Synopsis: László Toth is a visionary architect who, in 1947, fled post-war Europe to try to make a new start in America (alongside his wife Erzsébet). However, amidst the glimpse of a future that at first glance seems very promising, what he will discover (and experience firsthand) are some American ills.

The post-war landscape can be as brutal as the war itself. Everything depends on each person's experiences and interpretations of the events to which each of them, respectively, relates. Here, we have a moving story of overcoming adversity amidst the chaos of the search for new meaning in life, paralleled by the pursuit of building a new professional legacy (which, yes, is ultimately built... but only after a very high price was "paid" to realize this dream). On the other hand, we have a very long and tiring execution.

The Hollywood Reporter

Frame Rated

Long wide-angle shots permeate this drama, aiming to energize the overall plot. Up to a point, this works, creating a sense of belonging to what's being constructed. But it doesn't take long for the script to repeat these scenes to the point where this device becomes uninteresting (which, in its settings, always works... fostering the visual aspect, which is purely contemplative), demonstrating that the narrative lacks deeper depth (even despite its lengthy 03 hours and 15 minutes).

In 1947, fleeing post-war Europe, László Toth is a renowned architect in his home country (Hungary) with a vision ahead of his time within the Brutalist architectural style. Upon arriving in America, he hopes to rebuild his personal and professional life after having his work recognized by a mysterious client, but what he ends up finding in the midst of a false period of "happiness" is the rotten nature of the human being whose main "functions" are to subjugate, humiliate and take advantage of those who are less unfortunate (in different aspects).

Frame Rated

Screen Anarchy

Betrayed by various sides, we have a protagonist who is being eaten away by the fear of failing again, and while other feelings take over, he must deal with the arrival of his wife and niece in a place where he no longer believes he truly belongs (because he sees everything happening around him as if he were just a dispensable accessory in the midst of an architectural project of pharaonic proportions that he designed himself, reinforcing the feeling of being just another immigrant being exploited by an oppressive society).

Witnessing the birth of modern America then becomes the latest nightmare for László and his family, but he is the person who feels what is happening the most, because he is involved in every aspect of the project from which he is being sidelined (until he "disappears" completely). The drama is very well constructed, but everything takes a long time to unfold, making the overly slow approach in this script somewhat unjustifiable. All the dramatic aspects are present, but they are not properly explored given their complexities.

The Daily Orca

Frame Rated

The script's construction relies heavily on technical aspects, which are certainly more likely to be appreciated by audiences with a deeper understanding of brutalist architecture. Therefore, this is a niche movie, and precisely because it lacks democratic access (narratively speaking), it offers a specific experience for a specific audience. This isn't to say that the rest of the audience can't "appreciate" what was created, but they will certainly do so with less intensity (and I offer myself as an example of this).

Brady Corbet not only helped write the script for this movie (alongside Mona Fastvold) but also directed it. This combined effort deserves due recognition, as we are faced with a product that boasts a range of highly assertive technical aspects (with more than obvious highlights including the beautiful cinematography, the subtle yet powerful soundtrack, and competent set design that manages to explore everything around it), and which were well applied. However, the project's didactic approach is somewhat "elitist" in its development.

Frame Rated

Frame Rated

The cast features big names like Adrien Brody (delivering one of his best performances), Felicity Jones (a bit restrained but still very competent), and Guy Pearce (a sort of "villain" with distinct layers). All of them make The Brutalist a movie worth watching (even if it's a "broken" project and a bit unambitious within its context), but it takes a bit of patience to see its most important details, because in this script, despite the physically and psychologically brutal scenes, the central context is the highlight.

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CRÍTICA DE PELÍCULA: “The Brutalist” (2024)

Sinopsis: László Toth es un arquitecto visionario que, en 1947, huyó de la Europa de la posguerra para intentar empezar de nuevo en Estados Unidos (junto a su esposa Erzsébet). Sin embargo, ante la perspectiva de un futuro que a primera vista parece muy prometedor, descubrirá (y experimentará en primera persona) algunos males estadounidenses.

El panorama de la posguerra puede ser tan brutal como la propia guerra. Todo depende de las experiencias de cada persona y de su interpretación de los acontecimientos con los que se relaciona. Aquí tenemos una conmovedora historia de superación de la adversidad en medio del caos de la búsqueda de un nuevo sentido a la vida, acompañada por la búsqueda de un nuevo legado profesional (que, sí, finalmente se construye... pero solo después de pagar un alto precio para hacer realidad este sueño). Por otro lado, tenemos una ejecución muy larga y agotadora.

Los planos generales largos impregnan este drama, buscando dinamizar la trama general. Hasta cierto punto, esto funciona, creando una sensación de pertenencia a lo que se está construyendo. Pero el guion no tarda en repetir estas escenas hasta el punto de que este recurso pierde interés (algo que, en sus escenarios, siempre funciona... fomentando el aspecto visual, que es puramente contemplativo), demostrando que la narrativa carece de mayor profundidad (incluso a pesar de sus extensas 03 horas y 15 minutos).

En 1947, huyendo de la Europa de la posguerra, László Toth es un reconocido arquitecto en su país natal (Hungría) con una visión adelantada a su tiempo dentro del estilo arquitectónico brutalista. Al llegar a América, espera rehacer su vida personal y profesional luego de que su trabajo fuera reconocido por un misterioso cliente, pero lo que termina encontrando en medio de un falso período de "felicidad" es la naturaleza podrida del ser humano cuyas principales "funciones" son subyugar, humillar y aprovecharse de aquellos menos desafortunados (en diferentes aspectos).

Traicionado por diversos bandos, tenemos a un protagonista consumido por el miedo a fracasar de nuevo. Mientras otros sentimientos se apoderan de él, debe lidiar con la llegada de su esposa y sobrina a un lugar al que ya no cree pertenecer (porque ve todo lo que sucede a su alrededor como si fuera un simple accesorio prescindible en medio de un proyecto arquitectónico de proporciones faraónicas que él mismo diseñó, lo que refuerza la sensación de ser un inmigrante más explotado por una sociedad opresora).

Presenciar el nacimiento de la América moderna se convierte entonces en la última pesadilla para László y su familia, pero él es quien más siente lo que sucede, pues participa en todos los aspectos del proyecto del que se le margina (hasta que "desaparece" por completo). El drama está muy bien construido, pero todo tarda mucho en desarrollarse, lo que hace que la lentitud excesiva del guion sea algo injustificable. Todos los aspectos dramáticos están presentes, pero no se exploran adecuadamente dada su complejidad.

La construcción del guion se basa en gran medida en aspectos técnicos, que sin duda son más apreciados por el público con un conocimiento más profundo de la arquitectura brutalista. Por lo tanto, se trata de una película de nicho, y precisamente por su falta de acceso democrático (narrativamente hablando), ofrece una experiencia específica para un público específico. Esto no significa que el resto del público no pueda "apreciar" lo creado, pero sin duda lo hará con menos intensidad (y me ofrezco como ejemplo de ello).

Brady Corbet no solo colaboró en la escritura del guion de esta película (junto con Mona Fastvold), sino que también la dirigió. Este esfuerzo conjunto merece el debido reconocimiento, ya que nos encontramos ante un producto que presume de una gama de aspectos técnicos muy asertivos (con puntos destacados más que evidentes, como la hermosa fotografía, la sutil pero potente banda sonora y una competente escenografía que logra explorar todo lo que la rodea), y que fueron bien aplicados. Sin embargo, el enfoque didáctico del proyecto es algo "elitista" en su desarrollo.

El elenco incluye figuras de renombre como Adrien Brody (con una de sus mejores interpretaciones), Felicity Jones (algo contenida, pero aun así muy competente) y Guy Pearce (una especie de "villano" con matices distintivos). Todos ellos hacen de The Brutalist una película que vale la pena ver (aunque es un proyecto "fracasado" y poco ambicioso dentro de su contexto), pero requiere paciencia para apreciar sus detalles más importantes, ya que en este guion, a pesar de las escenas física y psicológicamente brutales, el contexto central es lo más destacado.

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CRÍTICA DE FILME: “O Brutalista” (2024)

Sinopse: László Toth é um arquiteto visionário que, em 1947, fugiu da Europa no pós-guerra para tentar viver um novo começo na América (ao lado de sua esposa Erzsébet). No entanto, em meio ao vislumbre de um futuro que à primeira vista parece ser muito promissor, o que ele irá descobrir (e sentir na própria pele) são algumas mazelas estadunidenses.

O cenário de um pós-guerra pode ser tão brutal quanto a própria guerra em si. Tudo depende das vivências e de todas as interpretações de cada pessoa com os fatos aos quais cada uma delas, respectivamente, está relacionada. Aqui, nós temos uma comovente história sobre superação em meio ao caos da busca pela ressignificação da vida, em paralelo à busca da construção de um novo legado profissional (que sim, acaba sendo construído... mas só depois que um preço muito caro foi “pago” para a concretização desse sonho). Por outro lado, temos uma execução muito longa e cansativa.

Longas cenas em planos abertos permeiam este drama com o objetivo de dinamizar a trama como um todo. Até certo momento isto realmente funciona e traz uma sensação de pertencimento sobre o que está sendo construído, mas não demora muito para o roteiro repetir essas cenas a ponto de tornar esse recurso em algo desinteressante (que que nas suas ambientações isso sempre funciona... fomentando o aspecto visual, que é puramente contemplativo), mostrando que à narrativa é carente de um aprofundamento mais interessante (mesmo apesar das suas longas 03 horas e 15 min).

Em 1947, fugindo da Europa no pós-guerra, László Toth é um arquiteto renomado no seu país (Hungria) e que tem uma visão a frente do seu tempo dentro do estilo brutalista da arquitetura. Ao chegar na América, ele espera reconstruir à sua vida pessoal e profissional após ter tido o seu trabalho reconhecido por um cliente misterioso, mas o que ele acaba encontrando no meio de um falso período de “felicidade”, é a natureza podre do ser humano que tem como principais as suas “funções” subjugar, humilhar e tirar proveito daqueles que são menos desafortunados (em aspectos distintos).

Traído por diferentes lados, temos aqui um protagonista que vai sendo corroído pelo medo de fracassar novamente, e enquanto outros sentimentos vão tomando conta dele, ele precisa lidar com a chegada a esposa e da sobrinha no lugar onde ele já não acredita que realmente pertence (porque ele vê tudo acontecendo ao redor dele como se ele fosse só um acessório muito dispensável no meio de um projeto arquitetônico de proporções faraônicas que foi desenhado por ele mesmo, reforçando o sentimento de ser só mais um imigrante que está sendo explorado pela sociedade opressora).

Testemunhar o nascimento da América moderna se torna então o mais novo pesadelo de László e sua família, mas ele é a pessoa que mais sente o que está acontecendo, porque ele está envolvido em cada aspecto do projeto do qual ele está sendo colocado de lado (até que “desapareça” por completo). A construção do drama é muito bem feita, mas tudo demora muito para acontecer, sendo um tanto quanto injustificável a abordagem demasiadamente lenta dentro desse roteiro. Todos os aspectos dramáticos estão aqui... Mas não são devidamente explorados dadas as suas complexidades.

A construção do roteiro tem uma parte considerável da sua trama baseada em aspectos técnicos, que certamente tem mais chances de serem apreciados pelo público que entende melhor sobre arquitetura brutalista. Sendo assim, esse é um filme de nicho, e justamente por não ter um acesso democrático (narrativamente falando), ele oferece um tipo de experiência para um determinado tipo de audiência. Isso não quer dizer que o restante do público não pode “apreciar” o que foi feito, mas certamente o fará com uma menor intensidade (e aqui eu me coloco como um exemplo sobre isso).

Brady Corbet não apenas ajudou a escrever o roteiro deste filme (ao lado de Mona Fastvold) como também foi o diretor do mesmo. O trabalho dobrado merece o devido reconhecimento porque estamos diante de um produto que traz uma gama de aspectos técnicos muito assertivos (com destaques mais do que óbvios para a linda fotografia, a trilha sonora sútil e simultaneamente forte, além de uma cenografia competente porque consegue explora tudo o que está ao seu redor), e que foram bem aplicados. Porém, a didática do projeto é um tanto quanto “elitista” no seu desenvolvimento.

O elenco trás grandes nomes como Adrien Brody (entregando uma de suas melhores performances), Felicity Jones (um pouco contida, mas ainda sim, muito competente) e Guy Pearce (uma espécie de “vilão” repleto de camadas distintas). Todos eles fazem de O Brutalista um filme digno de ser assistido (mesmo sendo um projeto “quebrado” e um pouco sem ambição dentro do seu contexto), mas é preciso ter um pouco de paciência para ver os seus detalhes mais importantes, porque neste roteiro, apesar de haver as cenas fisicamente e psicologicamente brutais, o contexto central é o destaque.

Making animated movies aimed at adults is truly no easy task, because, unlike what many people still insist on thinking, delivering these products (especially those based on comedy, as is the case here) requires a very assertive understanding of the chosen themes, as well as the production techniques involved in the script. In the case of Haunted Hotel, everything works very well, because from its first minute, this animated TV series already shows the audience its reason for existence (with a pretty nice cast).

The plot centers on a mother and her two children, who end up inheriting a hotel from their brother (who now lives adrift somewhere between heaven and earth). As they attempt to start a new life in that place, what they didn't expect is that they will have to find amicable ways to coexist with the other ghosts who also inhabit the same premises. Therefore, managing the hotel becomes a completely unexpected challenge, because everything that happens demands increasing attention from this family... who must face their own differences.

Each episode is approximately 25 minutes long. So far, I've only watched the first one, but I believe the project's core idea was well executed. There's a bit of everything here: the comedy has sharp jokes (some quite daring, in fact), the horror has some specifically gory moments (with physical violence and bloody scenes), and the blend of these two genres ended up being very well balanced within the "anarchy" that was chaotically introduced in the first episode, mainly because it maintains a very satisfying pace.

Matt Roller is the creator of this animation (he's also responsible for the acclaimed Ricky and Morty), and he's also the showrunner. Alongside him are Chris McKenna, Dan Harmon and Steve Levy (the latter three acting as executive producers). The team is very conscious of what they're doing and what they're promoting, joining forces with Netflix in an attempt to launch a new successful animation for adult audiences. If, like me, you're also a fan of Ricky and Morty, here's an animation you should watch (and you don't need to think twice about it).

I hope I'm not wrong, but Haunted Hotel (one of the most recent products from the animation studio Titmouse) is a very promising project, because it is an animated TV series that seems to have "everything" that pleases the adult audience who likes this kind of frenetic approach that mixes elements of the adult world (such as the relationship between dysfunctional family members, as well as the way they live with each other) with a visual that is "peculiar", and played within a huge color palette of countless quantities that is fed by very characteristic drawing lines.

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Primeras impresiones sobre “El hotel embrujado”.

Hacer películas de animación dirigidas a adultos no es tarea fácil, ya que, a diferencia de lo que muchos aún insisten en creer, la producción de estos productos (especialmente los basados en la comedia, como es el caso aquí) requiere una comprensión muy profunda de los temas elegidos, así como de las técnicas de producción involucradas en el guion. En el caso de Haunted Hotel, todo funciona a la perfección, ya que desde el primer minuto, esta serie animada de televisión muestra al público su razón de ser (con un elenco muy bueno).

La trama se centra en una madre y sus dos hijos, quienes terminan heredando un hotel de su hermano (quien ahora vive a la deriva en algún lugar entre el cielo y la tierra). Mientras intentan comenzar una nueva vida en ese lugar, lo que no esperaban es que tendrían que encontrar formas amigables de coexistir con los otros fantasmas que también habitan las mismas instalaciones. Por lo tanto, gestionar el hotel se convierte en un desafío completamente inesperado, ya que todo lo que sucede exige una atención cada vez mayor de esta familia... que debe afrontar sus propias diferencias.

Cada episodio dura aproximadamente 25 minutos. Hasta ahora, solo he visto el primero, pero creo que la idea central del proyecto está bien ejecutada. Hay un poco de todo: la comedia tiene chistes ingeniosos (algunos bastante atrevidos, de hecho), el terror tiene momentos especialmente sangrientos (con violencia física y escenas sangrientas), y la mezcla de estos dos géneros resultó muy bien equilibrada dentro de la "anarquía" que se introdujo caóticamente en el primer episodio, principalmente porque mantiene un ritmo muy satisfactorio.

Matt Roller es el creador de esta animación (también es responsable de la aclamada Ricky y Morty) y también es el showrunner. Junto a él están Chris McKenna, Dan Harmon y Steve Levy (este tres ultimos como productores ejecutivos). El equipo es muy consciente de lo que hace y de lo que promociona, y ha unido fuerzas con Netflix para intentar lanzar una nueva animación exitosa para el público adulto. Si, como yo, también eres fan de Ricky y Morty, aquí tienes una animación que deberías ver (y no hace falta que lo pienses dos veces).

Espero no equivocarme, pero El hotel embrujado (uno de los productos más recientes del estudio de animación Titmouse) es un proyecto muy prometedor, pues se trata de una serie animada para televisión que parece tener "todo" lo que agrada al público adulto que gusta de este tipo de planteamientos frenéticos que mezclan elementos del mundo adulto (como la relación entre familiares disfuncionales, así como la forma de convivencia entre ellos) con un visual "peculiar", y jugado dentro de una enorme paleta de color de incontables cantidades que se alimenta de trazos de dibujo muy característicos.

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Primeiras impressões sobre “Hotel Assombrado”.

Fazer animações voltadas para o público adulto realmente não é uma tarefa fácil, porque totalmente diferente do que muitas pessoas ainda insistem em pensar, entregar estes produtos (em especial, tendo como base a comédia, como é o caso desta aqui) exige uma percepção muito assertiva sobre a abordagem dos temas escolhidos, bem como sobre as técnicas de produção que estão envolvidas dentro do roteiro. No caso de Hotel Assombrado, tudo funciona muito bem, porque desde o seu primeiro minuto esta série de TV animada já consegue mostrar ao público a razão da sua existência (com um elenco muito bom).

A trama está centrada em uma mãe e seus dois filhos, que acabam herdando um hotel do seu irmão (que agora vive à deriva em algum lugar entre o céu e a terra). Na tentativa de começar a viver uma nova vida naquele lugar, o que eles não esperavam é ter que encontrar maneiras amigáveis de conviver com os outros fantasmas que também habitam as mesmas dependências. Sendo assim, gerenciar o hotel se torna um desafio totalmente inesperado, porque tudo o que vai acontecendo exige uma atenção cada vez maior dessa família... Que precisa enfrentar as suas próprias divergências.

Cada episódio tem aproximadamente 25 minutos. Até este momento eu assisti apenas o primeiro, mas acredito que a ideia do projeto foi bem executada dentro da sua proposta central. Aqui tem de tudo um pouco: a comédia tem piadas afiadas (algumas bem ousadas, aliás), o horror tem alguns momentos especificamente “gore” (fazendo uso de violência física e cenas “sanguinolentas”) e a mistura desses dois gêneros acabou sendo muito bem dosada dentro da “anarquia” que foi caoticamente introduzida dentro do primeiro episódio, principalmente por manter um ritmo muito satisfatório.

Matt Roller é o criador desta animação (ele também é responsável pela aclamada Ricky e Morty), e além disso, também é o showrunner. Ao lado dele, estão Chris McKenna, Dan Harmon e Steve Levy (mas estes trabalhando como produtores executivos). O time é muito consciente do que está fazendo e do que está promovendo, unindo forças com a Netflix na tentativa de emplacar uma nova animação de sucesso para o público adulto. Se assim como eu, você também é um fã de Ricky e Morty, eis aqui uma animação que você deve acompanhar (e você não precisa pensar duas vezes sobre isso).

Espero não estar errado, mas Hotel Assombrado (um dos produtos mais recentes do estúdio de animação Titmouse) é um projeto muito promissor, porque é uma série de TV animada que parece ter “tudo” o que agrada ao público adulto que gosta desse tipo de abordagem frenética que mistura elementos do mundo adulto (como a relação entre familiares disfuncionais, além do modo como eles convivem entre eles) com um visual que é “peculiar”, e jogado dentro de uma enorme paleta de cores de quantidades incontáveis que é alimentada por traços de desenhos bastante característicos.

While I wait for the premiere of La Grazia, Polo Sorrentino's new film, it's time to recommend his film from last year: Parthenope. I'm really looking forward to seeing La Grazia, because he's working with his favorite actor, Toni Servillo, again. This filmmaker's films starring Servillo are my favorites from the director. When they get together, they create spectacular works.

Sorrentino is a genius at creating cinematic images capable of stirring emotions. His mise-en-scène is fascinatingly beautiful. Even with his stories that I have liked less, it is impossible not to admire his sequences, totally seduced by images that at the same time touch my sensibility. This can also work against him. There are many viewers who will not like some of his films. They will find them slow, too contemplative, but he is a director who is true to himself and who is surely wrapped up in his own ego, absorbed in his own images, and that is why his works do not go unnoticed.

Parthenope is long, lasting just over two hours, and in many parts of the film we may wonder what the director is trying to tell us. So you have to be aware that you are going to see a Sorrentino film. If this is your first time seeing one of the director's films, I recommend that you look for one of his earlier films, such as The Great Beauty, which was the most highly praised at the time, and then you can look for another one from his filmography to get used to his style.

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Mientras espero el estreno de La Grazia, la nueva película de Polo Sorrentino, es hora de recomendar su película del año pasado: Parthenope. Tengo muchas ganas de ver La Grazia, porque vuelve a trabajar con su actor favorito, Toni Servillo. Las películas de este cineasta con Servillo como actor son mis favoritas del director. Cuando se juntan, se crean obras espectaculares.

Sorrentino es un genio creando imágenes cinematográficas capaces de remover emociones. Su puesta en escena es de una belleza fascinante. Incluso con sus historias que me han gustado menos, es imposible no admirar sus secuencias, totalmente seducido por imágenes que al mismo tiempo tocan mi sensibilidad. Esto también puede jugar en su contra. Hay muchos espectadores a los que no les gustarán algunas de sus películas. Las encontrarán lentas, demasiado contemplativas, pero es un director que es fiel a sí mismo y que seguramente está envuelto en su propio ego, ensimismado con sus propias imágenes y por eso sus obras no pasan desapercibidas.

Parthenope es larga, dura algo más de dos horas, y en muchas partes de la película podemos preguntarnos qué es lo que el director intenta decirnos. Así que hay que ser consciente de que se va a ver una película de Sorrentino. Si es la primera vez que ves una película del director, te recomiendo que busques alguna de sus primeras películas, como La gran belleza, que fue la más alabada en su momento, y luego puedes buscar alguna otra de su filmografía para ir aclimatándote a su estilo.

With this film, the filmmaker creates a love story for his homeland, the city of Naples. With its virtues and flaws, its beauty and ugliness, its laughter and tears. All while making us reflect on unhappiness, youth, old age, death, and life. Just as he has done in his previous productions.

At times, completely absorbed by the beauty of his images, I couldn't help but be moved. A few tears welled up in my eyes as time passed within the story and the life of Partenope, the film's protagonist, also passed. Because some of the film's reflections reminded me of things. The magic of cinema took effect with scenes capable of reminding me of moments that time had taken away. How could I not like Sorrentino's cinema if it is capable of making me feel something?

Another element that kept me mesmerized by the images was the actress Celeste Dalla Porta. Sorrentino makes her truly more beautiful in every frame. She is pure magic and seduction. Anyone who admires and loves feminine beauty will fall in love with the character. She plays Partenope, the absolute protagonist of the story. She is an Italian actress, but she had done very little before this film. I hope she gets new projects and I can see her in other films, although I have searched the Internet and have not found any future projects.

I hope you like this recommendation. If you get a chance to watch it, come back here and let me know what you thought in the comments.

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Con esta película, el cineasta crea una historia de amor por su tierra natal, la ciudad de Nápoles. Con sus virtudes y sus defectos, su belleza y su fealdad, sus risas y sus lágrimas. Todo ello mientras nos hace reflexionar sobre la infelicidad, la juventud, la vejez, la muerte y la vida. Tal y como ha hecho en sus anteriores producciones.

En algunos momentos, completamente absorto por la belleza de sus imágenes, no pude evitar emocionarme. Alguna lagrima se asomo un poco en mis ojos, a medida que pasaba el tiempo dentro de la historia y la tambien pasaba la vida de Partenope, la protagonista de la película. Porque algunas reflexiones de la película me recordaban cosas. La magia del cine hizo efecto con escenas capaces de recordarme momentos que el tiempo se había llevado. ¿Cómo no me va a gustar el cine de Sorrentino si es capaz de hacerme sentir algo?

Otro elemento que me mantuvo hipnotizado por las imágenes fue la actriz Celeste Dalla Porta. Sorrentino la hace realmente más bella en cada fotograma. Es pura magia y seducción. Cualquiera que admire y ame la belleza femenina se enamorará del personaje. Interpreta a Partenope, la protagonista absoluta de la historia. Es una actriz italiana, pero había hecho muy poco antes de esta película. Espero que consiga nuevos proyectos y pueda verla en otras películas, aunque he buscado en Internet y no he encontrado ningún proyecto futuro.

Espero que te guste esta recomendación. Si tienes la oportunidad de verla, regresa aquí y dime qué les pareció en los comentarios.

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Synopsis: Marvin Gabe makes his living as a real estate agent, a job for which he's well-known in his hometown. However, when his criminal past comes back to haunt him with an unresolved story, he must decide whether to remain in the shadows or emerge from them.

You know that feeling when a movie tries to be everything at once, but ultimately fails to be anything substantially good? Well, that's exactly how I'd describe this one in a few words, but I need to write a long text to demonstrate my dissatisfaction with this project, which I thought would pleasantly surprise me (and it didn't even come close to doing that). I don't even know where to begin, but I can tell you that this is a waste of time where even the effusive entertainment is completely forgettable before the end credits.

Moviefone

TheWrap

Amidst completely absurd situations in the daily life of a real estate agent, the script attempts to imbue a sense of urgency with events meant to be interpreted as obstacles in the protagonist's life. Pursued by supposedly professional killers (who sound more like two clumsy and unlikely criminals), Marvin must return to the past to try to secure his future. When he is drawn into the world of crime once again after his brother claims stolen money, he must also deal with Rose, his great love from the past.

Set on Valentine's Day, the only peculiar thing (that attempts to create some identity) within this bittersweet mix is to "center" each of the situations precisely around that specific date (this attempts to justify the supposedly "comic" tone in which the plot unfolds, as if that atmosphere were almost an extra "character" within the story). However, the narrative is so implausible and tedious that practically nothing in it makes any real sense. The running time doesn't help here either, as it's less than 80 minutes in total.

Le Devoir

IGN

All the arguments presented to try to keep the movie afloat are furtive, and they are diluted within a development where the editing work is simply chaotic (negatively speaking). Basically, if this project had been conceived as a short movie, it probably would have been much better, because at its core, the idea is too simple to have been so drawn out (even though it's a relatively short movie). There's also the "surprise factor," which in these movies should be a "must," and here, there isn't one at all.

There's a nearly invisible investigative atmosphere here, which makes the characters wander back and forth, but without any meaningful interaction to pave the way for the narrative itself. There's no success in any of the cinematic genres it set out to construct (with an obvious emphasis on the mix of comedy and physical violence, with somewhat gory touches... which, by the way, have no impact whatsoever because everything is seen as one big, poorly executed joke). The movie itself doesn't recognize itself in the narrative.

TheWrap

The New York Times

This is, without a doubt, one of the most disorganized and unsympathetic scripts I've seen in recent American cinema. Even with such a charismatic actor as Ke Huy Quan, nothing about this project works. The cast is incredibly disconnected (especially all the supporting characters), the partnership between Quan and Ariana DeBose is far too artificial, and they definitely don't work as a couple (especially as a pair of dangerous assassins). The "development" of all the characters is quite poor, and all of this only contributes to the audience's lack of empathy for any of them.

The movie’s dramatic foundation is ridiculous, limited to a cartoonish villain (who happens to be the protagonist's brother) amidst chaotic events that "inflate" the plot to create a convincing narrative foundation (and fail miserably). Technically, there is also a pile of mistakes: the editing of scenes is very choppy and fails to make the events dynamic (the action scenes, which are even “watered” with good fight choreography, but nothing relevant is done because the “plasticity” of movements is clear) and both the scenography and the photography are precarious and poorly explored.

Nerdist

IGN

Love Hurts was directed by Jonathan Eusebio, featuring a combination of confusing elements (the editing of the scenes proves this) and a direction that borders on amateurish in terms of narrative depth. Incredibly, I still can't believe this movie's script was written by three different people, who didn't create anything interesting overall. The movie tried to be a "cool" project, even much bigger than it actually is (especially in a very pretentious way in terms of action), and the result is nothing but a highly problematic product.

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CRÍTICA DE PELÍCULA: “Este amor sí que duele” (2025)

Sinopsis: Marvin Gabe se gana la vida como agente inmobiliario, un trabajo por el que es muy conocido en su ciudad natal. Sin embargo, cuando su pasado criminal regresa para atormentarlo con una historia sin resolver, debe decidir si permanecer en la sombra o emerger de ella.

¿Conocen esa sensación cuando una película intenta serlo todo a la vez, pero al final no logra nada sustancialmente bueno? Bueno, así es exactamente como describiría esta en pocas palabras, pero necesito escribir un texto largo para demostrar mi insatisfacción con este proyecto, que pensé que me sorprendería gratamente (y ni siquiera estuvo cerca de lograrlo). No sé ni por dónde empezar, pero puedo decirles que es una pérdida de tiempo donde incluso el entretenimiento efusivo es completamente olvidable antes de los créditos finales.

En medio de situaciones completamente absurdas en la vida cotidiana de un agente inmobiliario, el guion intenta infundir urgencia con eventos que se supone deben interpretarse como obstáculos en la vida del protagonista. Perseguido por supuestos asesinos profesionales (que parecen más bien dos criminales torpes e improbables), Marvin debe regresar al pasado para intentar asegurar su futuro. Cuando se ve arrastrado de nuevo al mundo del crimen después de que su hermano le reclamara dinero robado, también debe lidiar con Rose, su gran amor del pasado.

Ambientada en el Día de San Valentín, lo único peculiar (que intenta crear cierta identidad) en esta mezcla agridulce es "centrar" cada una de las situaciones precisamente en esa fecha específica (esto intenta justificar el tono supuestamente "cómico" en el que se desarrolla la trama, como si esa atmósfera fuera casi un "personaje" más dentro de la historia). Sin embargo, la narrativa es tan inverosímil y tediosa que prácticamente nada en ella tiene sentido real. La duración tampoco ayuda, ya que dura menos de 80 minutos en total.

Todos los argumentos presentados para intentar mantener la película a flote son furtivos y se diluyen en un desarrollo donde el trabajo de edición es simplemente caótico (negativamente hablando). En resumen, si este proyecto se hubiera concebido como un cortometraje, probablemente habría sido mucho mejor, porque en esencia, la idea es demasiado simple como para haber sido tan extensa (a pesar de ser un cortometraje relativamente corto). También está el "factor sorpresa", que en estas películas debería ser imprescindible, y aquí no lo hay en absoluto.

Hay una atmósfera de investigación casi invisible, que hace que los personajes divaguen de un lado a otro, pero sin ninguna interacción significativa que abra camino a la narrativa. No hay éxito en ninguno de los géneros cinematográficos que se propuso construir (con un énfasis evidente en la mezcla de comedia y violencia física, con toques algo sangrientos... que, por cierto, no tienen ningún impacto porque todo se ve como una gran broma mal ejecutada). La película en sí misma no se reconoce en la narrativa.

Este es, sin duda, uno de los guiones más desorganizados y antipáticos que he visto en el cine estadounidense reciente. Incluso con un actor tan carismático como Ke Huy Quan, nada en este proyecto funciona. El reparto está increíblemente desconectado (sobre todo los personajes secundarios), la colaboración entre Quan y Ariana DeBose es demasiado artificial, y definitivamente no funcionan como pareja (sobre todo como dos peligrosos asesinos). El desarrollo de todos los personajes es bastante pobre, y todo esto solo contribuye a la falta de empatía del público hacia ninguno de ellos.

La base dramática de la película es ridícula, limitada a un villano caricaturesco (que resulta ser el hermano del protagonista) en medio de eventos caóticos que inflan la trama para crear una narrativa convincente (y fracasan estrepitosamente). Técnicamente, también hay un cúmulo de errores: el montaje de las escenas es muy entrecortado y no consigue dinamizar los acontecimientos (las escenas de acción, que incluso están “riegadas” con buenas coreografías de lucha, pero no se hace nada relevante porque la “plasticidad” de los movimientos es evidente) y tanto la escenografía como la fotografía son precarias y están poco exploradas.

Este amor sí que duele fue dirigida por Jonathan Eusebio, con una combinación de elementos confusos (la edición de las escenas lo demuestra) y una dirección que roza lo amateur en cuanto a profundidad narrativa. Increíblemente, todavía no puedo creer que el guion de esta película fuera escrito por tres personas diferentes, quienes en general no crearon nada interesante. La película intentó ser un proyecto "genial", incluso mucho más grande de lo que realmente es (sobre todo por su pretenciosidad en cuanto a la acción), y el resultado es un producto sumamente problemático.

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CRÍTICA DE FILME: “Amor Bandido” (2025)

Sinopse: Marvin Gabe ganha à vida como corretor de imóveis, trabalho pelo qual ele é bem conhecido na cidade onde vive. No entanto, quando o seu passado criminoso volta para a assombrá-lo com uma história mal resolvida, ele precisa decidir se vai continuar nas sombras, ou sair dela.

Sabe aquela sensação quando um filme tenta ser tudo ao mesmo tempo, mas na verdade, acaba não conseguindo ser nada substancialmente bom? Então, é exatamente assim que eu descreveria este aqui em poucas palavras, mas preciso escrever um texto longo para demonstrar à minha insatisfação com este projeto, que eu achei que iria me surpreender positivamente (e nem de longe chegou a fazer isso). Eu nem exatamente por onde começar, mas posso te dizer que eis aqui uma perda de tempo onde até mesmo o entretenimento efusivo é totalmente esquecível antes dos créditos finais.

Em meio a situações completamente absurdas na rotina de um corretor de imóveis, o roteiro tenta imprimir um senso de urgência nos eventos que devem ser interpretados como obstáculos na vida do protagonista. Sendo perseguido por assassinos supostamente profissionais (que soam mais como dois bandidos atrapalhados e inverossímeis), Marvin deve voltar ao passado para tentar garantir o seu futuro quando, e quando ele tragado para o mundo do crime uma vez mais após o seu irmão reivindicar um dinheiro roubado, ele também precisará lidar com Rose, seu grande amor do passado.

Ambientado no dia dos namorados, a única coisa peculiar (que tenta criar alguma identidade) dentro dessa mistura de gosto amargo é “centralizar” cada uma das situações justamente em volta dessa data específica (isso tenta justificar o tom supostamente “cômico” no qual a trama acontece, como se aquela atmosfera fosse quase um “personagem” extra dentro da estória). No entanto, a narrativa é demasiadamente inverossímil e entediante, a ponto de praticamente nada nela fazer algum sentido real. Aqui o tempo de duração também não ajuda, porque são menos de 80 minutos no total.

Todos os argumentos que são apresentados para tentar manter o filme de pé são furtivos, e vão sendo diluídos dentro de um desenvolvimento onde o trabalho de edição é simplesmente caótico (negativamente falando). Basicamente, se esse projeto tivesse sido pensado como um curta-metragem ele provavelmente teria sido algo bem melhor, porque na sua essência, a ideia é simples demais para ter sido tão alongada (mesmo sendo um filme relativamente pequeno). Há também a questão “fator surpresa”, que dentro desses filmes deve ser uma “obrigação”, e aqui, não há nenhum sequer.

Há uma atmosfera investigativa quase invisível aqui, que faz com que os personagens andem de um lado para o outro, mas sem fazer nenhum tipo de interação mais relevante para pavimentar o desenvolvimento da própria narrativa. Não havendo acerto em nenhum dos gêneros cinematográficos que se propôs a construir (com um destaque óbvio para as misturas entre comédia e violência física, com toques um tanto quanto sanguinolentos... que aliás, não trazem impacto algum porque tudo é encarado como uma grande piada mal executada).O próprio filme não se reconhece na narrativa.

Esse é, com certeza, um dos roteiros mais bagunçados e antipáticos que eu já vi no cinema estadunidense mais recente. Mesmo trazendo um ator tão carismático quanto Ke Huy Quan, nada funciona dentro desse projeto. O elenco é muito desconectado (principalmente todos os coadjuvantes), a parceria entre Quan e Ariana DeBose é artificial demais e eles definitivamente não funcionam como um casal (em especial, um casal de assassinos perigosos). O “desenvolvimento” de todos os personagens é bem pífio e tudo isso só corrobora para que o público não tenha empatia por nenhum deles.

A base dramática do filme é ridícula, resumindo-se a um vilão cartunesco (que é o irmão do protagonista) em meio aos eventos caóticos que vão “inflando” a trama para criar algum alicerce narrativo convincente (e falha miseravelmente). Tecnicamente, há também um amontoado de equívocos: a edição de cenas é muito picotada e não consegue dinamizar os eventos (as cenas de ação, que são até “regadas” com boas coreografias de lutas, mas nada relevante é feito porque a “plasticidade” de movimentos é uma nítida) e tanto a cenografia quanto a fotografia são precárias e mal exploradas.

Amor Bandido foi dirigido por Jonathan Eusebio, trazendo uma combinação de elementos confusos (a edição das cenas prova isso) e um direcionamento que beira o amadorismo em termos de profundidade narrativa. Incrivelmente, ainda não acredito que o roteiro deste filme foi escrito por três pessoas diferentes, que não criaram nada de interessante em linhas gerais. O filme tentou ser um projeto “descolado” e até muito maior do que ele realmente é (principalmente de maneira muito pretenciosa em termos de ação), e o resultado não é nada além de um produto altamente problemático.

I find horror films featuring children interesting, even though they are not my favourite genre. This week I saw Weapons, and both the poster and the title caught my attention. It shows children in a pose that reminded me of when I used to play aeroplanes as a child; today, in the most violent sense, they look like weapons. 

Plot

A group of 17 children from the same classroom have disappeared in the middle of the night. They all left their homes without being seen, only recorded on surveillance cameras as they escaped. Apart from studying together, the only thing the missing children have in common is their teacher and one classmate, who are investigated but found to be above suspicion.

Opinion

At first, I thought that the teacher, being the adult, had something to do with it, but after seeing her concern and, on the contrary, the child's calmness, all my suspicions pointed to him. The evidence suggested that the child had done something because he was a victim of bullying and, as they all disappeared of their own accord, something paranormal or dark forces would come to light. 

The story was told through acts, each one recounting the perspective of an important character. It was like looking through the eyes of the teacher, the child, the school principal, the police, the homeless man, and so on, all of whom ultimately reached the same climax. 

The suspense grew as the minutes passed, which kept me motivated, and the nonsensical things became clearer. I liked that there was a bit of romance, sarcasm, dark humour, and in the end, a lot of gore that made me close my eyes and look away several times. 

These types of films do not seek to leave any thoughtful message because they were made to entertain and satisfy strong emotions. However, I couldn't help but wonder what the purpose of the ending was. I felt that the director and the author wanted to drain all the anger and frustration of children towards adults, dealing with emotions such as grief caused by disappearance or even death, unleashing that fury with vengeance.  

It is aimed at adults, giving their inner child the opportunity to heal emotions that were repressed in their childhood. This film also reminded me of the fairy tale Hansel and Gretel. It is a good horror film that I recommend. 

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🎥 Thunderbolts or The New Avengers 🎥

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The era of the Avengers has returned, with new characters, but will they be able to achieve their goal? To be better than their predecessors, this story seems to be just beginning... or continuing.🤔

My friends who love the world of cinema, it's a pleasure to greet you. Once again, we find ourselves here with another review. This time, I want to share my opinion on this saga, the era of the Marvel Avengers, because this weekend I finally got around to seeing their latest film, called Thunderbolts, or as they have classified it, New Avengers.

La era de los vengadores ha vuelto, con nuevos personajes, pero ¿podrán cumplir con su objetivo?, ser mejores que los antiguos, esta historia parece que apenas empieza...o continúa.🤔

Mis amigos amantes del mundo cinematográfico, un gustos saludarlos, una vez más nos encontramos aquí con otra reseña, en esta oportunidad quiero compartir mi opinión sobre está saga, la era de los Vengadores de Marvel, y es que este fin de semana me animé a ver por fin su más reciente film, llamado los Thunderbolts o según ellos lo catalogaron cómo los Nuevos Vengadores.

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SPANISH VERSION

La historia se centra en un grupo de marginados, que fueron reclutados para realizar operaciones clandestinas, guiados por Valentina Allegra de Fontaine, pero cuando esta mujer decide deshacerse de ellos, les toca unirse, para sobrevivir y a su vez, verse envueltos en una peligrosa misión, que los llevara a enfrentarse a sus oscuros pasados, y tormentos.

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To be honest, it didn't really appeal to me at first, as these latest films have declined considerably in quality. However, as a true fan, I had to see it; I couldn't pass it up, so I decided to watch it.

La verdad al principio no me llamaba la atención, estos últimos films han decaído mucho; sin embargo, cómo buena fan, tenía que verlo, no podía dejarlo pasar; así que me dispuse a mirarla.

A family with a troubled past

The beginning is somewhat slow, starting with the presence of the sister of one of the avengers. Both were trained as professional assassins and reached a point where their lives no longer had meaning, so many deaths, so many changes and damage, to stay and feel alone. On the one hand, we understand them; they did not choose those lives; as we well know, they were recruited, or so history shows us, and of course, once inside, it is difficult to get out.

Nathalia was lucky, in a way, to join the Avengers, to change her destiny and become a heroine, a public figure, admired and respected by all.

However, her sister was not so lucky, and worked in the shadows, unnoticed, something she thought did not bother her, but deep down she felt the opposite, that her life had no meaning. This is where we will see the resurgence of the Avengers, or so she intends.

SPANISH VERSION

Una familia con un pasado turbio

El comienzo es algo lento, empezando con la presencia de la hermana de uno de los vengadores, ambas fueron entrenadas cómo asesinas profesionales, y llegaron a un punto en el que ya sus vidas no tenían sentido, tantas muertes, tantos cambios y daño, para quedarse y sentirse solas, por una parte, se les entiende, ella no escogieron esas vidas, cómo bien sabemos fueron reclutadas, o así nos muestra la historia, y por supuesto una vez adentro, es difícil salir.

Nathalia tuvo la suerte por decirlo, de alguna manera, de unirse con los Vengadores, de cambiar su destino y convertirse en una heroína, en un personaje público, admirada y respetada por todos.

Sin embargo, su hermana no corrió con esa suerte, y trabajaba desde la oscuridad, sin ser notada., algo que ella pensaba no le molestaba, pero en el fondo sentía lo contrario, que su vida no tenía sentido, es aquí dónde veremos el resurgimiento de los vengadores, o eso es lo que pretende.

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The central plot that creates a new enemy

Loneliness and depression can become our worst enemy if we don't know how to control them, and you may wonder why I am making this comment. Well, to my surprise, and surely to yours when you see or if you've seen the movie, in this new saga, we'll see how all those emotions can affect a person so much mentally that they bring out the worst in you, transforming you into something you're not, hurting yourself and others, something that unfortunately resembles our reality.

SPANISH VERSION

La trama central que crea nuevo enemigo

La soledad y depresión pueden llegar a convertirse en nuestro peor enemigo si no sabemos controlarlo, y se preguntarán, porque hago este comentario; pues bien, para sorpresa mía, y seguramente de ustedes cuando vean o si llegaron a ver la película, en esta nueva saga, veremos cómo todas esas emociones pueden afectar tanto mentalmente a una persona, que sacan lo peor de ti, transformándote en algo que no eres, dañándote y dañando a los demás, algo que lamentablemente se asemeja a nuestra realidad.

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In Conclusion

Anyway, I won't go into detail on that subject, but what I can say is that despite this new approach, I found it quite entertaining, with its epic moments and scenes, with these new characters, a peculiar group of Avengers, although none of them like my beloved Captain America, ha ha ha.

Marvel did it again, bringing together new and old characters, a different approach, a different story. Will we continue to see more of them? Well, we'll have to wait and see.

SPANISH VERSION

En Conclusión

En fin, no entraré en detalles con ese tema, lo que si puedo decir, es que a pesar de este nuevo enfoque, me resultó bastante entretenida, con sus momentos y escenas épicas, con estos nuevos personajes, unos Vengadores peculiares, eso sí, ninguno cómo mi amado Capitán América jajajaja.

Marvel lo volvió hacer, reunir nuevos y viejos personajes, otro enfoque, otra historieta, será que seguiremos viendo más de ellos, bueno tocará esperar.

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In 1960, Alfred Hitchcock (a true genius of the Seventh Art, who made suspense his first and only home in cinema, becoming a classic and timeless figure for the legacy he built throughout his career) shocked the world with the release of Psycho, a high-quality psychological thriller about a mentally disturbed man. The screenplay was based on a book of the same name by Robert Bloch (which had been released the previous year), and brought to the screen major issues that, for society at the time, were seen as completely "out of touch" due to their "controversial" nature at the height of their "boldness" (which perplexed audiences at the time).

Host Geek

Caitlin Duffy

The movie adaptation also used, somewhat vaguely, some real cases (such as that of the Wisconsin murderer, Ed Gein), and embracing a very interesting creative freedom throughout its social and quite complex context (psychologically speaking), Bloch himself helped write part of the script for this film (alongside Joseph Stefano), thus delivering to Hitchcock a true cinematic treasure ready to carve his name within the legacy of American cinema (something that the skilled, demanding and methodical filmmaker managed to do, without great effort, paving - and sedimenting - the suspense genre as one of the most promising in the history of cinema).

Talk Film Society

Film Freedonia

In the plot, Marion Crane is a secretary who makes a misstep by robbing the firm where she works. Afterward, she hopes to start her life over somewhere else and decides to travel in a specific direction, but ends up being surprised by a storm in the middle of the road while traveling by car. Forced to take shelter somewhere and wait for the bad weather to improve, she ends up staying at a roadside hotel. The place is run by the friendly and helpful (at least at first glance) Norman Bates. However, when Marion mysteriously disappears, her sister and her lover decide to investigate what happened and are surprised by an unimaginable secret.

MUBI

Film Freedonia

An intricate plot with major plot twists (in fact, defying the standards of scripts from that decade... by relying on decisions that clashed with what the audience was already expecting, offering them an immersion within this narrative, so well-orchestrated in its argumentative basis), brought to life through a fast-paced, intelligent script and performed by a top-notch cast. The (more than obvious) highlights are Anthony Perkins (playing an unforgettable antagonist) and Janet Leigh (a protagonist who revolutionized the narrative with her impact). It's also worth noting the technical aspects, such as the cinematography, set design, and especially the brutal soundtrack.

Horror Geek Life

The Medium

Psycho is a highly transgressive, impactful, and visceral movie, primarily because it was so far ahead of its time. Few people understood its true meaning at the time, so much so that its recognition came relatively late (but fortunately, it did happen). Today, this project even serves as study material in psychology courses worldwide. Surprising from start to finish, this film represents the great black-and-white film genre within an argumentative context that is deeply reflective, inherently challenging. An impeccable classic from the unforgettable master of cinema, Alfred Hitchcock.

This post is my entry for the CineTV Contest #144, which is being promoted by the CineTV community.

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Concurso CineTV: “Psicosis”, una inmersión total en la complejidad de una mente perturbada.

En 1960, Alfred Hitchcock (un auténtico genio del Séptimo Arte que hizo del suspense su primer y único hogar en el cine, convirtiéndose en una figura clásica e intemporal por el legado que construyó a lo largo de su carrera) conmocionó al mundo con el estreno de Psicosis, un thriller psicológico de gran calidad sobre un hombre con problemas mentales. El guion se basaba en el libro homónimo de Robert Bloch (publicado el año anterior) y trajo a la pantalla importantes problemas que, para la sociedad de la época, se consideraban completamente ajenos a la realidad debido a su naturaleza controvertida en el auge de su audacia (lo que desconcertó al público de la época).

La adaptación cinematográfica utilizó también, de forma un tanto vaga, algunos casos reales (como el del asesino de Wisconsin, Ed Gein), y abrazando una libertad creativa muy interesante en todo su contexto social y bastante complejo (psicológicamente hablando), el propio Bloch ayudó a escribir parte del guión de esta película (junto a Joseph Stefano), entregando así a Hitchcock un verdadero tesoro cinematográfico dispuesto a labrar su nombre dentro del legado del cine norteamericano (algo que el habilidoso, exigente y metódico cineasta consiguió hacer, sin grandes esfuerzos, pavimentando - y sedimentando - el género del suspense como uno de los más prometedores de la historia del cine).

En la trama, Marion Crane es una secretaria que comete un error al robar la empresa donde trabaja. Después, espera empezar de cero en otro lugar y decide viajar en una dirección específica, pero una tormenta la sorprende en medio de la carretera mientras viaja en coche. Obligada a refugiarse en algún lugar y esperar a que mejore el mal tiempo, termina alojándose en un hotel de carretera. El lugar está regentado por el amable y servicial (al menos a primera vista) Norman Bates. Sin embargo, cuando Marion desaparece misteriosamente, su hermana y su amante deciden investigar lo sucedido y se sorprenden con un secreto inimaginable.

Una trama intrincada con grandes plot twists (que, de hecho, desafía los estándares de los guiones de la década... al basarse en decisiones que chocaban con las expectativas del público, ofreciéndole una inmersión en esta narrativa, tan bien orquestada en su base argumental), cobra vida gracias a un guion ágil e inteligente, interpretado por un elenco de primera. Los momentos más destacados (más que obvios) son Anthony Perkins (interpretando a un antagonista inolvidable) y Janet Leigh (una protagonista que revolucionó la narrativa con su impacto). También cabe destacar los aspectos técnicos, como la fotografía, la escenografía y, sobre todo, la brutal banda sonora.

Psicosis es una película sumamente transgresora, impactante y visceral, principalmente por su gran adelanto a su tiempo. Poca gente comprendió su verdadero significado en aquel entonces, tanto que su reconocimiento llegó relativamente tarde (pero afortunadamente, sucedió). Hoy en día, este proyecto incluso sirve como material de estudio en cursos de psicología de todo el mundo. Sorprendente de principio a fin, esta película representa el gran género cinematográfico en blanco y negro en un contexto argumentativo, profundamente reflexivo y, por naturaleza, desafiante. Un clásico impecable del inolvidable maestro del cine, Alfred Hitchcock.

Esta publicación es mi entrada para el Concurso CineTV #144, que está siendo promovido por la comunidad CineTV.

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Concurso CineTV: “Psicose”, um mergulho de cabeça na complexidade de uma mente perturbada.

Em 1960, Alfred Hitchcock (um verdadeiro gênio da Sétima Arte, que fez do suspense à sua primeira e única casa dentro do cinema, tornando-se então uma figura clássica e atemporal pelo legado que foi construído ao longo de sua carreira) chocou o mundo ao lançar Psicose, um suspense psicológico de alto nível sobre um homem mentalmente perturbado. O roteiro foi baseado em um livro homônimo escrito por Robert Bloch (que foi lançado no ano anterior), e trouxe para as telas grandes assuntos que, para a sociedade daquela época, eram vistos como algo totalmente “fora da realidade” por ser bem “controverso” no auge da sua “ousadia” (que trouxe perplexidade ao público na época de seu lançamento).

A adaptação cinematográfica também usou, de maneira um tanto quanto vaga, alguns casos reais (como o do assassino de Wisconsin, Ed Gein), e abraçando uma liberdade criativa interessantíssima por todo o seu contexto social e bastante complexo (psicologicamente falando), o próprio Bloch ajudou a escrever parte do roteiro deste filme (ao lado de Joseph Stefano), entregando então para Hitchcock um verdadeiro tesouro cinematográfico prestes a cravar o seu nome dentro do legado do cinema americano (algo que o hábil, exigente e metódico cineasta conseguiu fazer, sem grandes esforços, pavimentando - e sedimentando - o gênero do suspense como um dos mais promissores dentro da história do cinema).

Na trama, Marion Crane é uma secretaria que dá um passo em falso ao roubar a firma onde ela trabalha. Após isso ela espera recomeçar à sua vida em outro lugar, e decide viajar em rumo definido, mas acaba sendo surpreendida por uma tempestade no meio da estrada enquanto viajava de carro. Sendo obrigada a se abrigar em algum lugar e esperar esse tempo ruim melhorar, ela acaba se hospedando em um hotel de beira de estrada. O local é administrado pelo simpático e prestativo (ao menos à primeira vista) Norman Bates. No entanto, quando Marion desaparece misteriosamente, sua irmã e o amante dela decidem investigar o que aconteceu e acabam sendo surpreendidos por um segrego inimaginável.

Uma trama intricada e com grandes plot twists (aliás, desafiando os padrões dos roteiros daquela década... por apostar em decisões que iam de encontro ao que o público já estava esperando, o que lhes oferecia uma imersão dentro dessa narrativa muito bem orquestrada na sua base argumentativa), que ganhou vida através de um roteiro ágil, inteligente e que foi interpretado por um elenco de primeira qualidade. Os destaques (mais do que óbvios) são Anthony Perkins (vivendo um antagonista inesquecível) e Janet Leigh (uma protagonista que revolucionou pelo seu impacto narrativo). Vale à pena reconhecer também aspectos técnicos, como fotografia, cenografia e principalmente a trilha sonora brutal.

Psicose é um filme altamente transgressor, impactante, visceral, principalmente por estar muito à frente do seu tempo. Poucas pessoas conseguiram entender o que ele realmente significava na época, tanto que o seu reconhecimento foi relativamente tardio (mas felizmente acabou acontecendo), e hoje, esse projeto funciona até como material de estudo em cursos de Psicologia mundo à fora. Surpreendente do início ao fim, eis aqui o filme que representa a grande galeria dos filmes em preto e branco dentro de um contexto argumentativo extremamente reflexivo pela sua essência que se mostra como algo naturalmente desafiador. O clássico irretocável do inesquecível mestre do cinema, Alfred Hitchcock.

Este post é a minha participação para o Concurso CineTV #144, que está sendo promovido pela comunidade CineTV.