puntos positivos como por ejemplo la base de toda esta historia, creo que es una secuela que está muy por debajo de su predecesora; las escenas de acción son aburridas y simples así como los nuevos personajes que hacen apariencia en el film; creo que lo único que destacó de las escenas de acción es el hecho de recrear escenas que seguramente pudieron ser parte de algún film de acción de los 80' lo cual siempre me agrada de ver por la nostalgia y el reconocimiento a lo que considero la época dorada del género de acción en el cine, pero repito, lo que sucede posteriormente no es para nada bueno, ni divertido, ni destacable, es decepcionante, creo que se perdió una gran oportunidad de aprovechar el talento de Timo Tjahjanto y solo espero que en su próximo proyecto en suelo americano, "The Beekepper 2", si tenga plena libertad.
Despite finding positive points, such as the basis for the whole story, I think this sequel falls far short of its predecessor; the action scenes are boring and simplistic, as are the new characters that appear in the film. I think the only thing that stood out about the action scenes was the fact that they recreated scenes that could have been part of an 80s action film, which I always enjoy seeing because of the nostalgia and recognition of what I consider to be the golden age of the action genre in cinema. But I repeat, what happens afterwards is not good at all, nor is it fun or noteworthy. It's disappointing. I think a great opportunity was missed to take advantage of the talent of Timo Tjahjanto, and I just hope that in his next project on American soil, "The Beekeeper 2," he will have complete freedom.
Sometimes it doesn't take much to grab an audience's attention when watching a film. Many people go to the theater to see films by a particular actor or actress, or a certain director, or sometimes after watching a ten-second trailer. I don't see anything wrong with that. However, sometimes that first impression can generate unrealistic expectations. I don't mean better or worse, but different from what one is going to see, and that can affect the experience. Such is the case, I believe, with this film.
Algunas veces no se necesita mucho para llamar la atención del público a la hora de ver una película. Muchas personas van al cine a ver películas de un actor o actriz en particular, o de cierto director, o a veces al ver un avance de diez segundos. No veo nada de malo en eso. Sin embargo, algunas veces esa primera impresión puede generar expectativas irreales. No quiero decir mejores ni peores, sino diferentes a lo que uno va a ver y eso puede condicionar la experiencia. Tal es el caso - creo yo - de esta película.
You've probably heard about Hot Milk in the past few months, its theatrical release, or its arrival on MUBI. I saw a lot of hype surrounding this film there. However, the film was often sold to the public as a lesbian romance or a queer story. And of course, there's some of that, but the film is so much more that it almost seems unfair that it's been promoted that way. Hot Milk tells the story of Rose (Fiona Shaw), an older woman who travels with her daughter Sofia (Emma Mackey) to the Spanish coast to meet with a specialist doctor whom she has paid a lot of money to treat her condition. For many years, Rose has been unable to walk. She didn't hurt herself, she didn't have an accident; in fact, sometimes, for no apparent reason, she can walk again for moments and she doesn't know why. The doctor, named Gomez, believes that Rose's condition has more to do with some psychological trauma than anything physical, and so he begins to ask her questions and give her tasks that reveal her past and that of her family. By her side, almost always, is her daughter Sofia, the product of a failed marriage to a Greek man whom neither she nor her mother have seen in many years. And in that sunny coastal city, between one therapy session and the next, Sofia - who put her anthropology studies on hold to accompany Rose - will find the opportunity to gradually free herself from her mother's shadow thanks to the appearance, as unexpected as it is captivating, of Ingrid (Vicky Krieps), a mysterious, intense, but above all, free woman.
Probablemente hayan oído en los meses anteriores sobre Hot Milk, su estreno en cines, o su llegada a la plataforma MUBI. Yo vi mucha publicidad respecto a este film por allí. Sin embargo, muchas veces la película fue vendida al público como un romance lésbico o como una historia queer. Y claro, hay algo de eso, pero la película es tanto más que casi parece injusto que la hayan promocionado de esa manera. Hot Milk cuenta la historia de Rose (Fiona Shaw), una mujer mayor que viaja con su hija Sofía (Emma Mackey) a la costa española para entrevistarse con un médico especialista a quien le ha pagado un montón de dinero para que la trate de su condición. Desde hace muchos años, Rose no puede caminar. No se lastimó, no tuvo ningún accidente; es más, a veces, sin motivo aparente, puede caminar de nuevo por momentos y no sabe por qué. El médico, llamado Gómez, cree que el padecimiento de Rose tiene que ver más con algún trauma psicológico que con algo físico y por eso comienza a hacerle preguntas y dejarle tareas que nos van mostrando su pasado y el de su familia. A su lado, casi siempre, está su hija Sofia, producto de un matrimonio fracasado con un hombre griego a quien no han visto en muchos años, ni ella ni su madre. Y en esa soleada ciudad costera, entre una sesión de terapia y la siguiente, Sofia - quien puso en pausa sus estudios de antropología para acompañar a Rose - encontrará la oportunidad de liberarse poco a poco de la sombra de su madre gracias a la aparición, tan inesperada como cautivante, de Ingrid (Vicky Krieps), una mujer misteriosa, intensa, pero sobre todo, libre.
So, yes, there is a romance that arises between Ingrid and Sofia, a somewhat stormy relationship, somewhat clumsy, sudden, where secrets, jealousy, furtive kisses and a liberation in Sofia's case emerge, who lets herself be carried away by what Ingrid awakens in her and that makes her, in some way, carve out her own space too, separate from Ingrid, separate from her mother, separate from her absent father, although contaminated by the shadow of all three. I also understand that with Emma Mackey and Vicky Krieps in the film, how could we not use the image of both of them together to sell the film?
Entonces, sí, hay un romance que surge entre Ingrid y Sofia, una relación un poco tormentosa, algo torpe, súbita, en donde afloran los secretos, los celos, los besos furtivos y una liberación en el caso de Sofia que se deja llevar por lo que Ingrid despierta en ella y eso la hace, de alguna forma, hacerse de un espacio propio también, ajeno a Ingrid, ajeno a su madre, ajeno a su padre ausente, aunque contaminado por la sombra de los tres. También entiendo que teniendo a Emma Mackey y Vicky Krieps en la película, ¿cómo no usar la imagen de ambas juntas para vender la película?
But here comes my question. Promoting Hot Milk as a queer romance would undoubtedly appeal to people who like romance, to people in the LGBTQ+ community, or to people interested in the blending of those two themes, and the relationship between Ingrid and Sofia isn't the central point of the film. So, anyone who goes to see Hot Milk expecting a love story may be disappointed, and by using that narrative in the film's promotion (just look at the posters or synopses circulating online), it misses the opportunity to attract lovers of dramas and psychological thrillers, of which this film has a lot. A lot. The relationship between Sofia and her mother, Rose, a stunning Fiona Shaw, is much more important to the story than what happens and doesn't happen between Sofia and Ingrid. The figure of the dominant and demanding mother, her way of treating her own daughter with inadvertent contempt, and the suffocating atmosphere Sofia suffers from, which stems not so much from the heat of the beach as from Rose's character, is the key to the plot. Sofia's visions, memories, secrets, flashes, and dreams are all conditioned by having been born, raised, and continued to live with Rose. The girl needs to free herself from that burden; she needs to find her own space and force her mother to face her reality and her fears. There's a lot of emotional weight in many of the scenes, and deep and controversial issues are dealt with in an honest way, in my opinion. So why not try to show this in the trailers? Why not promote a psychological drama and not just the romantic element?
Pero aquí viene mi cuestionamiento. Promover Hot Milk como romance queer sin duda iba a atraer a las personas que les gusta el romance, a personas de la comunidad LGBTQ+ o a personas que les interese la mezcla de esas dos temáticas y la relación entre Ingrid y Sofia no es el punto central de la película. Entonces, quien va a ver Hot Milk esperando una historia de amor, puede resultar decepcionado y al usar esa narrativa en la promoción de la película (no hay más que ver los posters o las sinopsis que circulan en internet) se pierde la oportunidad de atraer a los amantes de los dramas y los thrillers psicológicos, de lo que esta cinta tiene mucho. Mucho. La relación entre Sofia y su madre Rose, una impresionante Fiona Shaw, es mucho más importante en la historia que lo que pasa y no pasa ente Sofia e Ingrid. La figura de la madre dominante y demandante, su manera de tratar con inadvertido desprecio a su propia hija, y esa atmósfera sofocante que Sofia sufre y que viene, no tanto del calor de la playa, como del carácter de Rose, ese es el punto clave de la trama. Las visiones, los recuerdos, los secretos, los flashes, los sueños de Sofia, todo está condicionado por haber nacido, crecido y seguir viviendo junto a Rose. La chica necesita librarse de esa carga, necesita encontrar su propio espacio y obligar a su madre a enfrentar su realidad y sus miedos. Hay mucha carga emocional en muchas de las escenas y se tratan temas profundos y controversiales de una manera honesta a mi parecer, entonces ¿por qué no haber intentado mostrar esto en los avances? ¿por qué no haber hecho publicidad a un drama psicológico y no sólo al elemento romántico?
There may be some flaws or details in some scenes or in the script, of course. Almost no film is perfect, but I think the disappointment of those who went to see it has more to do with the difference between what they saw and what they wanted to see than with the film's quality. I saw it in the theater on its release day and liked it, but it wasn't until I saw it again, this time on MUBI, that I found it even better. It's a film that dares to show intense and strong emotions, to talk about illness, death, and a suffocating motherhood, among other things.
Que pueda haber algunas cosas o detalles en algunas escenas o en el guion, claro, casi ninguna película es perfecta, pero creo que la decepción de las personas que han acudido a verla tiene que ver más con la diferencia entre lo que vieron y lo que querían ver que con la calidad del film. Yo la vi en el cine el día de su estreno y me gustó, pero fue cuando la volví a ver, esta vez en MUBI, cuando la encontré aún mejor. Es una película que se atreve a mostrar emociones intensas y fuertes, a hablar de la enfermedad, la muerte y de una maternidad asfixiante, entre otras cosas.
This is Rebecca Lenkiewicz's feature debut, and if her name doesn't ring a bell, then you need to see more movies. Rebecca co-wrote the screenplays for She Said, Disobedience, and Colette, among others, with her crowning achievement being her collaboration with Pawel Pawlikowski to co-write Ida, a gem of Polish cinema. And now, Lenkiewicz has finally dared to write and direct in a more than acceptable debut, adapting a novel by the great Deborah Levy and featuring three very talented and present actresses: Emma Mackey, Vicky Krieps, and Fiona Shaw. The latter gives us an incredible performance, a far cry from her most famous character, Petunia Dursley in the Harry Potter saga (did you recognize her in the photos?). Emma Mackey is probably best known for her roles in Sex Education and Barbie, and here in Hot Milk she gives us another very good performance. And if you don't know who Vicky Krieps is, make a note to watch Phantom Thread and Hold Me Tight (one of my favorite performances of hers). In short, we have a director who wrote this script, based on another woman's novel, and brought it to the big screen with the help of three great actresses, giving us a psychological drama with a suffocating atmosphere about toxic motherhood, family secrets, and that includes romance and the search for emancipation... said like that, isn't it a film you would like to see? Have you seen Hot Milk? I'll read you in the comments.
Se trata del primer largometraje de Rebecca Lenkiewicz y si su nombre no te suena familiar, entonces te hace falta ver más cine. Rebecca co escribió los guiones de She Said, Disobedience y Colette, entre otros, siendo su mayor logro la colaboración con Pawel Pawlikowski para co escribir Ida, una joya del cine polaco. Y ahora, Lenkiewicz se ha atrevido por fin a escribir y dirigir en un debut mucho más que aceptable y lo hace adaptando una novela de la gran Deborah Levy y contando con tres actrices de mucho talento y presencia: Emma Mackey, Vicky Krieps y Fiona Shaw. Esta última nos regala una interpretación increíble, muy lejos de su personaje más famoso, Petunia Dursley en la saga de Harry Potter (¿la habías reconocido en las fotos). Emma Mackey es más conocida seguramente por lo que ha hecho en Sex Education y Barbie y aquí en Hot Milk nos deja otra muy buena actuación. Y si no saben quién es Vicky Krieps, apunten de tarea ver Phantom Thread y Hold Me Tight (una de mis interpretaciones favoritas de ella). En resumen, tenemos a una directora que escribió este guion, basado en la novela de otra mujer, y que la llevó a la gran pantalla de la mano de tres grandes actrices, regalándonos un drama psicológico de atmósfera sofocante sobre maternidad tóxica, secretos familiares y que incluye romance y la búsqueda de la emancipación... dicho así, ¿no es una película que les gustaría ver? ¿han visto Hot Milk? Los leo en los comentarios.
Reviewed by | Reseñado por @cristiancaicedo
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Hi friends, hope you’re all doing great! 🙌
Today we’re back with another review, and this time we’re diving into the fiction and action genre with GEN V. 🚀🎬
SYNOPSIS:
Gen V is a series born from The Boys universe — where “supes” are anything but superheroes.
This time, we dive into the college life of those with special powers: their dynamics, their rivalries, and of course, we follow the star group on their journey to earn a coveted spot among The Seven.
This The Boys spin-off, while focusing on new characters like Mary, Cate, Andre, Emma, Jordan, Luke, and Sam, keeps the same sharp tone—if not an even bolder level of satire and irony. Expect awkward, absurd moments and the same kind of grotesque storytelling that made The Boys unforgettable.
Through Gen V, we get a fresh perspective on the Seven’s industry and just how fierce the competition can be for those who dream of joining the squad.
AESTHETICS
The aesthetic of this series isn’t really something I’d call up for debate—it felt simple and very much in line with The Boys’ overall style.
One highlight I did love, though, was the costume design. They really gave it a punch that reflects the youthful vibe of characters like Mary and Cate—both of them have an absolute gem of a wardrobe 😍.
As for the soundtrack, it gives a nice nod to modern pop culture. Beyond that, there isn’t much more I’d point out.
THE STORY
The story, much like in The Boys, is fragmented. At first, we’re introduced to Mary’s life, making it clear that she’s a main character. Mary carries a tragic family past that drives her desire to become one of the Seven—and this motive fuels everything she does.
But in Gen V, we also get to know the backstory of each of the others—Andre, Luke, Cate, Emma, Jordan, and Sam. They hold the narrative thread in their hands, and each of them has a personal history that makes them stand out.
The core storyline could be summed up as this group of young supes coming together to uncover that things aren’t always what they seem, and that the shine of the Seven might be more artificial than real.
CATE
I have to say that Gen V didn’t draw me in at first—the awkward, absurd moments in the script felt forced. Nothing seemed to make sense, and the writing felt far from the solid storytelling of The Boys.
You watch a group of powered-up kids making a mess all the time with hardly any consequences, and it’s easy to lose sight of the bigger intention. At least for me, the first few episodes were boring.
I was so disappointed with how it was unfolding that I nearly stopped watching—until I started noticing Cate’s actions and attitude. And wow, she was the one who pulled me back in. Did I see it coming? Not at all! Cate’s narrative arc was so carefully built that everything unfolded subtly and beautifully.
For me, Cate is the real star ⭐ of the season, and I hope she keeps that shine in season two. The finale leaves you with so many questions, and even after reading plenty of theories, I’m still blown away by what happened with Cate. 😍
MARY
Hmm… should I even talk about this character? I’m not so sure. I really didn’t like the way they built Mary’s storyline. Her power doesn’t make much sense to me—and I know there are plenty of her fans out there.
I personally had high expectations for her, but those first episodes were so ugh! that I had to stop watching out of frustration.
I’m also not a fan of her power because it feels—well—kind of gross 🥲. “It’s blood, Audi!” I know, I know. But I have a hard time with it. Seeing blood in action scenes is fine for me, but this way of showing it—floating, moving around—ugh, I can’t handle it.
And there’s a reason: I once had a hemorrhage after surgery, and anything that reminds me of the taste of blood and the feeling of choking on it instantly triggers rejection. So even though in Gen V Mary might be a fan favorite, I have a real love–hate relationship with her. Plus, honestly, she often seemed more lost 😅 than the rest of the group.
CONCLUSION
Gen V refreshes The Boys universe with new faces and new talents/powers, but keeps the same streak of dark satire and black humor. More than just watching a group of college kids with superpowers living life to the fullest, there’s a key message that stands out: degradation.
Gen V feels very realistic and shows an undeniable truth: the generations coming after us are not innocent. It portrays bullying, cyber harassment, wild sexuality, and many other issues that reflect the current state of society.
You could say that The Boys universe—despite its over-the-top nature—opens up conversations we often prefer to avoid.
What do you think?
Hola amigos, espero que se encuentren súper bien. Hoy vamos de nuevo con las reseñas y en esta ocasión daremos una vuelta por el género de ficción y acción con GEN V.
SINOPSIS:
Gen V es una serie que nace del universo de The Boys, los supers que son todo menos súper héroes. Con esta entrega vamos a descubrir la vida universitaria de quienes tienen poderes especiales, cómo es la dinámica y por supuesto, seguiremos de cerca al grupo estrella en su aventura por convertirse en uno de los Seven.
Este spin-off de The Boys pese a centrarse en nuevos personajes como Mary, Cate, Andre, Emma, Jordan, Luke y Sam, mantiene el mismo tono -o quizás hasta más elevado- de sátira e ironía. Es una serie que tiene momentos incómodos y absurdos. Es decir, que no se aleja de la narrativa grotesca de The Boys.
Con Gen V, descubriremos desde otra perspectiva cómo es la industria de los Seven y lo complejo que se vuelve la competencia para quienes desean formar parte del escuadrón.
Estética
La estética de esta entrega no me supone un punto que amerite discusión. Me pareció sencillo y creo que mantiene el mismo estilo que The Boys. Podría mencionar un punto que me gustó y es el vestuario, le metieron un poco de punch a este aspecto que resalta la jovialidad de los personajes como Mary y Cate, ambas tienen una joya de vestuarios 😍
A nivel de soundtrack también le dieron un guiño a toda la cultura pop y moderna. Más allá de eso, no hay mucho más que pueda mencionar.
LA HISTORIA:
La historia al igual que The Boys, es fragmentada. En primer momento nos muestran la vida de Mary, haciéndonos saber que ella es un personaje principal. Mary tiene un pasado trágico familiar que la impulsa a querer pertenecer a los Seven, y este motivo es el que la mueve en todo lo que hace.
Pero en Gen V, conoceremos un poco de la historia de cada uno de los chicos como Andre, Luke, Cate, Emma, Jordan y Sam. El hilo conductor de la historia lo tienen ellos en sus manos y cada uno posee historias personales de fondo que los destaca por encima de los demás.
Podría mencionar como historia principal la unión de todos estos chicos descubriendo que las cosas no siempre son lo que parecen y que el brillo de los Seven parece ser artificial.
CATE
Debo decir que Gen V no me estaba atrayendo en absoluto porque los momentos incómodos y absurdos del guión me parecieron forzados. No le veía sentido a nada. Y sentí que el guión estaba muy lejos de ser sólido como en The Boys.
Ves a un grupo de chicos con poderes hacer desmadre a todas horas sin muchas consecuencias y le pierdes de vista la intención a todo. O al menos a mí, me aburrió en los primeros episodios.
Estuve tan decepcionada por el desarrollo que no quise ver más hasta que empecé a notar las acciones y actitudes de Cate. Y wow, fue el personaje que me motivó a prestar atención de nuevo. ¿Lo ví venir? ¡Para nada! El arco narrativo de Cate estuvo tan bien cuidado que todo se dió de manera sutil. ¡Una belleza sin duda alguna!
Cate para mí es la estrella ⭐ de esta temporada, y seguramente lo seguirá siendo en la segunda entrega -espero yo-. El final de esta primera parte te deja demasiadas preguntas y pese a leer una cantidad de teorías me sigue impresionando lo que sucedió con Cate. 😍
Mary
A ver, ¿debería hablar de este personaje? No estoy muy segura, no me gusta mucho el esquema que trabajaron con Mary. A su poder no le veo mucho sentido -y ya sé que hay más de un fanático de ella-. Particularmente tenía muchas expectativas con ella, sin embargo los primeros episodios es como tan ¡Agh! Que la rabia me hacía parar la serie.
No soy muy fan de su poder porque me parece -un tanto- asqueroso 🥲 ¡Es sangre Audi! Lo sé, lo sé. Pero tengo problemas con eso. No me molesta ver sangre en escenas de acción pero con esta puesta en escena de verla levitar, de verla en movimiento, uff sufro. Y todo tiene una raíz, tuve una hemorragia tras una operación y todo lo que me recuerde el sabor a la sangre y cómo me ahogaba con ella, lo rechazo por completo. Así que aunque en Gen V, Mary sea una de las favoritas, yo tengo un sentimiento de amor-odio con ella. Aparte de que la veía más perdida 😅 que a los demás.
CONCLUSIÓN
Gen V refresca el Universo de The Boys con nuevas caras, nuevos talentos/poderes. Pero mantiene la misma línea de sátira y humor negro. Más que ver un grupo de universitarios con poderes viviendo la vida al máximo. Hay un mensaje que destaca: la degradación.
Gen V, es muy realista y nos presenta una realidad innegable: las generaciones que nos predecerán no son inocentes, se muestra el bullying, el cyber acoso, la sexualidad alocada. Y un montón de temas más que nos recuerdan el estado actual de la sociedad. Podríamos decir que el universo de The Boys, pese a ser exagerado, abre conversaciones que no queremos tener. ¿Tú qué opinas?
Edit📲: PicsArt | LightroomLink1 |Translated and formatted with DEEPL TRANSLATE
Welcome my dear travelers wedding organizers and thank you very much for having made a temporary stop in my post, for no one is a secret that I really enjoy watching the movies that are starring Adam Sandler, it is simply a safe bet both to relax the brain and to laugh, it is why when the film “The Week of” suddenly appeared when I wanted to see something to see and review see it. Without more to add, prepare so that all preparations go wrong because we are about to begin.
Bienvenidos mis queridos viajeros organizadores de boda y muchas gracias por haber hecho una parada temporal en mi post, para nadie es un secreto el hecho de que disfruto mucho de ver las películas que son protagonizadas por Adam Sandler, sencillamente es una apuesta segura tanto para relajar el cerebro como para reírse, es por ello que cuando me apareció repentinamente el filme “The Week Of” cuando buscaba algo para ver y reseñar no pude resistirme a verla. Sin más que agregar, prepárense para que todos los preparativos salgan mal pues estamos por comenzar.
Property by @Jrjaime
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The Week of was struck in 2018, directed by Robert Smigel and produced by Happy Madison Productions, has a duration of 1 hour and 58 minutes. It is a comedy film, the story focuses on a middle -class father who is decided to pay for his daughter's wedding, the thing is that the expenses are quite high and has to cut the entire possible budget, on the other hand, the boyfriend's father insists on helping him with the expenses but his pride prevents him Throughout a week that seems eternal.
The Week of fue estranada en 2018, dirigida por Robert Smigel y producida por Happy Madison Productions, cuenta con una duración de 1 hora y 58 minutos. Es un filme de comedia, la historia se centra en un padre de clase media el cual se encuentra decido a pagar la boda de su hija, la cosa es que los gastos son bastante elevados y tiene que recortar todo el presupuesto posible, por otro lado, el padre del novio insiste en ayudarlo con los gastos pero su orgullo le impide aceptar su ayuda, no obstante, una serie de desafortunados incidentes consecutivos harán que ambas familias deban unirse para poder sacar a flote la boda a lo largo de una semana que parece eterna.
For more details about the film you can visit the link that I leave you of Filmaffinity | Para más detalles sobre el filme puedes visitar el link que te dejo de Filmaffinity
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The soundtrack is quite Meh, it does not really play an important role within the tape, it is a comedy so there are not many ways in which it can take advantage of musical accompaniment.
La banda sonora es bastante meh, no juega realmente un papel importante dentro de la cinta, es una comedia por lo que no hay muchas formas en que la misma pueda aprovechar de forma asertiva al acompañamiento musical.
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This section repeats the history previously told, product of the nature of the tape there are not many opportunities so that you can take advantage of this section, which is why no kind of effort is really made to develop it in any way, the most that its construction arrives is to show fun scenarios.
En este apartado se repite la historia previamente contada, producto de la naturaleza de la cinta no hay muchas oportunidades para que pueda aprovechar este apartado, es por ello que realmente no se hace ninguna clase de esfuerzo por desarrollarlo de ninguna forma, a lo más que llega su construcción de mundo es a mostrar escenarios divertidos.
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The plot is completely absurd and stupid, one of the main elements that has almost permanent presence are misfortunes, constantly everything comes out in the worst way and this is used as a very good way comic hook to the point that laughter is guaranteed. There is not much to highlight from its narrative, the tape focuses on the jokes and silly situations to consolidate as a movie style about substance, something that looks great and that it is Sandler's comfort zone, in turn, it has the typical messages about the importance of the family, accepting that the children grow up and others, all quite cliché and repetitive but that does not mean that it is still very entertaining and the fact that it is quite entertaining and the fact that it is quite entertaining.
La trama es completamente absurda y estúpida, uno de los principales elementos que tiene presencia casi permanente son las desgracias, de forma constante todo sale de la peor forma y esto se utiliza como gancho cómico de muy buena forma al punto de que la risa está garantizada. No hay mucho que destacar de su narrativa, la cinta se centra en los chistes y situaciones tontas para consolidarse como una película estilo sobre sustancia, algo que le queda muy bien y que es la zona de confort de Sandler, a su vez, tiene los típicos mensajes sobre la importancia de la familia, el aceptar que los hijos crecen y demás, todo bastante cliché y repetitivo pero eso no quita que sigue siendo muy entretenida y el hecho de que es bastante digerible.
Property by @Jrjaime
Nothing to highlight here, their characters are fun and pleasant as far as possible, they do not stand out for nothing beyond making jokes or being the joke in themselves, the fair and necessary for the type of film it is.
Nada que destacar aquí, sus personajes son divertidos y agradables en la medida de lo posible, no destacan por nada más allá que por el hecho de hacer chistes o ser el chiste en sí mismos, lo justo y necesario para el tipo de película que es.
The Week of is exactly what promises, a stupid film with stupid and funny situations, although its reflections are quite basic and simple is not the main interest of the tape to be deep and reflective, it could be said that the latter is a plus that it brings. It is for all the above that it deserves 3.5 stars of 7, the humor so absurd that it handles is very fun and if that type of comedy is in their style I can guarantee that they will enjoy it very much.
The Week Of es exactamente lo que promete, un filme estúpido con situaciones estúpidas y divertidas, si bien sus reflexiones son bastante básicas y simples no es el principal interés de la cinta ser profunda y reflexiva, se podría decir que esto último es un plus que trae. Es por todo lo anterior que merece 3.5 estrellas de 7, es muy divertido el humor tan absurdo que maneja y si ese tipo de comedia es de su estilo les puedo garantizar que la disfrutaran muchísimo.
Property by @Jrjaime
My dear organizing travelers have reached the end of another review, if it was for your liking, I would be very appreciated for you to leave your positive vote and make use of the reblog button, I upload content daily so if you do not want to miss it, I invite you to start following me so that you are aware of all my updates. If you want you to review something in particular you can leave the suggestion below in the comment box and I will gladly dedicate a publication you can barely. Without more to add, I thank you for having reached this point and I send you a big hug from distance, I remind you that you have the strength of your greatness giving you your support you just have to take the helm and set a course, I hope we bump again when you decide to make another temporary stop in one of my future posts.
Mis queridos viajeros organizadores hemos llegado al final de otra reseña, si fue de tu gusto agradecería mucho que dejases tu voto positivo e hicieses uso del botón reblog, subo contenido de forma diaria por lo que si no quieres perdértelo te invito a que comiences a seguirme para que estés al tanto de todas mis actualizaciones. Si deseas que reseñe algo en concreto puedes dejar la sugerencia abajo en la caja de comentarios y con gusto le dedicaré una publicación apenas pueda. Sin más que agregar te doy las gracias por haber llegado hasta este punto y te mando un fuerte abrazo desde la distancia, te recuerdo que tienes la fuerza de tu grandeza dándote su apoyo solo tienes que tomar el timón y fijar un rumbo, espero que nos topemos de nuevo cuando decidas hacer otra parada temporal en uno de mis futuros posts.
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Foundation Season 3 Episode 4, damn its one of those episodes that really makes you think about where this series is heading and I dont understand from where people might say they are bored with this series only after 3 Seasons, yes I can understand how they can feel both Gaal and the Empire plans feel over extended but with The Mule as the new factor in the equation things seem to be more interesting and exciting, the way this season focus more on Demerzel character was something else and honestly I'm still processing how a robot breaks character when it cant break the three laws and go against its program. Episode four titled "Distress of Her Regard" really puts all the cards on the table when it comes to what Demerzels been doing behind the scenes, she finally admits she was the one responsible for the Starbridge bombing that killed all those people way back in season one and the way she talks about it is so cold its almost scary. The revelation that she orchestrated this massive terrorist attack to protect Harry Seldon and let the Foundation grow is wild but also makes perfect sense when you think about her programming, shes been playing chess while everyone else is playing checkers and now we finally see how deep her manipulation goes.
[Source](https://tinyurl.com/4u3yyavf)
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