Synopsis: Peter is a young man with a physical disability (the absence of part of his right upper limb) who becomes a target of the Nazi army. In an attempt to escape a fate he refuses to accept, he finds a way to rebel against the oppressive system and save his own life.

"The proof of a society's morality is what it does for its children.", is how this very short (but very interesting and extremely provocative) Netflix feature movie begins its development, featuring a quote from German theologian Dietrich Bonhoeffer to spark some immediate reflection on how we all depend on each other, anywhere in the world. This thought was also purposefully used to pave the way for everything this project has to offer, within the magnitude of its morbid essence.

Ready Steady Cut

During periods like the World Wars, one of the minorities that receives little (or almost no) remembrance is the physically disabled. However, the fateful history of these individuals cannot be forgotten, and audiovisual projects like this one keep this "fire of memories" burning (even though it can be painful, especially for those with physical disabilities), reminding us of how terrible human beings can be to one another (and this is something of critical value even for today's society, which, for its part, miserably defends Nazism).

In 1939, Hitler implemented a mass murder program known as Akiton T4 (or Euthanasia). The program targeted people with some kind of physical disability, claiming the lives of 300,000 of them and sterilizing over 400,000. According to Hitler himself, during times of war it was necessary to remind everyone that these events were the best times to eliminate those patients who were considered incurable, and many Germans rejected the physically disabled because they were not compatible with the concept of a “superior race”.

Netflix

This short movie (just over 10 minutes long) unfortunately fails to delve deeply into all the issues it raises as its main dilemmas. However, this isn't due to a lack of apparent quality. Quite the contrary: the script is intelligent, bold, and sad, yet simultaneously imbued with courage and poise, reliving painful moments during wartime. The biggest problem here was its lack of time, because this is the kind of subject matter that can be covered in a full-length movie (at least two hours long).

In the plot, a teacher has a physically disabled son who is discreetly bullied at school and must suppress feelings of pain while watching his own mother follow a teaching manual that crushes the disabled population by using them as negative references, for example, within the country's own economy (directly insinuating that families with physically disabled people cause massive financial losses). When the young man becomes a target of the Nazi army (which begins killing people with this type of disability), he finds a way to live.

Screen Rant

The Akiton T4 project, which became a landmark for its use in the development of gas chambers used in World War II concentration camps, served as the main argument within this sensitive (and at the same time brutal) script, materializing the problems exposed. Small details reveal major events within the script's approach, which doesn't shy away from delivering a deeply moving story (even within such a short timeframe) and, incidentally, boasts stunning technical aspects (such as the cinematography and set design).

Personally speaking, I had no idea that a project as horrific as the Akiton T4 had ever existed, and this only reinforces my utter contempt for Hitler as a "human being" (and here, I certainly need endless quotation marks) and for any and all ideas he championed as a political figure (and also as a person, especially since there was no distinction between the two). This also sparked my curiosity to learn more about what happened, and it is precisely here that the Seventh Art plays a fundamental role, placing cinema in the position of an essential art.

Rotten Tomatoes

Forgive Us Our Trespasses is the kind of movie that feels like a strong, accurate punch to the audience's gut, and this is evident not only in the story itself, but also in Knox Gibson's performance, which conveys a range of emotions both with his gaze and his physical movements (especially moments of agony). This is a work of remarkable and inspiring quality, skillfully written by Ashley Eakin and Shawn Lovering, with Eakin directing (and doing a very good job). You must see this movie.

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CRÍTICA DE PELÍCULA: “Perdona nuestras ofensas” (2022)

Sinopsis: Peter es un joven con una discapacidad física (la ausencia de parte de su extremidad superior derecha) que se convierte en blanco del ejército nazi. En un intento por escapar de un destino que se niega a aceptar, encuentra la manera de rebelarse contra el sistema opresor y salvar su vida.

"La prueba de la moralidad de una sociedad es lo que hace por sus hijos.", así comienza este cortometraje de Netflix (pero muy interesante y extremadamente provocador), con una cita del teólogo alemán Dietrich Bonhoeffer que provoca una reflexión inmediata sobre cómo todos dependemos unos de otros, en cualquier parte del mundo. Esta idea también se utilizó deliberadamente para sentar las bases de todo lo que este proyecto ofrece, dentro de la magnitud de su esencia mórbida.

Durante períodos como las Guerras Mundiales, una de las minorías que recibe poco (o casi ningún) recuerdo son las personas con discapacidad física. Sin embargo, la fatídica historia de estas personas no puede olvidarse, y proyectos audiovisuales como este mantienen viva esta llama de la memoria (aunque pueda ser dolorosa, especialmente para quienes tienen discapacidad física), recordándonos lo terribles que pueden ser los seres humanos entre sí (y esto es algo de vital importancia incluso para la sociedad actual, que, por su parte, defiende con desdén el nazismo).

En 1939, Hitler implementó un programa de asesinatos en masa conocido como Akiton T4 (o Eutanasia). El programa se centró en personas con algún tipo de discapacidad física, cobrándose la vida de 300.000 de ellas y esterilizando a más de 400.000. Según el propio Hitler, en tiempos de guerra era necesario recordar a todos que estos eventos eran el mejor momento para eliminar a aquellos pacientes considerados incurables, y muchos alemanes rechazaban a las personas con discapacidad física porque no eran compatibles con el concepto de una "raza superior".

Este cortometraje (de poco más de 10 minutos de duración) lamentablemente no profundiza en todos los problemas que plantea como sus principales dilemas. Sin embargo, esto no se debe a una aparente falta de calidad. Todo lo contrario: el guion es inteligente, audaz y triste, pero a la vez está imbuido de valentía y aplomo, reviviendo momentos dolorosos de la guerra. El mayor problema fue la falta de tiempo, ya que este es el tipo de tema que puede abordarse en un largometraje (de al menos dos horas de duración).

En la trama, un profesor tiene un hijo con discapacidad física que sufre acoso escolar discretamente y debe reprimir su dolor mientras ve a su propia madre seguir un manual de enseñanza que aplasta a la población con discapacidad, usándola como referencia negativa, por ejemplo, dentro de la propia economía del país (insinuando directamente que las familias con personas con discapacidad física causan enormes pérdidas económicas). Cuando el joven se convierte en objetivo del ejército nazi (que comienza a matar a personas con este tipo de discapacidad), encuentra una manera de vivir.

El proyecto Akiton T4, que se convirtió en un hito por su uso en el desarrollo de las cámaras de gas utilizadas en los campos de concentración de la Segunda Guerra Mundial, sirvió como argumento principal de este sensible (y a la vez brutal) guion, materializando los problemas expuestos. Pequeños detalles revelan acontecimientos importantes dentro del enfoque del guion, que no rehúye ofrecer una historia profundamente conmovedora (incluso en un lapso de tiempo tan corto) y, por cierto, presume de impresionantes aspectos técnicos (como la fotografía y la escenografía).

Personalmente, no tenía ni idea de que existiera un proyecto tan horroroso como el Akiton T4, y esto no hace más que reforzar mi absoluto desprecio por Hitler como "ser humano" (y aquí, sin duda, necesito infinitas comillas) y por todas y cada una de las ideas que defendió como figura política (y también como persona, sobre todo porque no había distinción entre ambos). Esto también despertó mi curiosidad por saber más sobre lo sucedido, y es precisamente aquí donde el Séptimo Arte juega un papel fundamental, colocando al cine en la posición de un arte esencial.

Perdona nuestras ofensas es el tipo de película que se siente como un puñetazo fuerte y certero en el estómago del público, y esto se evidencia no solo en la historia en sí, sino también en la actuación de Knox Gibson, que transmite una gama de emociones tanto con su mirada como con sus movimientos físicos (especialmente en los momentos de agonía). Esta es una obra de una calidad notable e inspiradora, magistralmente escrita por Ashley Eakin y Shawn Lovering, con Eakin dirigiendo (y haciendo un excelente trabajo). Necesitas ver esta película.

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CRÍTICA DE FILME: “Perdoai-nos as Nossas Ofensas” (2022)

Sinopse: Peter é um jovem com uma deficiência física (a ausência de parte do seu membro superior direito) que acaba se tornando um alvo do exército nazista. Na tentativa de fugir de um destino que ele não aceita, encontra uma maneira se rebelar contra o sistema opressor e salvar a própria vida.

“A prova da moralidade de uma sociedade é o que ela faz por suas crianças.”, é assim que esse curtíssimo (porém muito interessante e extremamente provocante) longa-metragem da Netflix inicia todo o seu desenvolvimento, trazendo uma frase do teólogo alemão Dietrich Bonhoeffer para despertar no público uma reflexão imediata sobre como todo todos nós dependemos uns dos outros, em qualquer lugar do mundo. Esse pensamento também foi propositalmente usado para pavimentar tudo o que esse projeto tem para oferecer ao público, dentro da magnitude da sua essência mórbida.

Em períodos como as Guerras Mundiais, uma das minorias que são pouco (ou quase nada) lembradas são os deficientes físicos. No entanto, a história fatídica dessas pessoas não pode ser esquecida, e projetos audiovisuais como este trazem uma chama para manter essa “fogueira de memórias” acesa (ainda que isso seja algo doloroso, em especial, para quem é deficiente físico), nos lembrando de como os seres humanos podem ser terríveis uns com os outros (e isso é algo de valor crítico até para a sociedade que temos no mundo de hoje, que em sua parte, miseravelmente defende o nazismo).

Precisamente em 1939, Hitler implementou um programa de assassinato em massa que ficou conhecido como Akiton T4 (ou Eutanásia). O programa foi pensado em pessoas com alguma deficiência física, ceifando à vida de 300 mil delas, além de esterilizar mais de 400 mil. Segundo o próprio Hitler, em períodos de guerra era preciso lembrar a todos que esses eventos eram os melhores momentos para se eliminar aqueles doentes que eram considerados como incuráveis, e muitos alemães rejeitavam os deficientes físicos porque eles não eram compatíveis com o conceito de “raça superior”.

Este pequeno curta-metragem (que tem pouco mais de 10 minutos de duração) infelizmente não consegue ser muito profundo em todas as questões que traz como seus principais dilemas. No entanto, isso não acontece pela falta de um aspecto de qualidade aparente. Muito pelo contrário, o roteiro é inteligente, é ousado, é triste e ao mesmo tempo, se reveste de coragem e atitude para reviver momentos dolorosos em tempos de guerra. O grande problema aqui foi sua falta de tempo, porque esse é o tipo de assunto que rende um filme completo (com no mínimo duas horas de duração).

Na trama, uma professora tem um filho deficiente físico, que é discretamente hostilizado na escola e precisa reprimir sentimentos de dor enquanto vê à sua própria mãe seguir uma cartilha de ensino que esmaga a população deficiente quando os usa como referências negativas, por exemplo, dentro da economia do próprio país (insinuando diretamente que as famílias que tem pessoas com deficiência física trazem prejuízos financeiros massivos). Quando o jovem se torna alvo do exército nazista (que começa a matar pessoas com esse tipo de deficiência), ele encontra uma maneira de viver.

O projeto Akiton T4, que se tornou uma referência por ter sido usado no desenvolvimento das câmaras de gás usadas nos campos de concentração da Segunda Guerra Mundial, funcionou dentro desse roteiro sensível (e ao mesmo tempo brutal) como o principal argumento materializar os problemas expostos. Pequenos detalhes revelam grandes eventos dentro da abordagem do roteiro, que não se priva de entregar ao público uma história muito comovente (mesmo que dentro de um período de duração tão curto), e que aliás, tem aspectos técnicos lindos (como a fotografia e cenografia).

Particularmente falando, eu não sabia que um projeto tão medonho quanto o Akiton T4 havia existido, e isso só reforça o meu completo desprezo porque Hitler foi enquanto “ser humano” (e aqui com certeza cabem aspas intermináveis) e por todos e quaisquer ideias que ele defendia enquanto figura política (e também como pessoa, até porque não havia qualquer distinção entre os dois lados). Isso despertou também a minha curiosidade em saber mais sobre o que houve, e precisamente aqui a Sétima Arte assume um papel fundamental, colocando o cinema numa posição de arte essencial.

Perdoai-nos as Nossas Ofensas é aquele tipo de filme que soa como um soco forte e certeiro no estômago do público, e isso fica evidente não apenas pela história em si, mas também pela atuação de Knox Gibson, que transparece diversos tipos de sentimentos tanto com seu olhar quanto com seus movimentos físicos (principalmente momentos de agonia). Eis aqui um trabalho de qualidade notória e inspiradora, que foi habilmente escrito pela dupla Ashley Eakin e Shawn Lovering, com Eakin tomando à frente da direção (e fazendo um trabalho muito bom). Você precisa assistir a este filme.

Ari Aster has done it again. His previous film, Beau Is Afraid, disappointed me a little; I couldn't stand it. Hereditary and Midsommar had me hooked. The director is one of the exponents of what many have called “elevated horror,” but with Beau he stumbled. Some people liked it, but even the filmmaker's most loyal fans were baffled. Now, what he proved with that previous film is that he's a filmmaker who can do whatever he wants, and with Eddington, he reaffirms that.

I thought I was going to find myself watching a damned ode to progressives. Yes, it's a film full of progressive actors and the unbearable Pedro Pascal, the standard-bearer of the woke ideology that Hollywood wants to shove down our throats. The way they've turned this actor into an icon of wokeism is blatant. The guy is likable, he's a competent actor, but I can't see him as the superstar they've been pushing on us.

That's where Aster's genius lies. Using Pascal, who surely thought he was making a progressive masterpiece, when in fact no one likes this satire of contemporary American society. Slaps. Those slaps we see in the trailer that Pascal's character gives Phoenix's character are also the slaps the director gives to everyone.

Big tech companies. Antifa, QAnon, and all the conspiracy theorists. The Magas, the progressives, including the stupid activists. Ari Aster mocks them all. Progressives who thought Aster would only portray the right as stupid went crazy, and it has enraged them. To see themselves portrayed in their constant stupidity. One of the most iconic scenes of activist stupidity is when Sarah's character, an idealistic and super-progressive young college student, furiously berates her ex-boyfriend Michel, a black police officer. She angrily tells him to kneel for the cause. He refuses, having made the decision to uphold the law, and she becomes even more enraged. The scene is incredible. A pretty young white woman, enraged at the young black man because he won't do what she wants him to do. Do you see the contradiction in these ideologies?

The hypocrisy of the activists is also portrayed. The mayor's son and his friend are with the activists, but only because they want to fuck Sarah. Like many allies who join feminist causes, it's to see if they can lose their virginity to one of those hairy armpits. That's the reality of most of those asshole activists. Understandably, such a ridiculous portrayal is very unpopular with the progressive sector, but Ari Aster does whatever he wants.

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Ari Aster lo ha vuelto a hacer. Su anterior película, Beau Is Afraid, me decepcionó un poco, no pude soportarla. Hereditary y Midsommar me engancharon. El director es uno de los exponentes de lo que muchos han llamado «terror elevado», pero con Beau tuvo un tropiezo. A algunas personas les gustó, pero incluso los fans más fieles del cineasta quedaron desconcertados. Ahora, lo que demostró con esa película anterior es que es un cineasta que puede hacer lo que quiera, y con Eddington lo reafirma.

Pensé que me encontraría con una condenada oda a los progresistas. Sí, es una película llena de actores progresistas y con el insoportable Pedro Pascal, abanderado de la ideología woke de Hollywood que quieren meternos por los ojos. La forma en que han convertido a este actor en un icono del wokeismo es descarada. El tipo es simpático, es un actor competente, pero no puedo verlo como la superestrella que nos han metido en la cabeza.

Ahí es donde reside la genialidad de Aster. Usando a Pascal, que seguramente pensaba que estaba haciendo una obra maestra progresista, cuando en realidad esta sátira de la sociedad estadounidense contemporánea no le gusta a nadie. Bofetadas. Esas bofetadas que vemos en el tráiler que el personaje de Pascal le da al personaje de Phoenix son también las bofetadas que el director le da a todo el mundo.

Las grandes empresas tecnológicas. Antifa, QAnon y todos los teóricos de la conspiración. Los Magas, los progresistas, incluidos los estúpidos activistas. Ari Aster se burla de todos ellos. Los progresistas que pensaban que Aster solo retrataría a la derecha como estúpida se volvieron locos, y eso los ha enfurecido. Verse ellos mismos retratados en su constante estupidez. Una de las escenas más emblemáticas de la estupidez de los activistas es cuando el personaje de Sarah, una joven estudiante universitaria idealista y superprogresista, reprende furiosamente a su exnovio Michel, un policía negro. Ella le dice furiosa que se arrodille por la causa. Él se niega, habiendo tomado la decisión de respetar la ley, y ella se enfurece aún más. La escena es increíble. Una joven blanca y guapa, enfurecida con el joven negro porque no hace lo que ella quiere que haga. ¿Vs la contradicción de estas ideologías?

También se retrata la hipocresía de los activistas. El hijo del alcalde y su amigo están con los activistas, pero solo porque quieren follarse a Sarah. Al igual que muchos aliados que se unen a las causas feministas, es para ver si pueden perder la virginidad con una de esas axilas peludas. Esa es la realidad de la mayoría de esos activistas gilipollas. Es comprensible que una representación tan ridícula sea muy mal recibida por el sector progresista, pero Ari Aster hace lo que le da la gana.

I remember at a press conference, I think it was at a festival where the film was being screened, Pedro Pascal gave one of those progressive answers to a journalist's question. The fact is, I find it increasingly difficult to tolerate him. Everything this man does in his public appearances is so fake, but he has convinced himself and the public that he is the best representative of Hollywood ideology.

Eddington is very relevant. The tragic recent events in American society prove it. It is a very polarized society. Divided. Madness that ends in violence. Unfortunately, some want to silence ideas with bullets. This week, Charlie Kirk was killed for his ideas. A young refugee from Ukraine was murdered by a criminal who was released 14 times by progressive governments. The media, mostly bought and paid for by progressives, remain silent. If those on the train had been white and the victim black, all those media outlets would be throwing shit at the current US administration.

Don't believe the official synopsis of Eddington. That synopsis is a complete lie. It is set in a fictional city, but there is no couple as the synopsis says. It is a city that represents the entire United States. In mid-2020, with the pandemic and the George Floyd case that sparked protests and violence at the time. Ted Garcia is the mayor, progressive and corrupt. He is a Democrat and a fervent advocate of masks and vaccines. On the other hand, there is the protagonist, Sheriff Joe Cross, clearly right-wing, also corrupt, but like everyone else, and who doesn't give a damn about wearing a mask. The confrontation between these two men, also due to events from the past that we will discover, is what triggers all the events that will lead to a spiral of violence.

The power of social media, the proliferation of fake news, the recording of everything, and widespread paranoia converge in an ending that hints at the error in that city, as well as many bullets and deaths. A wonderful film. One of the best of the year. It should be a sure bet for the big awards, but we'll see if the progressive elite in Hollywood decides to ignore it because it mocks their ideologies.

I hope you enjoy the film and let me know what you think in the comments.

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Recuerdo que en una rueda de prensa, creo que fue en un festival donde se proyectaba la película, Pedro Pascal dio una de esas respuestas progresistas a la pregunta de un periodista. El hecho es que cada vez me cuesta más tolerarlo. Todo lo que hace este hombre en sus apariciones públicas es tan falso, pero se ha convencido a sí mismo y al público de que es el mejor representante de la ideología de Hollywood.

Eddington es muy relevante. Los trágicos acontecimientos recientes en la sociedad estadounidense lo demuestran. Es una sociedad muy polarizada. Dividida. Una locura que acaba en violencia. Por desgracia, algunos quieren silenciar las ideas con balas. Esta semana, Charlie Kirk fue asesinado por sus ideas. Un joven refugiado de Ucrania fue asesinado por un criminal que fue puesto en libertad 14 veces por gobiernos progresistas. Los medios de comunicación, en su mayoría comprados y pagados por los progresistas, guardan silencio. Si los que iban en el tren hubieran sido blancos y la víctima negra, todos esos medios de comunicación estarían lanzando mierda contra la actual administración estadounidense.

No crean la sinopsis oficial de Eddington. Esa sinopsis es una completa mentira. Está ambientada en una ciudad ficticia, pero no hay ninguna pareja como dice la sinopsis. Es una ciudad que representa a todo Estados Unidos. A mediados de 2020, con la pandemia y el caso de George Floyd que desencadenó protestas y violencia en ese momento. Ted García es el alcalde, progresista y corrupto. Es demócrata y ferviente defensor de las mascarillas y las vacunas. Por otro lado, está el protagonista, el sheriff Joe Cross, claramente de derechas, también corrupto, pero como todo el mundo, y al que le importa un comino llevar mascarilla. El enfrentamiento entre estos dos hombres, también debido a acontecimientos del pasado que descubriremos, es lo que desencadena todos los acontecimientos que conducirán a una espiral de violencia.

El poder de las redes sociales, la proliferación de noticias falsas, la grabación de todo y la paranoia generalizada convergen en un final que insinúa el error de esa ciudad, así como muchas balas y muertes. Una película maravillosa. Una de las mejores del año. Debería ser una apuesta segura para los grandes premios, pero ya veremos si la élite progresista de Hollywood decide ignorarla porque se burla de sus ideologías.

Espero que disfrutes de la película y me digas qué les parece en los comentarios.

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Synopsis: Li Fong is a prodigy of the legendary art of kung fu who, after a family tragedy, is forced to move to another city and adapt not only to a new culture, but also to a new lifestyle (which, at his own mother's behest, does not include kung fu or any other martial art). Will Li Fong heed this call?

This is a classic example of a movie designed and marketed to the public by raising the "flag of nostalgia" at all costs. Over the years, the Karate Kid saga has become a timeless classic about the value of family, dreams, the adventures that are part of this process, the friends we make along the way, and destiny as a purpose. But with the release of this sequel, many of these concepts have become too shallow compared to the grandeur already known to the general public worldwide (which is truly a shame, and I speak as a huge fan that I am). Amidst the plasticity of the script, it is still possible to find something relevant, but you have to dig deep to notice it.

NYC Tourism

FandomWire

It all begins with a major throwback, hitting the nostalgia button in the opening scenes and giving the audience a brief (and didactic) explanation of how the Miyagi Do style of karate originated. From there, it wasn't long before Beijing was "replaced" by New York, after Li Fong was forced by his mother to abandon the martial arts world due to a personal tragedy. The challenges in the new city are many, and amidst all the obstacles to adapting, he ends up making new friends who need his help... Karate, then, remains alive, challenged to join forces with unexpected options to maintain its thriving presence within a larger framework.

However, this new competition (which is somewhat more "underground" compared to the classic, traditional style the franchise has "imposed" over the years) requires Li Fong to fight in a much bolder way. Seeking a fusion of different martial arts styles, Mr. Han (his sensei) decides to recruit Daniel LaRusso, a student of the art of karate taught by the late Mr. Miyagi. LaRusso is initially against the idea of helping Li Fong in this mission, but he can't deny the call and heads to New York. Alongside Han, two styles merge, giving rise to something completely new... which director Jonathan Entwistle didn't quite know how to capitalize on.

USA Today

Mint

The script, while quite weak (and even a bit messy due to chaotic editing that makes the movie a somewhat disappointing experience), has some good ideas (like incorporating boxing into the narrative), and of course, the best of them is combining two different fighting styles to create a more modern (and more effective) style. Furthermore, the plot tends to benefit entirely from the presence of Han and LaRusso as the main pillars of this project's existence, even though their respective roles are reduced to pure nostalgia, and still fail to evoke that feeling in its fullness (even with a "surprise" in the final scene).

All the changes implemented in the script to create something more dynamic could have worked much better if they had been better developed. The project's running time itself already signals a problem, because within this branching plot (after all, the script attempts to address different narrative threads... and the misguided decisions end up benefiting some characters over others, minimizing their impact on the plot, as is the case with Li Fong's adversary), both the main plot and the subplots require more time, because this is something that would certainly encourage greater empathy from the audience regarding what is happening.

Portal Massa

NYC Tourism

The project's maturation process doesn't happen smoothly, quite the opposite, in fact, because the plot's main source of dramatic transformation is underutilized and never emerges as a definitive force to "force" the protagonist to rebel against his mother's decision and fight again. There's also a problem involving all the escapist decisions to energize events, from cartoonishly static scene transitions to the fight scenes, which, despite being relatively creative and thought-provoking, always end up being too short. The highlight in this action-related aspect lies precisely in the laughable (and problematic) climax of the third act.

There's no real sense of urgency surrounding the events that should be seen as problems to be solved, and this greatly diminishes the weight of the plot as a whole. At times, it feels like the movie was made with a generation of people in mind who don't care about the depth of the story or its characters, and this becomes abundantly clear through the choppy editing and jokes that ultimately fall flat (at least not for the most part). Li Fong's journey of self-discovery and overcoming obstacles is reduced to a completely forgettable contest (as are most of the new characters introduced in this new chapter), with no chance for another sequels.

NYC Tourism

G1 - Globo

Major names within the franchise like Jackie Chan and Ralph Macchio made nostalgic returns, but they were merely functional in terms of the movie's marketing campaigns, because unfortunately, they were the least utilized "pieces" within the plot. Alongside them, Ben Wang delivered a protagonist with potential, but he also didn't become something worthy of the franchise's overall stature (although the actor did a good job). There's also a somewhat "conflicting" presence here, Joshua Jackson, who should have been the "turning point" due to the boxing-based narrative, but the plot "subversion" was poorly utilized and quickly forgotten within the plot.

The most disappointing thing about the introduction of the new characters (with the exception of the protagonist) is how they were subtly used in a way that didn't really add any significant weight to the plot itself, even though they had the potential to represent something much more substantial within some very specific events. Regarding the older characters, it felt like they were inserted into the plot because they truly are essential characters, and as such, they couldn't have been "forgotten"... However, there was no depth whatsoever about what they represent in this new chapter, even though their "cycle" was decently closed.

NYC Tourism

NYC Tourism

Karate Kid: Legends isn't a bad movie, especially for audiences familiar with the franchise since its first installment (and that alone is reason enough to see the project as a worthwhile experience), but it has many flaws that need to be overlooked to make the viewing experience significantly more enjoyable. This movie's chances of performing better are much higher among younger audiences (which I personally don't consider a positive), but that doesn't mean older audiences can't enjoy it as well. Entertainment is enhanced when coupled with the nostalgia it carries, but without it, it becomes much less prominent.

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CRÍTICA DE PELÍCULA - “Karate Kid: Legends” (2025)

Sinopsis: Li Fong es un prodigio del legendario arte del kung fu que, tras una tragedia familiar, se ve obligado a mudarse a otra ciudad y adaptarse no solo a una nueva cultura, sino también a un nuevo estilo de vida (que, por orden de su madre, no incluye el kung fu ni ninguna otra arte marcial). ¿Atenderá Li Fong esta llamada?

Este es un ejemplo clásico de una película diseñada y comercializada para el público enarbolando la "bandera de la nostalgia" a toda costa. Con los años, la saga Karate Kid se ha convertido en un clásico atemporal sobre el valor de la familia, los sueños, las aventuras que forman parte de este proceso, las amistades que hacemos en el camino y el destino como propósito. Pero con el estreno de esta secuela, muchos de estos conceptos se han vuelto demasiado superficiales en comparación con la grandeza que ya conoce el público general (lo cual es una verdadera lástima, y hablo como gran fan que soy). En medio de la plasticidad del guion, aún es posible encontrar algo relevante, pero hay que profundizar para apreciarlo.

Todo comienza con un gran regreso al pasado, con un toque de nostalgia en las primeras escenas y ofreciendo al público una breve (y didáctica) explicación del origen del estilo de karate Miyagi Do. A partir de ahí, no pasó mucho tiempo antes de que Pekín fuera "reemplazada" por Nueva York, después de que su madre obligara a Li Fong a abandonar el mundo de las artes marciales debido a una tragedia personal. Los desafíos en la nueva ciudad son numerosos, y entre todos los obstáculos para adaptarse, termina haciendo nuevos amigos que necesitan su ayuda... El karate, entonces, sigue vivo, con el reto de unir fuerzas con opciones inesperadas para mantener su próspera presencia dentro de un marco más amplio.

Sin embargo, esta nueva competencia (algo más clandestina que el estilo clásico y tradicional que la franquicia ha impuesto a lo largo de los años) exige a Li Fong luchar con mucha más audacia. Buscando una fusión de diferentes estilos de artes marciales, el Sr. Han (su sensei) decide reclutar a Daniel LaRusso, un estudiante de karate enseñado por el difunto Sr. Miyagi. LaRusso se opone inicialmente a la idea de ayudar a Li Fong en esta misión, pero no puede rechazar la llamada y se dirige a Nueva York. Junto a Han, dos estilos se fusionan, dando lugar a algo completamente nuevo... que el director Jonathan Entwistle no supo aprovechar.

El guion, aunque bastante flojo (e incluso un poco caótico debido a una edición caótica que hace que la película sea una experiencia algo decepcionante), tiene algunas buenas ideas (como la incorporación del boxeo a la narrativa), y, por supuesto, la mejor de ellas es la combinación de dos estilos de lucha diferentes para crear un estilo más moderno (y más efectivo). Además, la trama tiende a beneficiarse plenamente de la presencia de Han y LaRusso como pilares fundamentales de este proyecto, aunque sus respectivos roles se reducen a pura nostalgia y siguen sin evocar esa sensación en su totalidad (ni siquiera con una "sorpresa" en la escena final).

Todos los cambios implementados en el guion para crear algo más dinámico podrían haber funcionado mucho mejor si se hubieran desarrollado mejor. La propia duración del proyecto ya indica un problema, ya que, dentro de esta trama ramificada (al fin y al cabo, el guion intenta abordar diferentes hilos narrativos... y las decisiones erróneas acaban beneficiando a algunos personajes, minimizando su impacto en la trama, como es el caso del adversario de Li Fong), tanto la trama principal como las subtramas requieren más tiempo, ya que esto sin duda fomentaría una mayor empatía del público con lo que está sucediendo.

El proceso de maduración del proyecto no transcurre con fluidez, sino todo lo contrario, porque la principal fuente de transformación dramática de la trama se desaprovecha y nunca emerge como una fuerza definitiva para "obligar" al protagonista a rebelarse contra la decisión de su madre y volver a luchar. También existe un problema con todas las decisiones escapistas para dinamizar los acontecimientos, desde las transiciones de escenas estáticas y caricaturescas hasta las escenas de lucha, que, a pesar de ser relativamente creativas y estimulantes, siempre resultan demasiado cortas. Lo más destacado de este aspecto de la acción reside precisamente en el risible (y problemático) clímax del tercer acto.

No hay una verdadera sensación de urgencia en torno a los eventos que deberían considerarse problemas por resolver, lo que resta mucho peso a la trama en su conjunto. Por momentos, da la sensación de que la película se hizo pensando en una generación a la que no le importa la profundidad de la historia ni sus personajes, y esto queda patente en la edición entrecortada y los chistes que, al final, fracasan (al menos no en su mayor parte). El viaje de autodescubrimiento y superación de obstáculos de Li Fong se reduce a una competición completamente olvidable (al igual que la mayoría de los nuevos personajes que se presentan en este nuevo capítulo), sin posibilidad de otras películas.

Grandes nombres de la franquicia, como Jackie Chan y Ralph Macchio, regresaron con nostalgia, pero fueron meramente funcionales para las campañas de marketing de la película, ya que, por desgracia, fueron las piezas menos utilizadas de la trama. Junto a ellos, Ben Wang ofreció un protagonista con potencial, pero tampoco llegó a estar a la altura de la franquicia (aunque el actor hizo un buen trabajo). También hay una presencia un tanto conflictiva: Joshua Jackson, quien debería haber sido el punto de inflexión debido a la narrativa basada en el boxeo, pero la subversión argumental fue mal utilizada y rápidamente olvidada.

Lo más decepcionante de la introducción de los nuevos personajes (con la excepción del protagonista) es su sutileza, sin aportar peso significativo a la trama, a pesar de que tenían el potencial de representar algo mucho más sustancial en algunos eventos muy específicos. En cuanto a los personajes más antiguos, parecía que se habían insertado en la trama porque son personajes esenciales y, por lo tanto, no podían haber sido olvidados... Sin embargo, no se profundizó en lo que representan en este nuevo capítulo, a pesar de que su ciclo estaba bastante cerrado.

Karate Kid: Legends no es una mala película, especialmente para el público familiarizado con la franquicia desde su primera entrega (y eso por sí solo es razón suficiente para considerar el proyecto una experiencia que vale la pena), pero tiene muchos defectos que deben pasarse por alto para que la experiencia sea mucho más agradable. Es mucho más probable que esta película tenga un mejor desempeño entre el público más joven (lo cual personalmente no considero positivo), pero eso no significa que el público mayor no pueda disfrutarla también. El entretenimiento mejora cuando se combina con la nostalgia que transmite, pero sin ella, pierde mucha relevancia.

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CRÍTICA DE FILME - “Karatê Kid: Lendas” (2025)

Sinopse: Li Fong é um prodígio da lendária arte do kung fu que, após uma tragédia familiar, é forçado a mudar de cidade e se adaptar não apenas a um novo tipo de cultura, mas também a um novo estilo de vida (que por imposição de sua própria mãe, não inclui o kung fu ou qualquer outro tipo de arte marcial). Será que Li Fong vai atender a esse chamado?

Esse é um exemplo clássico de um filme que é pensado e vendido para o público erguendo a “bandeira do saudosismo” a todo custo. Ao longo dos anos a saga Karatê Kid se tornou um clássico atemporal sobre o valor da família, dos sonhos, das aventuras que fazem parte desse processo, dos amigos que fazemos pelo caminho e do destino como um propósito, mas com o lançamento desta sequência, muito desses conceitos se tornaram rasos demais diante a grandiosidade que já é conhecida do grande público mundo à fora (o que é realmente uma pena e eu falo como um grande fã que eu sou). Em meio a plasticidade do roteiro, ainda é possível encontrar algo relevante, mas é preciso cavar fundo para notar isso.

Tudo começa com uma grande volta ao passado, apertando o botão da nostalgia logo nas primeiras cenas e entregando ao público uma breve (e didática) explicação sobre como nasceu o estilo Miyagi Do dentro do karatê. A partir daí, não demorou muito para Beijing ser “substituída” por Nova York, depois que Li Fong foi obrigado por sua mãe a abandonar o mundo das artes marciais devido a uma tragédia pessoal. Os desafios na nova cidade são muitos, e no meio de todos os obstáculos para se adaptar, ele acaba fazendo novos amigos que precisam de sua ajuda... O karatê então segue vivo, e sendo desafiado a unir forças com opções inesperadas para se manter como algo pujante dentro de um escopo maior.

No entanto, essa nova competição (que é algo mais “underground” em comparação ao estilo clássico e tradicional que a franquia “impôs” ao longo dos anos) requer de Li Fong uma maneira muito mais “ousada” de lutar. Na busca por uma fusão entre diferentes estilos de artes marciais, Sr. Han (que é o sensei dele) decide recrutar Daniel LaRusso, que foi o pupilo na arte do karatê ensinado pelo saudoso Sr. Miyagi. Inicialmente LaRusso é contra a ideia de ajudar Li Fong nesta missão, mas ele não consegue negar a esse chamado e embarca para Nova York. Ao lado de Han, dois estilos se fundem, dando origem a algo completamente novo... Que o diretor Jonathan Entwistle não soube como tirar o devido proveito.

O roteiro, apesar de ser bem fraco (e até um pouco bagunçado por ter um trabalho de edição caótico que torna o filme em uma experiência um tanto quanto decepcionante), traz algumas boas ideias (como inserir o boxe na narrativa), e é claro que a melhor delas é fazer uma junção entre dois estilos de lutas diferentes para criar um estilo mais moderno (e mais eficaz). Além disso, a trama tende a ser totalmente beneficiada pelas presenças de Han e LaRusso como principais pilares da existência desse projeto, ainda que suas respectivas participações sejam reduzidas ao puro senso nostálgico, e ainda sim, não consegue evocar esse sentimento em sua plenitude total (mesmo com uma “surpresa” na cena final).

Todas as mudanças que foram implementadas dentro do roteiro para criar algo mais dinâmico poderia ter funcionado muito melhor se tivessem sido melhor desenvolvidas. O tempo de duração do próprio projeto já anuncia um problema, porque dentro dessa trama ramificada (afinal, o roteiro tenta lidar com diferentes segmentos narrativos... e as decisões equivocadas acabam tentando beneficiar alguns personagens em detrimento de outros, minimizando seu impacto na trama, como é o caso do adversário de Li Fong), tanto a trama principal quanto as subtramas demandam mais tempo, porque isso é algo que com certeza favoreceria uma maior empatia por parte do público sobre o que está acontecendo.

O processo de amadurecimento do projeto não acontece de uma maneira fluida, aliás, muito pelo contrário, porque a principal fonte de conversão dramática da trama é subutilizada e nunca emerge como um peso definitivo para “forçar” o protagonista a se rebelar contra à decisão e sua mãe e lutar novamente. Há também uma questão envolvendo todas as decisões escapistas para dinamizar os acontecimentos, desde transições de cenas com um estática meio cartunesca, até as cenas de lutas, que apesar de serem relativamente criativas e instigantes, acabam sendo sempre curtas demais. O destaque ruim nesse aspecto relacionado a ação reside justamente no risível (e problemático) clímax do terceiro ato.

Não há um senso de urgência real sobre os fatos que deveriam ser vistos como problemas a serem resolvidos, e isso é algo que minimiza demais o peso da trama como um todo. Em alguns momentos parece o filme foi filmado pensando em uma geração de pessoas que não se importa com o aprofundamento da estória ou dos seus personagens, e isso se torna muito claro pela edição picotada do projeto e piadas que acabam não funcionando (ao menos não em sua grande maioria). A jornada de autoconhecimento e superação de Li Fong é reduzida a um campeonato totalmente esquecível (bem como a maioria dos novos personagens que foram inseridos neste novo capítulo), e sem chances para sequências.

Nomes de peso dentro da franquia como Jackie Chan e Ralph Macchio fizeram retornos saudosistas, mas “meramente” funcionais em termos de campanhas focadas no marketing do filme, porque infelizmente, dentro da trama eles são as “peças” menos utilizadas. Ao lado deles, Ben Wang entregou um protagonista com potencial, mas que também não se tornou algo digno da altura da franquia como um todo (embora o ator tenha feito um trabalho legal). Há também uma presença um tanto quanto “conflitante” aqui, Joshua Jackson, que deveria ter sido o ponto de “inflexão” por causa da narrativa apoiada boxe, mas a “subversão” do plot foi pobremente utilizada e rapidamente esquecida dentro da trama.

O mais decepcionante sobre a inserção dos novos personagens (com exceção do protagonista) é notar como eles foram subtilizados de uma maneira que realmente não trouxe nenhum peso significativo para à trama em si, mesmo tendo potencial para representarem algo muito mais substancial dentro de alguns acontecimentos bem específicos. Sobre os personagens mais antigos, ficou aquela sensação de que eles foram inseridos dentro da trama porque eles realmente são personagens obrigatórios, e como tal, não poderiam ter sido “esquecidos"... No entanto, não houve profundidade alguma sobre o que eles representam neste novo capítulo, embora o “ciclo” deles tenha sido encerrado decentemente.

Karatê Kid: Lendas não é um filme ruim, em especial, para o público que conhece a franquia desde à sua primeira parte (e isso já é motivo suficiente para o projeto ser encarado como algo funcional), mas é um filme que tem muitos defeitos que precisam ser ignorados para que a experiência em assisti-lo seja significantemente mais prazerosa. A chance desse filme funcionar melhor é muito mais alta entre o público mais jovem (o que eu particularmente não considero como algo positivo), mas isso não quer dizer que o público mais antigo não consiga se divertir também. O entretenimento se torna melhor quando aliado a nostalgia que ele carrega, mas sem isso, ele se torna em algo bem menos proeminente.