Synopsis: Delivering a simple lunchbox in the middle of a subway station to a previously unknown person has never been as challenging as in this immeasurable "psychedelic" adventure (full of visually peculiar moments).

Have you ever thought about your routine? How do you fit into it? Does it add something positive to you? Is the idea of having a routine something light or heavy? Without a routine, what would your day-to-day life be like? Perhaps, by answering these questions, you'll gain a broader understanding of all the messages this captivating musical short film has to offer. In everything we don't notice around us, resides the "noise" of experience.

This audacious project is less than 15 minutes long, with not a single line spoken by any of its characters (who, by the way, are only two). It relied heavily on its stunning visuals and delivered an artistic result that, at least for me, was surprising. In the plot, the audience follows the "journey" of an ordinary man (played by Englishman Thom Yorke, lead singer of the rock band Radiohead) on a "peculiar" mission.

Armed with the intention of delivering a lunchbox to a woman he saw on a subway car, what should be a simple, everyday act ends up becoming a veritable quest for "something" to be achieved at all costs. From its first seconds, this project already sets its tone (with a frenetic and colorful approach), based on a kind of "dystopian dreamscape" that is gradually "diluted" amidst colors, sounds and shapes.

Swimming against the tide, the protagonist blazes new trails that transform his routine into something new, and by introducing narrative obstacles (represented here by an intricate and intriguing creative dance process, which plays a crucial role in the overall concept... because this is how much of the narrative is constructed) to increasingly challenging and bizarre levels, the mission becomes increasingly difficult.

The psychological tone of the plot revolves around the obsession of a man who idealizes a woman in his mind, as if she were part of a deep dream, somehow "unfinished." This idea ultimately fuels an entire narrative cycle that can be interpreted as the conclusion of the script, which doesn't shy away from introducing concepts seen within philosophical behaviors (this aspect being the “bolder" aspect of the plot, as it departs from common sense).

Although the script is narratively weak, I enjoyed the essence of what's on screen, because it was the way all the events were filmed that ultimately stands out. The plot follows a simple concept, but the execution of the idea is truly visually hypnotic, and even a bit transgressive within its proposed sound (which, by the way, deserves all possible credit, as the soundtrack plays an essential role in this plot).

The frenetic physical movements are almost like an orchestra of feelings materialized through dance, within an elegant and visceral perspective. Both through the movements, choreographed with clear creativity, and through the ability to condense different emotions through the enigmatic "strangeness" of a frenetic dance, the script was quite assertive throughout this entire construction, which can also be interpreted as a search for freedom.

Anima features Thom Yorke as an intimate character, and alongside performer Dajana Roncione, he stars in the most expressive moments of this story that attempts to find the reason for its very existence in the cyclical effect of human nature. Paul Thomas Anderson has done a remarkable job here, using extensive music, color, dance, set design, and filming techniques that will surely please even the most discerning audience.

Images Source: SheSnake – Tumblr.

Sinopsis: Entregar una simple lonchera en medio de una estación de metro a una persona desconocida nunca había sido tan difícil como en esta inconmensurable aventura "psicodélica" (llena de momentos visualmente peculiares).

¿Has pensado alguna vez en tu rutina? ¿Cómo encajas en ella? ¿Te aporta algo positivo? ¿La idea de tener una rutina es algo ligero o pesado? Sin una rutina, ¿cómo sería tu día a día? Quizás, al responder a estas preguntas, obtengas una comprensión más amplia de todos los mensajes que ofrece este cautivador cortometraje musical. En todo lo que no percibimos a nuestro alrededor, reside el "ruido" de la experiencia.

Este audaz proyecto dura menos de 15 minutos, sin una sola línea pronunciada por ninguno de sus personajes (que, por cierto, solo son dos). Se basó en gran medida en sus impresionantes visuales y logró un resultado artístico que, al menos para mí, fue sorprendente. En la trama, el público sigue el "viaje" de un hombre común y corriente (interpretado por el inglés Thom Yorke, vocalista de la banda de rock Radiohead) en una misión "peculiar".

Armado con la intención de entregar una lonchera a una mujer que vio en un vagón de metro, lo que debería ser un acto simple y cotidiano termina convirtiéndose en una verdadera búsqueda de "algo" por lograr a toda costa. Desde sus primeros segundos, este proyecto ya marca su tono (con un enfoque frenético y colorido), basado en una especie de "paisaje onírico distópico" que se "diluye" gradualmente entre colores, sonidos y formas.

A contracorriente, el protagonista abre nuevos caminos que transforman su rutina en algo nuevo, y al introducir obstáculos narrativos (representados aquí por un intrincado e intrigante proceso de danza creativa, crucial para el concepto general, ya que así se construye gran parte de la narrativa) a niveles cada vez más desafiantes y extraños, la misión se vuelve cada vez más difícil.

El tono psicológico de la trama gira en torno a la obsesión de un hombre que idealiza a una mujer, como si fuera parte de un sueño profundo, de alguna manera "inacabado". Esta idea alimenta todo un ciclo narrativo que puede interpretarse como la conclusión del guion, que no rehúye la introducción de conceptos presentes en comportamientos filosóficos (siendo este aspecto el más "audaz" de la trama, ya que se aleja del sentido común).

Aunque el guion es narrativamente flojo, disfruté de la esencia de lo que se ve en pantalla, ya que la forma en que se filmaron todos los eventos es lo que realmente destaca. La trama sigue un concepto simple, pero la ejecución de la idea es visualmente hipnótica, e incluso un poco transgresora en su propuesta sonora (lo cual, por cierto, merece todo el crédito, ya que la banda sonora juega un papel esencial en esta trama).

Los frenéticos movimientos físicos son casi como una orquesta de sentimientos materializados a través de la danza, desde una perspectiva elegante y visceral. Tanto por los movimientos, coreografiados con clara creatividad, como por la capacidad de condensar diferentes emociones mediante la enigmática "extrañeza" de una danza frenética, el guion fue bastante asertivo a lo largo de toda esta construcción, que también puede interpretarse como una búsqueda de libertad.

Anima presenta a Thom Yorke como un personaje íntimo, y junto a la intérprete Dajana Roncione, protagoniza los momentos más expresivos de esta historia que busca encontrar la razón de su existencia en el efecto cíclico de la naturaleza humana. Paul Thomas Anderson ha realizado un trabajo excepcional, utilizando una amplia gama de música, color, danza, escenografía y técnicas de filmación que sin duda complacerán incluso al público más exigente.

Sinopse: Entregar uma simples lancheira em meio à uma estação de metrô para alguém até então desconhecido, nunca foi algo tão desafiador quanto nesta imensurável aventura “psicodélica” (cheia de momentos visualmente peculiares).

Você já pensou sobre à sua rotina? Como você está inserido dentro dela? Isso é algo que te agrega algo de positivo? A ideia de ter uma rotina é algo leve ou pesado? Sem ter uma rotina, como seria o seu dia-a-dia? Talvez, respondendo a essas perguntas, você consiga ter uma compreensão mais ampla sobre todas as mensagens que este cativante curta-metragem musical tem para te oferecer. Em tudo o que não percebemos ao nosso redor, reside o “barulho” da vivência.

Este projeto audacioso tem menos de 15 minutos de duração, não existe nenhuma única fala sequer saindo boca de nenhum dos seus personagens (que aliás, são apenas dois), apostou tudo no seu aspecto visual estonteante e entregou um resultado artístico que, ao menos para mim, foi surpreendente. Na trama, o público acompanha a “jornada” de um homem comum (interpretado pelo inglês Thom Yorke, vocalista da banda de rock Radiohead) numa missão “peculiar”.

Munido da intenção de entregar uma lancheira para uma mulher que ele viu em um vagão de metrô, o que seria uma simples atitude de um dia qualquer acaba se tornando uma verdadeira busca por “algo” a ser conquistado a todo custo. Desde os seus primeiros segundos, este projeto já diz qual será o seu tom (com uma abordagem frenética e colorida), sendo pautado dentro de uma espécie de “onirismo distópico” que vai sendo “diluído” em meio a cores, sons e formas.

Nadando contra a maré, o protagonista vai desbravando caminhos que fazem da sua rotina algo inédito, e trazendo os obstáculos narrativos (que aqui são representados por um intricado e interessante processo criativo de dança, que tem um peso essencial dentro de toda a ideia... porque é dessa maneira que grande parte da narrativa vai sendo construída) em níveis cada vez mais desafiadores e estranhos pelo dinamismo, a missão vai se tornando em algo muito mais difícil.

O tom psicológico da trama orbita a ideia fixa de um homem que idealiza na sua mente a figura de uma mulher, como se ela fosse parte de um sonho profundo, que de alguma maneira está “inacabado”. Essa ideia acaba alimentando todo um ciclo narrativo que pode ser interpretado como a conclusão do roteiro, que não se priva de inserir conceitos vistos dentro de comportamentos filosóficos (sendo este aspecto o lado mais “ousado” da trama, por fugir do senso comum).

Embora o roteiro seja narrativamente fraco, eu gostei da essência do que está na tela, porque foi a maneira como todos os eventos foram filmados que acaba sendo o grande destaque aqui. A construção da trama segue um conceito simples, mas a execução da ideia é mesmo algo visualmente hipnótico, e até um pouco transgressor dentro da sua proposta de sonoridade (que aliás, merece todos os méritos possíveis, porque a trilha sonora tem um papel essencial nesta trama).

O frenesi dos movimentos físicos é quase como uma orquestra de sentimentos materializados através da dança, dentro de uma perspectiva elegante e visceral. Tanto pelos movimentos que foram coreografados com uma nítida criatividade quanto pela capacidade de condensar diferentes emoções através da “estranheza” enigmática de uma dança frenética, o roteiro foi bem assertivo em toda essa construção, que pode ser interpretada também com uma busca por liberdade.

Anima traz Thom Yorke na pele de um personagem intimista, e ao lado da performer Dajana Roncione, protagoniza os momentos mais expressivos dentro desta história que tenta encontrar no efeito cíclico da natureza humana à razão de da sua própria existência. Paul Thomas Anderson fez um trabalho muito relevante aqui, usando e abusando da música, de cores, da dança, da cenografia, e de métodos de filmagens que certamente irão agradar até o público mais exigente.

Synopsis: What was supposed to be a pleasant evening during a reunion for eight friends ends up becoming the worst collective experience they've ever had, and all of this can be explained by the passage of a comet past the planet, which can cause controversial changes in human behavior.

One of the things I love most about watching a movie is how much it can surprise me, and that's exactly what this project manages to do (which, by the way, does so intentionally, right from its very title... because this story can have absolutely everything, except coherence within its rather chaotic essence). In a genuine and intriguing way, the script peels back narrative layers, inviting the audience to pay attention to every detail of the plot, even the simplest (and seemingly trivial) details.

It all begins when a group of eight friends reunite over dinner. What was supposed to be another fun and enjoyable evening turns into something completely unexpected when the proximity of a celestial body (a comet) orbiting Earth becomes the focus of their attention, triggering unexplained behavior that will confront them with some previously unimaginable surprises. The narrative unfolds slowly, but gradually gains weight (and form) within a rhythm driven by paranoia.

The script's "narrative mountaineering" flirts with different ideas to explain the "quite psychedelic and astrophysical journey" that gradually builds into the plot. The dramatic bias is interesting, although it is not something that is very well-developed (being just a backdrop to try to “stretch” the pages of the script a little, which by the way... do not reach 85 minutes of movie), but fortunately the script has other aspects that maintain the viewer's interest in what is being developed, and the strongest of them is the climate of tension and lack of answers.

Just like the characters in this movie themselves, I think (at least initially) it's difficult for the audience to buy into what's happening. Everything is incredibly absurd, but at the same time, it's made believable by the historical and physical insertions mentioned within the script. Therefore, once everything starts to make sense, it's possible to have a better experience watching this movie unfold before our eyes, with situations that defy all logical explanations (and this is precisely where the project finds its greatest strength: provoking the audience).

The dinner begins to become truly chaotic as unexplained events become increasingly recurrent, bringing about situations that expose the characters to previously hidden realities. The suspense remains latent, and the psychological aspect gains more relevance whenever the plot relies on the expansion of parallel subplots (although this is used only as a device to accommodate all the characters within the same dense narrative). Immersed in the search for explanations, the characters are drawn into a claustrophobic plot.

Technically, the budget is very low, and ironically, this makes the visual aspect of the project much more interesting. The filming style creates a somewhat voyeuristic atmosphere, where the audience becomes a part of the movie, but without actually being part of it (although always on the lookout for events, acting as a third party, essential to creating a sense of immersion). The editing is raw (very sharp cuts, by the way), the soundtrack is minimalist, the photography is simple, and the set design is limited to a few settings.

The cast doesn't feature any well-known names, but it's very effective within the project's scope. The development of their respective characters isn't very well distributed, and the greatest weight falls on a single character, who ends up being the "key" to unraveling what's really going on. Between painful and very bitter truths tied to reflections of our daily lives, the plot makes a kind of “case study” about social relations, which is not bold enough to be more relevant (although in essence it is great and really quite thought-provoking).

Coherence is the kind of movie that uses an unusual plot device for the genre it represents, because using quantum physics to create an immersive narrative that blends drama and suspense is atypical. This uniqueness is explored by director James Ward Byrkit (who wrote the screenplay alongside Alex Manugian), and although there are many situations without further explanation, the movie truly piques viewers' curiosity because there's a frightening element of surprise involved, and it's related precisely to human behavior.

Sinopsis: Lo que se suponía que sería una velada agradable durante una reunión de ocho amigos termina convirtiéndose en la peor experiencia colectiva de su vida, y todo esto se explica por el paso de un cometa cerca del planeta, que puede causar cambios controvertidos en el comportamiento humano.

Una de las cosas que más me gusta de ver una película es lo mucho que puede sorprenderme, y eso es precisamente lo que este proyecto consigue (y, por cierto, lo hace intencionadamente, desde su mismo título... porque esta historia puede tener absolutamente todo, menos coherencia dentro de su esencia bastante caótica). De forma genuina e intrigante, el guion desvela las capas narrativas, invitando al público a prestar atención a cada detalle de la trama, incluso a los más simples (y aparentemente triviales).

Todo comienza cuando un grupo de ocho amigos se reúne para cenar. Lo que se suponía que sería una velada divertida y placentera se convierte en algo completamente inesperado cuando la proximidad de un cuerpo celeste (un cometa) orbitando la Tierra se convierte en el centro de su atención, desencadenando un comportamiento inexplicable que los enfrentará a sorpresas inimaginables. La narrativa se desarrolla lentamente, pero gradualmente gana peso (y forma) a un ritmo impulsado por la paranoia.

El "alpinismo narrativo" del guion coquetea con diferentes ideas para explicar el "viaje psicodélico y astrofísico" que se desarrolla gradualmente en la trama. El sesgo dramático es interesante, aunque no está muy bien desarrollado (siendo solo un telón de fondo para intentar "estirar" un poco las páginas del guion, que por cierto... no llegan a los 85 minutos de película), pero afortunadamente el guion tiene otros aspectos que mantienen el interés del espectador en lo que se está desarrollando, y el más fuerte de ellos es el clima de tensión y la falta de respuestas.

Al igual que los propios personajes de esta película, creo (al menos al principio) que al público le cuesta comprender lo que sucede. Todo es increíblemente absurdo, pero a la vez, resulta creíble gracias a las inserciones históricas y físicas mencionadas en el guion. Por lo tanto, una vez que todo empieza a tener sentido, es posible disfrutar de una mejor experiencia viendo cómo se desarrolla la película ante nuestros ojos, con situaciones que desafían toda explicación lógica (y es precisamente aquí donde el proyecto encuentra su mayor fortaleza: provocar al público).

La cena se vuelve verdaderamente caótica a medida que los sucesos inexplicables se vuelven cada vez más recurrentes, dando lugar a situaciones que exponen a los personajes a realidades previamente ocultas. El suspense permanece latente, y el aspecto psicológico cobra mayor relevancia cada vez que la trama se apoya en la expansión de subtramas paralelas (aunque esto se utiliza solo como un recurso para acomodar a todos los personajes dentro de la misma narrativa densa). Inmersos en la búsqueda de explicaciones, los personajes se ven arrastrados a una trama claustrofóbica.

Técnicamente, el presupuesto es muy bajo, lo que, irónicamente, hace que el aspecto visual del proyecto sea mucho más interesante. El estilo de rodaje crea una atmósfera algo voyerista, donde el público se convierte en parte de la película, pero sin serlo realmente (aunque siempre atento a los acontecimientos, actuando como un tercero, esencial para crear una sensación de inmersión). El montaje es crudo (cortes muy precisos, por cierto), la banda sonora es minimalista, la fotografía es sencilla y la escenografía se limita a unos pocos escenarios.

El reparto no incluye nombres conocidos, pero resulta muy efectivo dentro del alcance del proyecto. El desarrollo de sus respectivos personajes no está muy bien distribuido, y el mayor peso recae en un solo personaje, que termina siendo la "clave" para desentrañar lo que realmente está sucediendo. Entre verdades dolorosas y muy amargas ligadas a reflexiones de nuestra vida cotidiana, la trama constituye una especie de "caso de estudio" sobre las relaciones sociales, que no es lo suficientemente audaz como para ser más relevante (aunque en esencia es genial y realmente bastante provocador).

Coherence es el tipo de película que utiliza un recurso argumental inusual para el género que representa, ya que usar la física cuántica para crear una narrativa inmersiva que combina drama y suspenso es atípico. Esta singularidad es explorada por el director James Ward Byrkit (quien escribió el guion junto a Alex Manugian), y aunque hay muchas situaciones sin mayor explicación, la película realmente despierta la curiosidad del espectador porque implica un elemento de sorpresa aterrador, relacionado precisamente con el comportamiento humano.

Sinopse: O que era apenas para ser uma noite agradável durante um reencontro de oito amigos, acaba se tornando na pior experiência coletiva que eles já tiveram, e tudo isso pode ser explicado pela passagem de um cometa pelo planeta, que pode causar mudanças controversas nos comportamentos dos seres humanos.

Uma das coisas que eu mais gosto de sentir quando eu estou assistindo a um filme, é o quanto ele pode me surpreender e isso é exatamente o que este projeto consegue fazer (que por sinal, faz isso de maneira proposital desde o seu próprio título... porque essa história pode ter absolutamente tudo, menos uma coerência dentro de toda sua essência bastante caótica). De uma maneira genuína e intrigante, o roteiro vai descascando camadas narrativas que convidam o público a prestar atenção em todos os detalhes da trama, até mesmo naqueles detalhes mais simples (e aparentemente fúteis).

Tudo começa quando um grupo de oito amigos se reencontram durante um jantar, mas o que era para ser outra noite divertida e agradável, acaba se tornando em algo totalmente inesperado quando a proximidade de um corpo celestial (um cometa), que está na órbita do planeta Terra, se torna o foco da atenção deles, despertando comportamentos de tons inexplicáveis, e que vão colocá-los frente à frente com algumas surpresas antes nunca imaginadas. A narrativa se apresenta de um jeito lento, mas gradualmente vai ganhando peso (e forma) dentro de um ritmo pautado na paranoia.

O “alpinismo narrativo” no qual o roteiro se apoia, flerta com diferentes tipos de ideias para explicar a “viagem bastante psicodélica e astrofísica” que, pouco a pouco, vai construído à trama. O viés dramático é interessante, embora não seja algo tão bem aprofundado (sendo apenas um pano de fundo para tentar “esticar” um pouco as páginas do roteiro, que por sinal... não chegam a 85 minutos de filme), mas felizmente o roteiro tem outros aspectos que mantém o interesse do telespectador sobre o que está sendo desenvolvido, e o mais forte deles é o clima de tensão e ausência de respostas.

Assim como os próprios personagens deste filme, eu penso que (ao menos inicialmente) é difícil para o público comprar a ideia do que está acontecendo. Tudo é muito absurdo, mas ao mesmo tempo, se torna crível pelas inserções histórias e físicas que são mencionadas dentro do roteiro. Sendo assim, uma vez que tudo começa a fazer sentido, é possível ter uma melhor experiência ao assistir este filme acontecendo diante dos nossos olhos com situações que desafiam todos os aspectos de explicações lógicas (e é precisamente aqui que o projeto encontra à sua maior força: provocar o público).

O jantar começa a ficar realmente caótico à medida em que eventos inexplicáveis vão sendo cada vez mais recorrentes, trazendo situações que vão fazendo os personagens serem expostos a realidades até então escondidas. O suspense se mantém como algo latente, e o aspecto psicológico ganha mais relevância sempre que à trama aposta na expansão de subtramas paralelas (ainda que use isso apenas como um artifício para poder usar todos os personagens dentro dessa mesma narrativa densa). Imersos na busca por explicações, os personagens são tragados por uma trama claustrofóbica.

Tecnicamente, o orçamento é muito baixo, e ironicamente isso faz com que o aspecto visual do projeto seja muito mais interessante. O estilo da filmagem traz uma atmosfera um tanto quanto “voyeur”, onde o público fica sendo uma parte do filme, mas sem de fato estar dentro dele (mas sempre à espreita dos acontecimentos, atuando como uma terceira pessoa que é essencial para trazer a sensação de imersão dentro dos eventos). A edição de cenas é “crua” (cortes bem secos, por sinal), a trilha sonora é bem minimalista, a fotografia é simples e a cenografia é “restrita” a poucos cenários.

O elenco não traz nenhum nome muito conhecido, mas é muito eficiente dentro da proposta do projeto. A construção dos seus respectivos personagens não é muito bem distribuída, e o peso maior fica apenas com uma única personagem, que acaba sendo a “chave-metra” para desvendar o que realmente está acontecendo. Entre verdades dolorosas e bem amargas amarradas a reflexos do nosso cotidiano, a trama faz uma espécie de “estudo de caso” sobre relações sociais, que não é ousado o suficiente para ser mais relevante (embora à sua essência seja ótima e realmente bem provocante).

Coerência é o tipo de filme que faz uso de um argumento pouco comum para o gênero que representa, porque usar a física quântica para criar uma imersão narrativa que mistura drama e suspense é algo atípico. Toda essa peculiaridade é explorada pelo diretor James Ward Byrkit (que escreveu o roteiro ao lado de Alex Manugian), e ainda que haja muitas situações sem maiores explicações, o filme realmente desperta a curiosidade de quem o está assistindo porque há um elemento surpresa assustador no meio dessa equação, e ele está relacionado justamente ao comportamento humano.

Synopsis: Bill and Hall are twin brothers who, after finding an old toy monkey that belonged to their father, must deal with a series of horrific deaths that begin to occur around them. In their attempt to get rid of the toy, the brothers grow apart, but they reunite under unexpected circumstances.

Every horror movie that features an inanimate object as its main threat bestows upon this antagonist certain characteristics (physical or behavioral) that make them somewhat unique. This is almost like a trademark in this movie genre, because it's through this trait that the audience can more easily recognize the fear that inhabits that character. In this movie's case, we have a toy monkey with bulging eyes and a pair of drumsticks, which, when struck on a drum, randomly "choose" the people to be murdered.

The toy's "peculiar" appearance truly stands out throughout the movie, even though it's only seen in a few scenes, always maintaining its "imposing" presence as the main threat. The toy's "macabre smile" also helps establish its identity, making this "graphic" aspect of the project a fun watch. This context is well-crafted, and the script capitalizes on it (although it could have done so in a much more interesting way), but the project's positive aspects end there, as everything else is quite tedious.

In the plot, when two twin brothers (Bill and Hall) rummage through their father's old belongings, they find a toy monkey. It doesn't take long for one of them to realize something is wrong when unusual deaths begin to occur around them. Literally, every time someone winds up the toy, the monkey chooses to brutally "murder" someone. When the brothers decide to get rid of the toy, they end up separating and growing up on opposite sides, meeting again years later under horrific circumstances.

The script for this movie is one of the most disjointed and uninteresting things I've ever seen, and I even refuse to believe it's based on a Stephen King short story (which it is, but I'd rather not believe that, and I'll eventually read this story just to make sure it's true). Narratively speaking, nothing works well here, and even though the essence of the plot is diabolically entertaining (something that reminds me of good productions from the 80s and 90s), the result of this project's execution is deplorable from its chaotic beginning.

It all begins with a brief, seemingly didactic explanation of the origin of the "demonic monkey," but everything that follows is a jumble of absurd situations "masked" with a type of dark humor that is anything but effective. The script even tries to play with everyday situations to create “horror gore” scenes with heavier weight and form, but all this plot managed to “pull” out of me were brief moments of involuntary laughter within a context that should have been taken more seriously to become something terrifying within its scope.

No plausible explanation is given to the audience about the monkey's origins, how it was made, or why it's "cursed". There's only a preposterous plot twist to try to justify what kept the two brothers apart for so many years. Amidst all this, there's still room to address some family dilemmas with the depth of a saucer, and all of this is fueled by extremely poor and empty dialogue, delivered entirely by a cast of characters lacking a shred of charisma, which makes this movie even more tedious to watch.

Theo James is the "big name" in the cast, playing a doubly cartoonish and poorly constructed role (as is the rest of the cast, which also includes Adam Scott and Elijah Wood in rather embarrassing cameos). Overall, all the characters are boring and constructed within the well-worn conventions that embrace this movie genre (but here, the use of them is clearly misplaced). Everything gets worse when they need to interact with each other, showing how bad their entire construction is (made even worse by their weak performances).

The Monkey is a flawed blend of horror and comedy ("disguised" as dark humor) that relies on a gory tone (ineffective, because it becomes very banal as the narrative unfolds... nullifying its visual impact, which, by the way, features digital and practical effects of dubious quality) to try to impact the audience, but all it manages to do is waste time. Osgood Perkins directed and wrote this project, and all I wonder is how he managed to star in this doubly bad work. Everything would have been "less bad" if it had been a short movie.

Sinopsis: Bill y Hall son hermanos gemelos que, tras encontrar un viejo mono de juguete que perteneció a su padre, deben lidiar con una serie de muertes horribles que comienzan a ocurrir a su alrededor. En su intento por deshacerse del juguete, los hermanos se distancian, pero se reencuentran en circunstancias inesperadas.

Toda película de terror que presenta un objeto inanimado como su principal amenaza otorga a este antagonista ciertas características (físicas o de comportamiento) que lo hacen único. Esto es casi una marca registrada en este género cinematográfico, ya que es a través de este rasgo que el público puede reconocer más fácilmente el miedo que habita en ese personaje. En el caso de esta película, tenemos un mono de juguete con ojos saltones y un par de baquetas que, al golpearlas con un tambor, "eligen" al azar a las personas que serán asesinadas.

La peculiar apariencia del juguete destaca a lo largo de la película, aunque solo aparece en unas pocas escenas, manteniendo siempre su imponente presencia como principal amenaza. Su macabra sonrisa también contribuye a establecer su identidad, haciendo de este aspecto gráfico del proyecto una experiencia entretenida. Este contexto está bien elaborado y el guion lo aprovecha al máximo (aunque podría haberlo hecho de forma mucho más interesante), pero ahí terminan los aspectos positivos, ya que todo lo demás resulta bastante tedioso.

En la trama, cuando dos hermanos gemelos (Bill y Hall) hurgan entre las viejas pertenencias de su padre, encuentran un mono de juguete. Uno de ellos no tarda en darse cuenta de que algo anda mal cuando empiezan a ocurrir muertes inusuales a su alrededor. Literalmente, cada vez que alguien le da cuerda al juguete, el mono decide "asesinar" brutalmente a alguien. Cuando los hermanos deciden deshacerse del juguete, terminan separándose y creciendo en bandos opuestos, reencontrándose años después en circunstancias terribles.

El guion de esta película es uno de los más inconexos y aburridos que he visto, e incluso me niego a creer que esté basado en un cuento de Stephen King (que sí lo está, pero prefiero no creerlo, y eventualmente leeré esta historia solo para asegurarme de que es cierta). Narrativamente hablando, nada funciona bien, y aunque la esencia de la trama es diabólicamente entretenida (algo que me recuerda a las buenas producciones de los 80 y 90), el resultado de la ejecución de este proyecto es deplorable desde su caótico comienzo.

Todo comienza con una breve explicación, aparentemente didáctica, del origen del "mono demoníaco", pero todo lo que sigue es un batiburrillo de situaciones absurdas "enmascaradas" con un humor negro que es todo menos efectivo. El guión incluso intenta jugar con situaciones cotidianas para crear escenas de “horror gore” con mayor peso y forma, pero todo lo que esta trama logró “sacar” de mí fueron breves momentos de risa involuntaria dentro de un contexto que debería haberse tomado más en serio para convertirse en algo aterrador dentro de su alcance.

No se da ninguna explicación plausible al público sobre el origen del mono, cómo se creó ni por qué está "maldito". Solo hay un plot twist débil para intentar justificar lo que mantuvo separados a los dos hermanos durante tantos años. En medio de todo esto, todavía hay espacio para abordar algunos dilemas familiares con una profundidad inaudita, y todo ello se ve alimentado por diálogos extremadamente pobres y vacíos, interpretados en su totalidad por un elenco de personajes carentes de un ápice de carisma, lo que hace que esta película sea aún más tediosa de ver.

Theo James es el "nombre estrella" del reparto, interpretando un papel doblemente caricaturesco y mal construido (al igual que el resto del reparto, que también incluye a Adam Scott y Elijah Wood en cameos bastante vergonzosos). En general, todos los personajes son aburridos y están construidos dentro de las convenciones habituales de este género cinematográfico (pero aquí, su uso está claramente fuera de lugar). Todo empeora cuando necesitan interactuar entre ellos, mostrando lo mala que es toda su construcción (empeorando aún más sus débiles actuaciones).

The Monkey es una mezcla defectuosa de terror y comedia (disfrazada de humor negro) que recurre a un tono sangriento (ineficaz, pues se vuelve banal a medida que avanza la narrativa, anulando su impacto visual, que, por cierto, incluye efectos digitales y prácticos de dudosa calidad) para intentar impactar al público, pero lo único que consigue es perder el tiempo. Osgood Perkins dirigió y escribió este proyecto, y me pregunto cómo logró protagonizar esta obra doblemente mala. Todo habría sido menos malo si hubiera sido un cortometraje.

Sinopse: Bill e Hall são dois irmãos gêmeos, que após encontrarem um antigo macaco de brinquedo que pertencia ao pai deles, precisam lidar com uma série de mortes horríveis que começam a acontecer ao redor deles. Na tentativa de se livrarem do brinquedo, os irmãos acabam se distanciando, mas se reencontram em circunstâncias inesperadas.

Todo filme de horror que traz como sua principal ameaça algum objeto inanimado, confere a este antagonista algumas características (físicas ou comportamentais) que o torna em algo relativamente peculiar. Isso é quase como uma marca registrada neste gênero cinematográfico, porque é através dela que o público pode reconhecer mais facilmente o medo que habita aquele personagem. No caso deste filme, temos um macaco de brinquedo com olhos bem esbugalhados, e um par de baquetas, que quando tocam em um tambor, aleatoriamente “escolhe” as pessoas que vão ser assassinadas.

O visual “peculiar” do brinquedo realmente consegue se destacar ao longo do filme, ainda que ele seja visto em poucas cenas, mas sempre mantendo à sua “imponência” como ameaça principal. O “sorriso macabro” do brinquedo também ajuda a criar a identidade do mesmo, tornando essa parte “gráfica” do projeto em algo divertido de ser assistido. Esse contexto é bem produzido, e o roteiro consegue tirar proveito dele (ainda que pudesse ter feito isso de um jeito muito mais interessante), mas os pontos positivos do projeto acabam por aqui, porque todo o restante é bastante entediante.

Na trama, quando dois irmãos gêmeos (Bill e Hall) vasculham pertences antigos do pai deles, eles acabam encontrando um macaco de brinquedo, e não demora muito para que um deles perceba que algo está errado quando mortes muito inusitadas começam a acontecer ao redor deles. Literalmente, a cada que vez alguém decide dar corda no brinquedo, o macaco escolhe “assassinar” uma pessoa de maneira brutal. Quando os irmãos decidem então se livrar do brinquedo, eles acabam se separando e crescendo em lados opostos, reencontrando-se anos depois em circunstâncias medonhas.

O roteiro é deste filme é uma das coisas mais bagunçadas e desinteressantes que eu já vi, e eu até me recuso a acreditar que ele seja baseado em um conto do Stephen King (o que de fato ele é, mas prefiro continuar a não acreditar nisso e eventualmente irei acabar lendo este conto apenas para me certificar de que isso é verdade). Narrativamente falando, nada funciona direito aqui, e mesmo que a essência da trama seja diabolicamente divertida (algo que me lembra boas produções das décadas de 80 e 90), o resultado da execução desse projeto é algo deplorável desde o seu início caótico.

Tudo começa com uma breve explicação aparentemente didática sobre a origem do “macaco demoníaco”, mas tudo o que vem depois é um amontado de situações absurdas “maquiadas” por um tipo de humor negro que não de eficiente não tem nada. O roteiro até tenta brincar com situações cotidianas para criar cenas de “horror gore” com peso e forma mais pesados, mas tudo que essa trama conseguiu “arrancar” de mim foram breves momentos de risadas involuntárias dentro de um contexto que deveria ter sido levado mais a sério para se tornar algo aterrorizante dentro do seu escopo.

Nenhuma explicação plausível sobre a origem do macaco, como ele foi feito ou porque ele é “amaldiçoado” é entregue ao público, há apenas um plot twist estapafúrdio para tentar justificar o que manteve os dois irmãos separados por tantos anos. No meio disso tudo, ainda há espaço para tratar de alguns dilemas familiares com a profundidade de um pires e tudo isso é alimentado por diálogos extremamente pobres e vazios, sendo totalmente replicados por uma gama de personagens sem um pingo de carisma sequer, o que torna este filme em algo ainda mais maçante de ser assistido.

Theo James é o “grande nome” no elenco, fazendo um papel duplamente cartunesco e mal construído (assim como o restante do elenco, que ainda traz Adam Scott e Elijah Wood em pequenas participações especiais bem vergonhosas). De modo geral, todos os personagens são chatos e são construídos dentro das já conhecidas convenções que abraçam este gênero cinematográfico (mas aqui, o uso é nitidamente equivocado). Tudo piora quando eles necessitam interagir entre si, mostrando como toda a construção deles é muito ruim (ficando ainda pior por causa das performances fracas).

O Macaco é uma mistura falha de terror e comédia (“disfarçada” de humor negro) que apela para o tom sanguinolento (ineficiente, porque se torna muito banal ao longo do desenvolvimento narrativo... anulando seu impacto visual, que aliás, traz efeitos digitais e práticos de qualidade duvidosa) para tentar impactar o público, mas tudo o que ele consegue fazer é ser uma perda de tempo. Osgood Perkins dirigiu e escreveu este projeto, e tudo o que eu me pergunto é como ele conseguiu protagonizar esse trabalho duplamente ruim. Tudo teria sido “menos pior” se fosse um curta-metragem.

At the time, I spoke very highly of The Terminal List, the action series from three years ago. Wow! How time flies. I liked the series so much that I recommended it at the time, and since it's an adaptation of the first novel, which has so far spawned seven published books, they have enough material for several seasons. It has taken them a while to return to this action-packed universe, but the surprise is that, once again, we find ourselves with the characters created by writer Jack Carr, but in the form of a prequel. Being new material, Dark Wolf is not an adaptation of any of the novels, and the writer is also part of the production team.

If you wanted to see James Reece, that handsome, intelligent, super-strong soldier and killing machine, don't worry, you'll see him again, of course, although he doesn't cover the whole story, as this is a prequel focused on another important character from the first series: Ben Edwards. The former SEAL who ends up working for the CIA.

At the time of writing this post, I've seen the first four episodes, and that's enough to recommend it. Here we delve into Ben's life, getting to know him more deeply, which will lead us to understand him and know why he does what he does in the main series. He is a man of principles and ideals who truly wants to impart justice, protect, and, above all, values loyalty. How ironic. Loyalty. Anyone who has seen The Terminal List knows that all of that goes down the drain. Why? What made Ben change? We will be shown that whole process, all his struggles, disappointments, failures, and pain, and we will see this man's transformation.

No matter how many ideals you have, when life hits you, you end up giving up, because nothing matters anymore, because nothing you do is going to really change things. We are just pawns on a chessboard, and even though a pawn can kill a king, the game can start all over again. There is no hope. There will always be something more powerful pulling the strings than what they do. There are always other interests. It's a lost battle from the start.

En su momento, hablé muy bien de The Terminal List, la serie de acción de hace tres años. ¡Vaya! Cómo pasa el tiempo. Me gustó tanto la serie que la recomendé en su momento, y como se trata de una adaptación de la primera novela, que hasta ahora ha dado lugar a siete libros publicados, tienen material suficiente para varias temporadas. Les ha llevado un tiempo volver a este universo lleno de acción, pero la sorpresa es que, una vez más, nos encontramos con los personajes creados por el escritor Jack Carr, pero en forma de precuela. Al ser material nuevo, Dark Wolf no es una adaptación de ninguna de las novelas, y el escritor también forma parte del equipo de producción.

Si querías ver a James Reece, ese soldado guapo, inteligente y superfuerte, máquina de matar, no te preocupes, lo volverás a ver, por supuesto, aunque no cubre toda la historia, ya que se trata de una precuela centrada en otro personaje importante de la primera serie: Ben Edwards. El ex SEAL que acaba trabajando para la CIA.

En el momento de escribir este post, he visto los cuatro primeros episodios, y eso es suficiente para recomendarla. Aquí nos adentramos en la vida de Ben, conociéndolo más a fondo, lo que nos llevará a comprenderlo y a saber por qué hace lo que hace en la serie principal. Es un hombre de principios e ideales que realmente quiere impartir justicia, proteger y, sobre todo, valora la lealtad. Qué irónico. La lealtad. Cualquiera que haya visto The Terminal List sabe que todo eso se va al traste. ¿Por qué? ¿Qué hizo cambiar a Ben? Se nos mostrará todo ese proceso, todas sus luchas, decepciones, fracasos y dolor, y veremos la transformación de este hombre.

No importa cuántos ideales tengas, cuando la vida te golpea, acabas rindiéndote, porque ya nada importa, porque nada de lo que hagas va a cambiar realmente las cosas. Somos solo peones en un tablero de ajedrez, y aunque un peón puede matar a un rey, el juego puede empezar de nuevo. No hay esperanza. Siempre habrá algo más poderoso moviendo los hilos de lo que ellos hacen. Siempre hay otros intereses. Es una batalla perdida desde el principio.

Action and lots of testosterone. This is a series for supermachos, the kind that makes you want to grab a gun, go out screaming, and empty all your bullets into the bad guys when you finish the episode. There's no room for cowards here. It's a series for tough guys. American propaganda? Well, yes, but what's the problem? All I care about is that it's a good story.

Like the original The Terminal List, this series will receive negative reviews from all those who seem to hate heterosexual white men. All those progressives will say it's a sexist series about violent men, etc. Let them cry. The first one was well received by the public. These kinds of stories with a good dose of action are entertaining and have a large audience. This sequel builds on the success of the first one, and now I'm sure they're going to continue with the adaptation of the other novels.

Taylor Kitsch is the lead actor in this production. I remember that after the disaster that was the movie John Carter, I thought his acting career was over. Although he continues to work in film, I think it is in television series and miniseries where the actor has found his niche. True Detective, Waco, Once Upon a Time in the West, and his work in this saga of The Terminal List confirm this. Series are what he does best, and here he plays the antihero necessary for this story.

There is also a good cast that complements Kitsch's work. So far, Chris Pratt has only appeared in the first episode and the first half of the second, but I'm sure he'll be back in the final episodes, because everything that happens here, seven years before the original story, is connected. In this way, they want us to empathize with Ben, and even if we don't agree with what he does, we will understand his decisions.

Highly recommended. Look for it on Prime Video and let me know what you think in the comments.

Acción y mucha testosterona. Esta es una serie para supermachos, de esas que cuando terminas el episodio te dan ganas de agarrar un arma, salir gritando y vaciar todas tus balas en los malos. Aquí no hay lugar para cobardes. Es una serie para tipos duros. ¿Propaganda estadounidense? Bueno, sí, pero ¿cuál es el problema? Lo único que me importa es que sea una buena historia.

Al igual que la original The Terminal List, esta serie recibirá críticas negativas de todos aquellos que parecen odiar a los hombres blancos heterosexuales. Todos esos progresistas dirán que es una serie sexista, sobre hombres violentos, etc. Que lloren. La primera fue bien recibida por el público. Este tipo de historias con una buena dosis de acción son entretenidas y tienen un gran número de espectadores. Esta secuela se basa en el éxito de la primera, y ahora estoy seguro de que van a continuar con la adaptación de las otras novelas.

Taylor Kitsch es el actor principal de esta producción. Recuerdo que después del desastre que fue la película John Carter, pensé que su carrera como actor había terminado. Aunque sigue trabajando en el cine, creo que es en las series de televisión y miniseries donde el actor ha encontrado su nicho. True Detective, Waco, Once Upon a Time in the West y su trabajo en esta saga de The Terminal List lo confirman. Las series son lo que mejor se le da, y aquí interpreta al antihéroe necesario para esta historia.

También hay un buen reparto que complementa el trabajo de Kitsch. Hasta ahora, Chris Pratt solo ha aparecido en el primer episodio y en la primera mitad del segundo, pero estoy seguro de que volverá en los últimos episodios, porque todo lo que ocurre aquí, siete años antes de la historia original, está conectado. De esta manera, quieren que empatizamos con Ben, y aunque no aceptemos lo que hace, entenderemos sus decisiones.

Muy recomendable. Búscala en Prime Vídeo y cuéntame qué te parece en los comentarios.