Luis Estrada's latest film was ¡Que viva México! and it generated some controversy. There was a lot of negative criticism of the film, it upset a lot of people. I liked it and defended it in my publication a couple of years ago. I agreed that the film was quite long, but I laughed a lot. It also helped that I have been a fan of Luis Estrada's films since I saw La Ley de Herodes and his subsequent films.

A characteristic feature of his films is that they always portray Mexican idiosyncrasies. In his latest film, he went to extremes, exaggerating everything that popularly characterizes Mexicans, and that caused a lot of controversy. Many people were upset by the portrayal he made at that time, even though he had done it quite successfully in other films. He uses satire and black humor to show the flaws and virtues of his people, which I find brilliant and entertaining. I understand that some people are upset by it, because being portrayed in this way is sometimes unpleasant.

Las Muertas has all the good things he has shown in his filmography over the years. It captures a time when all the problems that are still present in his country's society already existed. Politicians and corruption, two words destined to always be together, especially in the countries of our hemisphere. In this film, Estrada adapts a novel inspired by real events, written by one of the great writers of Spanish America: Jorge Ibargüengoitia.

I haven't read the novel, but I knew about the case that inspired it because I had read about it years ago on an old website about murderers that no longer exists. I think there's also a movie about that case, but it's very old and I've never seen it. If anyone has read the novel and has the opportunity to watch the miniseries, I'd like to know what you think of Estrada's adaptation.

La última película de Luis Estrada fue ¡Que viva México! y generó cierta polémica. Hubo muchas críticas negativas a la película, molestó a mucha gente. A mí me gustó y la defendí en mi publicación de hace un par de años. Estaba de acuerdo en que la película era bastante larga, pero me reí mucho. También influyo el que soy fan del cine de Luis Estrada desde que vi La Ley de Herodes y sus siguientes películas.

Algo característico de sus películas es que siempre retratan la idiosincrasia mexicana. En su última película se fue a los extremos, exagerando todo lo que popularmente caracteriza a los mexicanos, y eso causó mucha controversia. A mucha gente le molestó el retrato que hizo en ese momento, a pesar de que lo había hecho con bastante éxito en otras películas. Utiliza la sátira y el humor negro para mostrar los defectos y virtudes de su pueblo, lo que me parece brillante y divertido. Entiendo que a algunos les moleste, porque verse retratado a veces no es agradable.

Las Muertas tiene todo lo bueno que ha mostrado en su filmografía a lo largo de los años. Plasma una época en la que ya existían todos los problemas que aún están presentes en la sociedad de su país. Políticos y corrupción, dos palabras destinadas a estar siempre juntas, sobre todo en los países de nuestro hemisferio. En esta película, Estrada adapta una novela inspirada en hechos reales, escrita por uno de los grandes escritores de hispanoamerica: Jorge Ibargüengoitia.

No he leído la novela, pero conocía el caso que la inspiró porque lo había leído hace años en una vieja web sobre asesinos que ya no existe. Creo que también hay una película sobre ese caso, pero es muy antigua y nunca la he visto. Si alguien ha leído la novela y tiene la oportunidad de ver la miniserie, me gustaría saber qué opina de la adaptación de Estrada.

The real case that inspired the novel and this adaptation is that of the macabre González Valenzuela sisters. A family that committed horrible crimes against women who worked as prostitutes. In the miniseries, they have another name, Las Hermanas Baladro, and I think that, as in the novel, several of the facts have been changed. They are still terrible, but the real events were worse than those shown in this fiction. It was a case that shocked Mexican society at the time, and the murderers became famous, largely due to the influence of the media, something that is clearly shown in the miniseries.

The photography and setting are very well done, giving it that traditional rural Mexican feel. Estrada also manages to play with genres in each episode. Each chapter is like a mini-movie. The last episode is the longest and the one that tired me a little; the whole trial part feels long, but overall, it's an excellent miniseries.

The cast is fantastic. The filmmaker brings out the best in each of them. Arcelia Ramírez is brilliant as Arcangela Baladro, the madam and leader. Her character is a real bitch. Paulina Gaitán is fabulous. What a character and performance, as well as showing a lot of flesh for the enjoyment of the male viewer. Although her sex scenes with Joaquin Cosio's Cochiloco can cause disgust and laughter. I still call Cosio El Cochiloco since he played that character in El infierno, also by Luis Estrada. Cochiloco plays Captain Bedoya, a very influential character in the Baladro sisters' chain of torture and murder. Another actor who shines in his role is Mauricio Isaac, playing the prostitute and accomplice nicknamed La Calavera. Yes, this man plays a woman, but he gets a 10/10.

There are only six episodes, and you're going to enjoy a great production by Luis Estrada. I also invite you to look for other films in his filmography and watch them. This miniseries is available on Netflix, and I recommend it so you can enjoy it and then look up information about the real case, which was even more shocking.

Tell me what you think in the comments.

El caso real que inspiró la novela y esta adaptación es el de las macabras hermanas González Valenzuela. Una familia que cometió horribles crímenes contra mujeres que ejercían la prostitución. En la miniserie tienen otro nombre, Las Hermanas Baladro, y creo que, como en la novela, se han modificado varios de los hechos. Siguen siendo terribles, pero los hechos reales fueron peores que los que se muestran en esta ficción. Fue un caso que conmocionó a la sociedad mexicana de la época, y los asesinos se hicieron famosos, en gran parte por la influencia de los medios de comunicación, algo que se muestra claramente en la miniserie.

La fotografía y la ambientación están muy cuidadas, dándole ese aire tradicional del México rural. Estrada también consigue jugar con los géneros en cada episodio. Cada capítulo es como una minipelícula. El último episodio es el más largo y el que me cansó un poco; toda la parte del juicio se siente larga, pero en general, es una excelente miniserie.

El reparto es fantástico. El cineasta saca lo mejor de cada uno. Arcelia Ramírez está brillante como Arcangela Baladro, la madame y líder. Su personaje es una auténtica hija de puta. Paulina Gaitán está fabulosa. Qué personaje e interpretación, además de mostrar mucha carne para el disfrute del espectador macho. Aunque sus escenas de sexo con el Cochiloco de Joaquin Cosio pueden causar asco y risa. A Cosio le sigo llamando El Cochiloco desde que interpretó ese personaje en El infierno, también de Luis Estrada. Cochiloco interpreta al capitán Bedoya, un personaje muy influyente en la cadena de torturas y asesinatos de las hermanas Baladro. Otro actor que brilla en su papel es Mauricio Isaac, interpretando a la prostituta y cómplice apodada La Calavera. Sí, este hombre interpreta a una mujer, pero se lleva un 10/10.

Son sólo seis episodios, y vas a disfrutar de una gran producción de Luis Estrada. También te invito a que busques otras películas en su filmografía y las veas. Esta miniserie está disponible en Netflix, y te la recomiendo para que te diviertas y luego busques información sobre el caso real, que fue aún más impactante.

Dime qué opinas en los comentarios.

¡Hola amigos! Hoy me paso por acá para contarles que por fin revivieron las romcom. Así que les traigo la reseña de la nueva película de Netflix que lo hizo posible: El otro París.

Hello, friends! I'm stopping by today to tell you that romantic comedies are finally back. So, I'm bringing you a review of the new Netflix movie that made it happen: The Wrong Paris.

Trama - Plot

En esta historia conoceremos a Dawn, una chica pueblerina que se encarga de su abuela, sus hermanas y de la granja donde viven. Pero ella aspira a conocer el mundo y su sueño es estudiar arte en la universidad de París. La vida le sonríe cuando recibe la carta de admisión, pero no le darán una beca y no puede costear los gastos. Así que su hermana la convence para que se anote a un reality show que sucede en París donde un montón de chicas competirán para ganar el corazón de un millonario que las puede ir eliminando de a una hasta quedarse con la que le guste y ahí se hará la pregunta final, la chica puede elegir si quedarse con la miel o el dinero. Parece una idea descabellada, pero es la única forma que tiene de costear el pasaje a París con el único plan de hacer todo lo posible para ser eliminada y cobrar parte del dinero que le corresponde para sus estudios. ¿Qué podría salir mal?

In this story, we meet Dawn, a small-town girl who takes care of her grandmother, her sisters, and the farm where they live. But she aspires to see the world, and her dream is to study art at the University of Paris. Life smiles on her when she receives her acceptance letter, but she won't be given a scholarship and can't afford the expenses. So her sister convinces her to sign up for a reality show in Paris where a bunch of girls will compete to win the heart of a millionaire who can eliminate them one by one until he is left with the one he likes, and then he will ask the final question: the girl can choose between love or money. It seems like a crazy idea, but it's the only way she can afford the trip to Paris, with the sole plan of doing everything possible to be eliminated and collect part of the money she is entitled to for her studies. What could go wrong?

Reseña - Review

De verdad siento que es lo mejorcito que vi estos últimos meses en cuanto a comedias románticas porque sí, acá tenemos romance, comedia y, dato no menor, nadie se está muriendo de ninguna enfermedad. Además me dio vibras similares a un libro que leí hace un montón donde la protagonista competía con otras chicas para ganarse el corazón del príncipe en una especie de reality de la realeza. Ese no era el cometido, ella también quería el dinero que iba a obtener durante el espectáculo para darle una mejor calidad de vida a su familia, pero se imaginaran cómo termino todo jajaja. Igual que en este caso.

I truly feel that this is the best romantic comedy I've seen in recent months because, yes, we have romance, comedy, and, not insignificantly, no one is dying of any disease. It also gave me vibes similar to a book I read a long time ago where the protagonist competed with other girls to win the prince's heart in a kind of royal reality show. That wasn't her goal, though; she also wanted the money she would earn during the show to give her family a better quality of life, but you can imagine how it all ended, ha ha ha. Just like in this case.

Pero esto no es todo, la película transcurre en un escenario campestre al mejor estilo cowboy y eso me encanto. Nada como un pueblito remoto llamado París donde la protagonista tiene una meta clara, pero el corazón hace lo que quiere y ahí sucede la magia. Y los planes pueden verse alterados. Además tenemos caballos y animales de granja adorables, sin contar con el hermoso paisaje silvestre que le da el toque.

But that's not all. The film is set in a cowboy-style rural setting, which I loved. There's nothing like a remote little town called Paris, where the protagonist has a clear goal, but her heart does what it wants, and that's where the magic happens. And plans can be altered. We also have horses and adorable farm animals, not to mention the beautiful wilderness that adds the finishing touch.

Me pareció una película muy divertida, con el toque justo de escenas absurdas, de verdad me reí con ruido esta vez. Y el romance me encantó, sentí que los dos protagonistas tenían una linda química. Me gustó mucho cómo se fue dando su relación, no es algo que surgió de la noche a la mañana, pero tampoco se sintió forzado. Tuvo todo lo que tenía que tener en su medida justa, hasta una pizca de dramatismo hacia el final donde no se sabía qué era lo que iba a pasar.

I thought it was a very funny movie, with just the right amount of absurd scenes. I really laughed out loud this time. And I loved the romance; I felt that the two main characters had great chemistry. I really liked how their relationship developed; it wasn't something that happened overnight, but it didn't feel forced either. It had everything it needed in just the right measure, even a touch of drama towards the end where you didn't know what was going to happen.

Una de mis partes favoritas fueron las de los créditos finales, así que si la ven quédense hasta los créditos que también tienen su magia. Sentí que hace tiempo no veía una película de este estilo que me diera todo lo que prometía y todo lo que espero de una romcom. Por lo que si son fans del género como yo, esta película les encantará.

One of my favorite parts was the end credits, so if you watch it, stick around until the credits roll—they have their own magic too. I felt like it had been a long time since I'd seen a movie like this that delivered everything it promised and everything I expect from a romcom. So if you're a fan of the genre like me, you'll love this movie.

También me gustaron los personajes secundarios, cada uno le aporta lo suyo a esta producción. Con esto no estoy diciendo que sea una obra maestra ni mucho menos, pero es una película que se deja ver, es linda, divertida, no te hace llorar y se siente bien verla. Eso ya es un montón con todos los fiascos que estuve viendo en cuanto a este género últimamente. Así qué está más que recomendada por mi parte.

I also liked the supporting characters, each of whom brings something unique to this production. I'm not saying it's a masterpiece, far from it, but it's a film that's easy to watch, it's cute, it's funny, it doesn't make you cry, and it feels good to watch. That's a lot considering all the flops I've been seeing in this genre lately. So, I highly recommend it.

Bueno amigos, hasta acá mi opinión acerca de la película. Espero que les haya gustado y los animo a verla si les llama la atención. Si ya lo hicieron me encantaría saber qué les pareció. Gracias por llegar hasta acá y apoyar mi contenido. ¡Hasta la próxima!

Well, friends, that's my opinion about the movie. I hope you liked it, and I encourage you to watch it if it catches your attention. If you already have, I'd love to hear what you thought of it. Thank you for reading and supporting my content. See you next time!

Synopsis: Shelly is a dancer in her 50s who must face a sad professional reality: a show that has been her lifeblood for over 30 years is coming to an end. Now, she must find a new professional path while simultaneously dealing with her personal frustrations (which include a troubled relationship with her own daughter).

Aging is a natural process for human beings (and fortunate are those who experience it), but it tends to become quite complex when it occurs within environments that constantly strive for the "eternal youth" of bodies (especially female ones) to the detriment of skills and talents acquired over the years. This movie offers a sensitive and raw portrayal of this reality, as Shelly, a 57-year-old woman who has made her living dancing for 30 years, must face the unexpected end of her stage career. Fighting against yourself can be your greatest challenge, because you understand that it's a constant struggle.

Le Razzle Dazzle, as the protagonist herself describes it, is an exquisite show that "follows the tradition of the Lido in Paris". However, unlike the reality of the past, modern society values other types of shows, and this production full of feathers and sequins no longer attracts audiences (thus justifying its ending, which, even so, was somewhat unexpected for Shelly... perhaps because she believed she would be a lifelong dancer, physically speaking). From this event on, things begin to change in her life, but everything changes very quickly, bringing with it intense emotions. The crux of the issue that justifies the existence of this movie is very important and certainly deserves much discussion.

The way this script developed the story isn't groundbreaking, but it was very assertive in its approach (although it lacked considerably more depth in terms of not only its dilemmas, but especially its characters within a broader context). Amidst the dramatic episodes with significant weight, the plot brings to the light themes such as ageism, the clash of reality between generations, and redefinition... as well as a nice return to the past in a mother-daughter dynamic, seeking to untie knots still brutally tied. The script navigates the themes well, but does so a bit too shallowly, even though it was "functional".

There's a very consistent duality of concepts here, and primarily, it all centers on how the two generations view the same scenario: while Shelly and her friend Annette (older women) see their jobs as their greatest achievements, Jodie and Mary Anne (younger women) simply view their jobs as "professional rituals" that are easy to overcome. However, for Shelly, everything is more intense and becomes more important here because it connects with who she is as a person and represents everything she had to give up to live all this. How far will someone go to achieve a dream? And once they achieve it, what are they willing to do to stay there?

Sometimes, the movie seems a bit superficial (even due to the sometimes very clear "visual plasticity"), but the vulnerability of the plot will certainly resonate with those who have experienced something similar in their lives. Aging is never the issue, but rather how the people around us (especially those who hold power in the capitalist world) view age (which is just another number among many others). Shelly is in the midst of the conflict, and because of it, she begins to reevaluate her life, but she doesn't regret anything. This ultimately leads to an existential crisis, which worsens as the final show approaches.

Her greatest "loss" was the estrangement from her own daughter, Hannah, with whom she struggles to have a good relationship today. Both are trying to better understand what happened in the past, and in the midst of this search for explanations, an opportunity for reconciliation, long awaited by both sides, arises. The script's pacing is slow and intimate, all in an attempt to make the plot development more personal, which it does. However, there are moments where everything is so "slow" that it becomes emotionally "inert" (even though it's a fast-paced movie, its 80 minutes don't do it much favors when we consider the full context of all the plot threads).

Anyway, this doesn't diminish the brilliance of this project at all, which, incidentally, is Pamela Anderson's best starring role to date. Building a dreamy, sensitive, and somewhat "naive" character in the face of the world around her, what she did here certainly showed the audience that she can act (and it was a powerful performance). Alongside her, we have Jamie Lee Curtis, who delivers interesting moments (even within a more "artificial" bubble), as well as Dave Bautista, Kiernan Shipka and Brenda Song (with much less screen time, and even less relevance within the overall context... despite being "functional" and notable characters).

The Last Showgirl is a very simple movie (including all its technical aspects), but very precise in addressing the themes it brings to the table. Gia Coppola did a very moving job as director, because even without major scenes, the plot still manages to impact the magnitude of what needs to be said and shown to the audience (such as a scene where Shelly exposes the industry's approach to older dancers). The courage of the project makes it something worth watching, especially since it avoided the "clichés" of the universe to which it belongs (such as avoiding vulgar scenes involving gratuitous nudity or episodes involving physical violence), and this is significant.

Sinopsis: Shelly es una bailarina de unos 50 años que debe enfrentarse a una triste realidad profesional: un espectáculo que ha sido su alma durante más de 30 años llega a su fin. Ahora, debe encontrar un nuevo camino profesional mientras lidia con sus frustraciones personales (que incluyen una relación problemática con su propia hija).

Envejecer es un proceso natural para los seres humanos (y afortunados son quienes lo experimentan), pero tiende a volverse bastante complejo cuando ocurre en entornos que buscan constantemente la "eterna juventud" de los cuerpos (especialmente los femeninos) en detrimento de las habilidades y talentos adquiridos con los años. Esta película ofrece un retrato sensible y crudo de esta realidad, ya que Shelly, una mujer de 57 años que se ha ganado la vida bailando durante 30 años, debe enfrentar el final inesperado de su carrera escénica. Luchar contra uno mismo puede ser su mayor desafío, porque comprende que es una lucha constante.

Le Razzle Dazzle, como lo describe la propia protagonista, es un espectáculo exquisito que "sigue la tradición del Lido de París". Sin embargo, a diferencia de la realidad del pasado, la sociedad moderna valora otros tipos de espectáculos, y esta producción llena de plumas y lentejuelas ya no atrae al público (lo que justifica su final, que, aun así, fue algo inesperado para Shelly... quizás porque creía que sería una bailarina de por vida, físicamente hablando). A partir de este suceso, las cosas empiezan a cambiar en su vida, pero todo cambia muy rápidamente, trayendo consigo intensas emociones. El quid de la cuestión que justifica la existencia de esta película es muy importante y sin duda merece mucho debate.

La forma en que este guion desarrolla la historia no es innovadora, pero su enfoque es muy asertivo (aunque le faltaba mucha más profundidad, no solo en sus dilemas, sino especialmente en sus personajes dentro de un contexto más amplio). Entre los episodios dramáticos de gran peso, la trama ilumina temas como la discriminación por edad, el choque de realidades entre generaciones y la redefinición... además de un agradable regreso al pasado en una dinámica madre-hija, que busca desatar nudos aún brutalmente atados. El guion aborda bien los temas, pero lo hace con demasiada superficialidad, a pesar de ser "funcional".

Aquí hay una dualidad conceptual muy consistente, y principalmente, todo se centra en cómo las dos generaciones ven el mismo escenario: mientras Shelly y su amiga Annette (mujeres mayores) ven sus trabajos como sus mayores logros, Jodie y Mary Anne (mujeres más jóvenes) simplemente los ven como "rituales profesionales" fáciles de superar. Sin embargo, para Shelly, todo es más intenso y cobra mayor importancia aquí porque conecta con su identidad como persona y representa todo lo que tuvo que renunciar para vivir todo esto. ¿Hasta dónde llegaría alguien para alcanzar un sueño? Y una vez que lo logra, ¿qué está dispuesto a hacer para mantenerse?

A veces, la película parece un poco superficial (incluso debido a su a veces muy evidente "plasticidad visual"), pero la vulnerabilidad de la trama sin duda conectará con quienes hayan experimentado algo similar. El envejecimiento nunca es el problema, sino cómo quienes nos rodean (especialmente quienes ostentan el poder en el mundo capitalista) perciben la edad (que es solo un número más entre muchos otros). Shelly se encuentra en medio del conflicto, y debido a ello, comienza a reevaluar su vida, pero no se arrepiente de nada. Esto finalmente la lleva a una crisis existencial, que se agrava a medida que se acerca el último show.

Su mayor pérdida fue el distanciamiento de su hija, Hannah, con quien lucha por mantener una buena relación. Ambas intentan comprender mejor lo sucedido en el pasado, y en medio de esta búsqueda de explicaciones, surge una oportunidad de reconciliación, largamente esperada por ambas partes. El ritmo del guion es lento e íntimo, con el objetivo de que el desarrollo de la trama sea más personal, lo cual logra. Sin embargo, hay momentos en los que todo es tan lento que se vuelve emocionalmente inerte (aunque es una película de ritmo rápido, sus 80 minutos no le hacen mucho favor si consideramos el contexto completo de todos los hilos argumentales).

De todos modos, esto no disminuye la brillantez de este proyecto, que, dicho sea de paso, es el mejor papel protagonista de Pamela Anderson hasta la fecha. Al construir un personaje soñador, sensible y algo ingenuo frente al mundo que la rodea, lo que hizo aquí sin duda demostró al público que sabe actuar (y fue una actuación poderosa). Junto a ella, tenemos a Jamie Lee Curtis, quien ofrece momentos interesantes (incluso dentro de una burbuja más artificial), así como a Dave Bautista, Kiernan Shipka y Brenda Song (con mucho menos tiempo en pantalla y aún menos relevancia en el contexto general... a pesar de ser personajes "funcionales" y muy notables).

The Last Showgirl es una película muy sencilla (incluyendo todos sus aspectos técnicos), pero muy precisa al abordar los temas que plantea. Gia Coppola realizó una labor de dirección muy conmovedora, pues incluso sin escenas importantes, la trama logra impactar la magnitud de lo que debe decirse y mostrarse al público (como una escena en la que Shelly expone el enfoque de la industria hacia las bailarinas mayores). La valentía del proyecto la convierte en algo que vale la pena ver, especialmente porque evitó los clichés del universo al que pertenece (como evitar escenas vulgares con desnudez gratuita o episodios de violencia física), lo cual es significativo.

Sinopse: Shelly é uma dançarina que, na casa dos 50 anos, precisa enfrentar uma triste realidade profissional: um show que foi à sua vida por mais de 30 anos vai chegar ao fim. Agora, ela precisa encontrar um novo caminho profissional, e ao mesmo tempo, lidar com suas frustrações pessoais (que inclui um relacionamento conturbado com à própria filha).

Envelhecer é o processo natural dos seres humanos (e felizes são aqueles que vivem essa experiência), mas isso tende a se tornar um processo bastante complexo quando vai acontecendo dentro de ambientes que estão sempre buscando pela “eterna juventude” dos corpos (em especial, os femininos) em detrimento das habilidades e talentos ao longo dos anos. Neste filme, temos uma personificação sensível e muita crua sobre essa realidade, onde Shelly, uma mulher que está com 57 anos e ganhou à vida dançando por 30 anos, precisa enfrentar o inesperado fim da sua carreira nos palcos. Lutar contra você mesmo pode ser o maior dos seus desafios, porque você entende que é uma luta sempre recorrente.

*Le Razzle Dazzle, segundo a definição da própria protagonista, é um show requintado e que “segue a tradição do Lido em Paris”, mas ao contrário da realidade vivida no passado, a sociedade nos dias atuais valoriza outros tipos de shows, e esta produção repleta de plumas e lantejoulas já não atrai mais o público (justificando assim o seu final, que mesmo assim, ainda foi algo inesperado por Shelly... talvez por acreditar que seria uma eterna dançarina, fisicamente falando). A partir desse evento as coisas começam a mudar na vida dela, mas tudo muda bem rápido, e trazendo fortes emoções. O cerne da questão que justifica a existência desse filme é muito importante, e certamente precisa ser muito discutido.

O modo como esse roteiro desenvolveu a estória não tem nada de inovador, mas foi muito assertivo em sua abordagem (embora tenha ficado devendo uma profundidade consideravelmente maior em relação não apenas aos seus dilemas, mas principalmente aos seus personagens dentro de um contexto geral). Em meio aos episódios dramáticos com pesos muito relevantes, a trama traz luz a temas como etarismo, choque de realidade entre gerações, ressignificação... além de um bom retorno ao passado numa dinâmica entre mãe e filha, buscando desatar nós ainda brutalmente amarrados. O roteiro navega bem sobre os temas, mas faz isso de maneira um pouco rasa demais, ainda que tenha sido “funcional”.

Há uma dualidade de conceitos muito consistente aqui, e primariamente, tudo se concentra em como as duas gerações enxergam um mesmo cenário: enquanto Shelly e sua amiga Annette (mulheres mais velhas) enxergam seus empregos como suas maiores conquistas, Jodie e Mary Anne (mulheres mais jovens), apenas encaram seus trabalhos como “ritos profissionais” fáceis de serem superados. No entanto, para Shelly tudo é mais intenso, e se torna mais importante aqui porque está conectado com quem ela é como pessoa, e representa tudo que ela teve que abdicar para viver tudo isso. Até onde alguém conseguir ir para realizar um sonho?... E uma vez conseguindo, o que é capaz de fazer para ficar nele?

Em certos momentos o filme parece um pouco superficial (até pela “plasticidade visual” que por vezes é muito nítida), mas a vulnerabilidade da trama certamente poderá ser sentida por aquelas pessoas que já vivenciaram algo parecido em suas vidas. Envelhecer nunca será o problema, mas sim, como as pessoas ao nosso redor (principalmente aquelas que são detentoras de poder no mundo capitalista) olham para a idade (que é só mais um número no meio de tantos outros). Shelly está no meio do conflito, e por causa dele começa a reavaliar à sua vida, mas não se arrepende de nada. Isso acaba gerando uma crise existencial, que vai sendo agravada à medida em que o último show vai se aproximando.

A maior das suas “perdas” foi o distanciamento da própria filha, Hannah, com quem ela luta para ter uma boa relação atualmente. Ambas tentam entender melhor o que aconteceu no passado, e no meio dessa busca por explicações, vai nascendo uma oportunidade de reconciliação tão esperada pelos dois lados. O ritmo do roteiro é lento, intimista, tudo isso numa tentativa de tornar o desenvolvimento da trama em algo mais pessoal, o que de fato acontece, mas existem momentos onde tudo é “lento” demais a ponto de se tornar algo “inerte” de emoções (mesmo sendo um filme rápido, onde os seus 80 minutos não lhe favorecem muito quando consideramos o contexto por completo de todas as tramas).

De qualquer modo, isso não diminui em nada o brilho deste projeto, que aliás, é o melhor trabalho protagonizado por Pamela Anderson até então. Construindo uma personagem bem sonhadora, sensível e de certo modo um tanto quanto “ingênua” perante o mundo que a cerca, o que ela fez aqui, certamente mostrou ao público que ela sabe atuar (e foi uma atuação poderosa). Ao lado dela temos Jamie Lee Curtis, que entrega momentos interessantes (mesmo dentro de uma redoma mais “artificial”) além de Dave Bautista, Kiernan Shipka e Brenda Song (com muito menos tempo de tela, e ainda menos relevância dentro do contexto geral... apesar de serem personagens “funcionais” e realmente notáveis).

A Última Showgirl é um filme muito simples (inclusive em todos os seus aspectos técnicos), mas muito preciso ao tratar dos temas que trouxe para à mesa. Gia Coppola fez um trabalho muito tocante como diretora, porque mesmo sem ter grandes cenas, a trama ainda consegue impactar magnitude do que precisa ser dito e mostrado ao público (como uma cena onde Shelly expõe o modo de ação da indústria ao tratar as dançarinas mais velhas). A coragem do projeto torna ele em algo digno de ser visto, principalmente por ter fugido dos “clichês” do universo do qual ele pertence (como por exemplo, evitar cenas vulgares envolvendo nudez gratuita ou episódios envolvendo violência física), e isso é relevante.

I really like historical productions that take what they portray seriously and offer quality. The success of the new version of Shogun would encourage them to greenlight projects that were surely waiting in some executive's office. I don't know if that was the case with this series that I'm going to recommend, but it's almost certain that what happened with Shogun influenced the acceleration of this series' production.

I think the series has a very personal value for its two main creators. Both are actors. One is not very well known and the other is quite famous. Thomas Pa'a Sibbett is one of them. His name didn't ring a bell, although he has appeared in a few films. The other is the famous Jason Momoa. What they have in common is that they are both from Hawaii, so this project is in their blood.

They should be proud of what they've achieved. The season is about to end. Last night I watched episode eight, and episode nine looks like it's going to be incredible. Episode eight is quite emotional, sad, and exciting. The fact that the creators are from Hawaii means they put more passion and love into everything. They have paid attention to detail, the type of clothing, weapons, tools, and the era they are portraying. They have surely had a good number of advisors and experts in Hawaiian culture to tell us this exciting story of a place that is now part of the United States of America.

The casting has also been a great success. Although not all of the actors are originally from Hawaii, several of the main characters are from New Zealand, but they have physical characteristics similar to those of Hawaiians and are convincing in their roles. Actress Mainei Kinimaka is Hawaiian and has previously worked with Momoma, both in a film and in the series See. Another positive detail is that in most episodes, the native language of that region at that time is spoken, so the actors had to recite their lines in that dialect. The fact that this type of series is successful in the US market is an achievement, because Americans have never liked reading subtitles.

Me gustan mucho las producciones históricas que se toman en serio lo que retratan y ofrecen calidad. El éxito de la nueva versión de Shogun les animaría a dar luz verde a proyectos que seguramente estaban esperando en el despacho de algún ejecutivo. No sé si fue el caso de esta serie que voy a recomendar, pero es casi seguro que lo ocurrido con Shogun influyó en la aceleración de la producción de esta serie.

Creo que la serie tiene un valor muy personal para sus dos principales creadores. Ambos son actores. Uno no es muy conocido y el otro es bastante famoso. Thomas Pa'a Sibbett es uno de ellos. Su nombre no me sonaba de nada, aunque ha participado en algunas películas. El otro es el famoso Jason Momoa. Ambos tienen en común que son de Hawai, así que llevar este proyecto en la sangre.

Ellos deben estar orgulloso de haberlo conseguido. La temporada está a punto de terminar. Anoche vi el episodio ocho, y el nueve parece que va a ser increíble. El episodio ocho es bastante emotivo, triste y emocionante. El hecho de que los creadores sean de Hawai hace que pongan más pasión y amor en todo. Han cuidado los detalles, el tipo de ropa, armas, herramientas, y la época que están retratando. Seguro que han contado con un buen número de asesores y expertos en la cultura hawaiana para contarnos esta apasionante historia de un lugar que ahora forma parte de los Estados Unidos de América.

El reparto también ha sido un gran acierto. Aunque no todos son originarios de Hawai, varios de los personajes principales son de Nueva Zelanda, pero tienen características físicas similares a las de Hawai y resultan convincentes en sus papeles. La actriz Mainei Kinimaka es hawaiana y ya ha trabajado anteriormente con Momoma, tanto en una película como en la serie See. Otro detalle positivo es que en la mayoría de los episodios se habla la lengua nativa de esa región en ese momento, por lo que los actores tuvieron que recitar sus diálogos en ese dialecto. El hecho de que este tipo de series tengan éxito en el mercado estadounidense es un logro, porque nunca les ha gustado leer subtítulos.

The series is set in a time when the Hawaiian Islands had not yet been colonized and had their own rulers and wars. Alliances and conquests by the strongest. It is inspired by real historical events that I was completely unaware of. Hawaiian history and culture were something I had never read or researched, so this has been an impetus for me to start immersing myself in that culture. Customs, gods, traditions, kingdoms, historical figures, warrior heroes, prophecies... a whole rich cultural universe that I didn't know about.

The story begins with the reign of Kamehameha I, who managed to unite all the islands, but we start a little before his rise to power. There will surely be another season, because there is still much to tell about the history of this king who had such an influence on the subsequent history of Hawaii. Although the main character is not that figure, but rather the warrior Ka'iana, who existed in real life and traveled outside the islands, absorbing knowledge of the civilized world of the time and also bringing firearms to win Kamehameha's wars. I recommend not looking up too much information about the real character, so as not to find out too much about what will be shown in the series.

Like any historical drama, it has all the ingredients to be exciting. I've seen people on Twitter comparing it to Game of Thrones and Shogun, but it's actually a series with its own personality that's also visually appealing, thanks to the beautiful landscapes and the recreation of the period. White men are also a threat, and I think we'll see more of that in a second season.

An interesting detail that amuses me is that the series will be very well received by women and homosexuals, and that Momoa and other big, muscular actors show off their muscular behinds. But here the women don't show much, so there's only eye candy for women to enjoy those muscular men and their naked behinds.

A highly recommended series. Let me know what you think in the comments.

La serie está ambientada en la época en que las islas hawaianas aún no habían sido colonizadas y tenían sus propios gobernantes y guerras. Alianzas y conquistas por parte de los más fuertes. Está inspirada en hechos históricos reales que yo desconocía por completo. La historia y la cultura hawaianas eran algo sobre lo que nunca había leído ni buscado información, así que esto ha sido un impulso para empezar a sumergirme en esa cultura. Costumbres, dioses, tradiciones, reinos, personajes históricos, héroes guerreros, profecías... todo un rico universo cultural que desconocía.

La historia comienza con el reinado de Kamehameha I, que consiguió unir todas las islas, pero empezamos un poco antes de su ascenso al poder. Seguro que habrá otra temporada, porque aún queda mucho por contar en la historia de este rey que tanta influencia tuvo en la posterior historia de Hawai. Aunque el protagonista principal no es ese personaje, sino el guerrero Ka'iana, que existió en la vida real y viajó fuera de las islas, absorbiendo conocimientos del mundo civilizado de la época y llevando también armas de fuego para ganar las guerras de Kamehameha. Recomiendo no buscar demasiada información sobre el personaje real, para no enterarse demasiado de lo que se mostrará en la serie.

Como cualquier drama histórico, tiene todos los ingredientes para ser apasionante. He visto en Twitter que la gente la comparaba con Juego de Tronos y Shogun, pero en realidad es una serie con personalidad propia que además es visualmente agradable, gracias a los bellos paisajes y a la recreación de la época. Los hombres blancos también son una amenaza, y creo que lo veremos en mayor profundidad en una segunda temporada.

Un detalle interesante que me hace gracia es que la serie será muy bien recibida por mujeres y gais, ya que Momoa y otros actores grandes y musculosos enseñan sus musculosas nalgas. Aquí las mujeres no enseñan mucho, así que solo hay caramelo para los ojos de las mujeres, para que disfrutaran de esos hombres musculosos y sus culos al aire.

Una serie totalmente recomendable. Dime qué te parece en los comentarios.

It hasn't been long since I decided to rewatch, after a long time, this gem of American cinema from the 1980s. Released precisely in 1983, this movie's central plot revolves around the Cuban "exodus" to American cities through an opening on the island, authorized by Fidel Castro, as a maneuver to rid the country of the excessive number of prisoners in its jails (thus relieving the pressure on the justice system and streamlining the government's budget). Among these Cuban immigrants, we met the "untimely" Tony Montana.

Brian De Palma delivered a true work of art to the world by directing this movie, which, upon its release, was panned by critics and completely ignored by the Oscars (not even being mentioned during the nominations). Some of the reasons given for turning a blind eye to this project were the excessive use of violence and swear words (which should not have been considered a problem in any way, especially in a movie that features a gangster as the protagonist), as well as extremely “cartoony and content-driven” approaches to Cubans.

These aspects (which were so brutally criticized) are now recognized as part of the successful narrative decisions that elevated this project's status as a cult movie. De Palma deserves the credit he deserves for his magnificent work as director of this feature movie, which powerfully portrays the rise and fall of a person dominated by an uncontrollable thirst for money and power, where greed knows no bounds. Furthermore, Al Pacino also deserves the credit he deserves for building a completely iconic character.

Tony Montana is the embodiment of the typical immigrant eager for social advancement, who doesn't think twice about taking the most wrong paths to get to where he believes he deserves to be. Alongside him, characters like Manny Ray, Gina Montana, and Elvira Hancock also find their place in the spotlight. Ray is Montana's accomplice (played by Steven Bauer), while Gina plays the sister "dazzled" by the new life of wealth offered by her brother (played by Mary Elizabeth Mastrantonio) and Elvira is Tony's love interest (and "catastrophic") played by Michelle Pfeiffer.

De Palma knew how to bring out the best in all of them (including the rest of the supporting cast), but Pacino is that quality actor who steals the show every time he appears. Completely addicted to drugs (specifically cocaine), drunk, narcissistic, cold, disturbed, calculating, possessive, psychotic... In short, Tony is a kind of "mad dog," who above all else still maintains ethical and moral values hidden beneath all the filth he maintains as a professional work (this is one of the best aspects of this movie's well-executed narrative).

Far ahead of his time, De Palma delivered a transgressive movie, and he knew how to do it very well. Whether it's its visceral narrative style, the brutality of an extremely dangerous reality where no one is safe (behind the scenes, everyone is a potential target in the fight between drug cartels), or even the project's more technical aspects (which, by the way, deserve special mention... especially the cinematography, the skillfully executed soundtrack, and the expansive set design), Scarface is a masterpiece that deserves to be remembered as a great classic.

No ha pasado mucho tiempo desde que decidí volver a ver, después de mucho tiempo, esta joya del cine estadounidense de los años 80. Estrenada precisamente en 1983, la trama central de esta película gira en torno al "éxodo" cubano a ciudades estadounidenses a través de una apertura en la isla, autorizada por Fidel Castro, como una maniobra para liberar al país del excesivo número de presos en sus cárceles (aliviando así la presión sobre el sistema judicial y optimizando el presupuesto del gobierno). Entre estos inmigrantes cubanos, conocimos al "inoportuno" Tony Montana.

Brian De Palma entregó al mundo una verdadera obra de arte al dirigir esta película, que, tras su estreno, fue destrozada por la crítica y completamente ignorada por los Óscar (ni siquiera se mencionó en las nominaciones). Algunas de las razones esgrimidas para hacer la vista gorda ante este proyecto fueron el uso excesivo de la violencia y las malas palabras (lo que no debería haberse considerado un problema de ninguna manera, especialmente en una película que tiene a un gánster como protagonista), así como los enfoques extremadamente “caricaturescos y llenos de contenido” sobre los cubanos.

Estos aspectos (que fueron duramente criticados) ahora se reconocen como parte de las acertadas decisiones narrativas que elevaron este proyecto a la categoría de película de culto. De Palma merece el reconocimiento que merece por su magnífico trabajo como director de este largometraje, que retrata con fuerza el ascenso y la caída de una persona dominada por una sed incontrolable de dinero y poder, donde la codicia no conoce límites. Además, Al Pacino también merece el reconocimiento que merece por construir un personaje completamente icónico.

Tony Montana encarna al típico inmigrante con ansias de ascenso social, que no duda en tomar los caminos más erróneos para llegar a donde cree que merece estar. Junto a él, personajes como Manny Ray, Gina Montana y Elvira Hancock también encuentran su lugar en el centro de atención. Ray es el cómplice de Montana (interpretado por Steven Bauer), mientras que Gina interpreta a la hermana "deslumbrada" por la nueva vida de riqueza que le ofrece su hermano (interpretado por Mary Elizabeth Mastrantonio) y Elvira es el interés amoroso de Tony (y "catastrófico") interpretado por Michelle Pfeiffer.

De Palma supo sacar lo mejor de todos (incluido el resto del reparto secundario), pero Pacino es ese actor de calidad que se roba el espectáculo cada vez que aparece. Completamente adicto a las drogas (en concreto a la cocaína), borracho, narcisista, frío, perturbado, calculador, posesivo, psicótico... En resumen, Tony es una especie de "perro rabioso", que, por encima de todo, aún mantiene valores éticos y morales ocultos bajo toda la suciedad que mantiene como profesional (este es uno de los mejores aspectos de la bien ejecutada narrativa de esta película).

Muy adelantado a su tiempo, De Palma nos entregó una película transgresora, y supo hacerlo con maestría. Ya sea por su estilo narrativo visceral, la brutalidad de una realidad extremadamente peligrosa donde nadie está a salvo (entre bastidores, todos son un blanco potencial en la lucha entre cárteles de la droga), o incluso por los aspectos más técnicos del proyecto (que, por cierto, merecen una mención especial... sobre todo la fotografía, la magistral banda sonora y la extensa escenografía), El precio del poder es una obra de arte que merece ser recordada como un gran clásico.

Não faz muito tempo desde que eu decidi assisti novamente, após muito tempo, esta gema do cinema estadunidense dos anos 80. Lançado precisamente no ano de 1983, este filme tem como trama central o “êxodo” cubano para cidades dos Estados Unidos através de uma abertura na ilha, que foi autorizada por Fidel Castro, como uma manobra para livrar o país do excessivo número de presos em suas cadeias (desafogando assim o sistema judiciário e fazendo as contas do governo serem mais enxutas). No meio desses imigrantes cubanos conhecemos então o “intempestivo” Tony Montana.

Brian De Palma entregou uma verdadeira obra de arte para o mundo ao dirigir este filme, que na época seu lançamento foi rechaçado pela crítica especializada e completamente ignorado pelo Oscar (não sendo sequer lembrado durante as indicações). Algumas das razões apontadas para fazer vista grossa sobre esse projeto foram o excessivo uso de violência e palavrões (que em nada deveriam ter sido considerado como problema, principalmente dentro de um filme que traz um gangster como o protagonista), além de abordagens extremamente “cartunescas e conteudistas” sobre os cubanos.

Esses aspectos (que foram tão brutalmente criticados), hoje são reconhecidamente aceitos como parte do sucesso das decisões narrativas que elevaram o status desse projeto como um filme cult. De Palma tem o crédito que merece pelo seu trabalho magnífico como diretor neste longa-metragem que retrata com muita solidez a ascensão e queda de uma persona dominada por uma sede incontrolável, que é movida a dinheiro e poder, onde a ganância não conhece limites. Além disso, Al Pacino também tem o crédito que merece pela construção de um personagem completamente icônico.

Tony Montana é a personificação do típico imigrante ávido pela ascensão social, que não pensa duas vezes antes de ir pelos caminhos mais errados para chegar até onde ele acredita merecer estar. Ao lado dele, personagens como Manny Ray, Gina Montana e Elvira Hancock, também encontram seu espaço de destaque. Ray é o comparsa de Montana (que é interpretado por Steven Bauer), enquanto Gina vive é a irmã “deslumbrada” pela nova vida de riqueza que é oferecida por seu irmão (interpretada por Mary Elizabeth Mastrantonio) e Elvira é o interesse amoroso (e “catastrófico”) de Tony vivido por Michelle Pfeiffer.

De Palma soube extrair o melhor de todos eles (inclusive do restante do elenco de apoio), mas Pacino é aquele ator de qualidade que rouba a cena sempre que aparece. Completamente viciado nas drogas (especificamente em cocaína), bêbado, narcisista, frio, perturbado, calculista, possessivo, psicótico... Enfim, Tony é uma espécie de “cachorro louco”, que acima de tudo ainda de tudo ainda mantém valores éticos e morais guardados em baixo de toda à sujeira que ele mantém como trabalho profissional (esse é um dos melhores aspectos dentro da narrativa bem executada deste filme).

Muito à frente do seu tempo, De Palma entregou um filme transgressor e soube como fazer isso muito bem. Seja pelo seu estilo narrativo visceral ou por toda à brutalidade de uma realidade extremamente perigosa onde ninguém está a salvo (nas entrelinhas, todo mundo é um alvo em potencial na briga de cartéis de drogas), ou até mesmo pelas questões mais técnicas do projeto (que aliás, merecem um grande destaque... principalmente a fotografia, a trilha sonora que é habilmente utilizada e uma cenografia expansiva), Scarface é uma obra de arte que merece sempre ser lembrado como um grande clássico.