The title makes you want to watch it, but after a few minutes you realise it was a mistake. There is no meaningful story to make you think or that fits with the title. Perhaps it is because it is a comedy-drama that should not be taken seriously, which for me does not work. I did not find the drama sad or funny, and the same goes for the parts that were supposed to be humorous.

Although I did not like the film, its plot is very interesting and something I would like to do. It is based on the story of two Jewish cousins who reunite after many years because they decided to spend a holiday together and take a trip to Poland, the country of their deceased grandmother, to visit tourist sites and reconnect with themselves and their family history. During the trip, they clash several times, but they manage to smooth things over and continue with their plans, as they have joined a group of tourists who are doing the same tour.

These cousins clash because of their different personalities. David is a father, husband, responsible, reserved, and Benji is spontaneous, eccentric, uncontrollable, and free, with no responsibilities or emotional control. He says what he thinks without filtering himself and without caring whether or not he hurts others. At first, Benji seemed like a person without empathy, but then I discovered that deep down he was very sensitive and had no control over his own emotions, often throwing childish tantrums as an adult.

In the end, these cousins get to know their grandmother's life story better and share anecdotes they experienced with her. They also express repressed emotions they had towards each other and decide not to separate again, leaving the viewer in doubt.

On several occasions, I was about to stop watching, but I kept going because of the visits to tourist sites and the history mentioned in them, the monuments they show, and even the music. Because of all these elements, I watched it until the end. I didn't see the drama or the comedy; rather, I felt stress and anxiety. It was released in 2024 and starred Kieran Culkin as Benji and Jesse Eisenberg as David. I don't recommend it, but if you have a connection to Poland, you're sure to like it.

Synopsis: Jane and Blanche Hudson were two of the most famous (and most sought-after) names in Hollywood cinema. However, fate had an unpleasant surprise in store for these two sisters, who must share the same house under the most controversial circumstances possible, daily challenging their psychological (and physical) health.

How far can an endless battle of egos take us? What are the causes of these acts in our lives? How can we choose the right side in such a situation? How can we find a way to resolve all the conflicts that arise in the face of such a corrosive and highly destructive "psychological bubble"? These are just some of the many other fascinating questions this movie throws at the audience, making them think deeply about different aspects of human behavior, especially how far it is possible to love those who only harm us (no matter how much love we give them... somehow, the root of evil will always be "planted" there).

+ 50 Anos de Filmes

In the plot (based on the book of the same name by Henry Farrell), a former child star in the competitive world of showbiz finds herself completely "trapped" in her own home (a somewhat "abandoned" Hollywood mansion) while having to care for her sister (who helped make her famous, but who became paraplegic after an accident). They have no choice but to live under the same roof, but in different circumstances. While Jane is free to go wherever she pleases, Blanche is highly dependent on Jane because she is wheelchair-bound. They were once very famous and sought-after actresses, but over the years they were forgotten, becoming ostracized and bitter.

The script, written by Henry Farrell and Lukas Heller, attempted to create (and did so very well, in fact) a relationship that provides a symbiotic, yet parasitic, narrative structure between the sisters. In a sea of resentments and unresolved situations from a past haunted by ghosts, Jane and Blanche have substantial verbal clashes, which favor the growth of dramatic tension in the plot, which gradually escalates until reaching a good peak at the end of the third act, but which until then is built within a somewhat slow pace, but always of satisfactory quality for investing heavily in the development of its excellent (and intense) duo of protagonists.

MUBI

There's a very tangible atmosphere of psychological terror throughout the entire plot, from the moment the movie shows Jane and Blanche as children to the moment they become grown women. Even though this time lapse isn't fully explored (in fact, this part of the script is extremely rushed, depriving the audience of a better understanding of some of the conflicts that prevent the two sisters from living more peacefully together in the same place), it's clear that the movie is about a major "settling of scores" between Jane and Blanche, amid the discrepancy in the actresses' fame (one more famous than the other) that separated them as sisters.

Held in a sort of "private prison," Blanche becomes a "hostage" to the whims of her "tormentor," Jane. The irony lies in the fact that, in reality, they both end up being prisoners in the same house (albeit from two completely different perspectives, which the audience must interpret and mentally process after the plot twist is revealed in the final minutes of the third act). I loved how the script managed to "play" with my expectations about what was actually happening. Literally, the plot "subverted" many things I was already imagining but that never happened, thus creating a great "surprise effect" that elevated the quality of the script.

I Hated Black And White Movies

The Hudson sisters attempt to relive their respective pasts through the memories that nourish their own present (and both do so in opposite ways). However, the script creates two distinct narrative threads here (such as Jane's plan to return to the stage), and the viewer inevitably develops a natural empathy for both characters. However, there's a suspense that's always maintained as the "driving force" of the plot (forcing the sisters to "choose" which side to defend in this emotional "tug-of-war"), which can only be fully analyzed after everything is truly over. Until that moment, everything is speculation.

Antagonistic situations permeate the script almost throughout the entire movie. This is quite an admirable feat, because it's precisely the duality of concepts, actions, and thoughts that ends up creating quite "parallel" "worlds" between Jane and Blanche. Thus, it's like watching two separate stories unfold (both with ego, envy, and resentment as arguments), yet at the same time, they're "tied" together by causalities imposed by their own decisions (even though both have their own motivations to remain "rivals" throughout their lives). Amidst all this, there's still room for brief touches of humor, with a prominent level of acidity.

Diary of a Movie Maniac

Robert Aldrich's directing is truly masterful, efficiently punctual in its nuances, and, moreover, brutally assertive in both its psychologically "noir" tone and the intensity of everything that happens in the plot (even though there are questionable actions that make it somewhat "unlikely"). Bette Davis and Joan Crawford deliver sensational performances, and the chemistry between them is literally surreal. Davis is mesmerizing from the moment she enters the scene (and remains so throughout the movie), and Crawford is very confident in all the emotions she must convey while playing a physically limited character.

Perhaps one of the few negatives (in terms of cast) this movie has is the group of characters that stand out as supporting characters. They had clear potential for growth, but ended up being underutilized, with insertions that had no major impact on the plot as a whole, and at times, they were also forgotten within the script as complicating factors, having been "discarded" in very escapist ways. Another aspect would be the limited set design, which isn't well-exploited to create better moments of tension and suspense in the plot (which obviously exist, and are great, but could have been even better if they were more numerous and intense).

Medium

What Ever Happened to Baby Jane? is a true classic of the '60s, reinforcing the cinematic legacy of a period still considered one of the greatest in cinematic history. Despite its relatively simple production (with a well-deserved highlight for the excellent soundtrack that intensifies every event), none of this prevented this movie from becoming a true classic, demonstrating that you don't need a "bloated" budget to produce a project of extreme quality. This is a true lesson in how to make quality movies, using human behavioral psychology as the "raw material" to discuss vitally important issues.

---

CRÍTICA DE PELÍCULA: “¿Qué fue de Baby Jane?” (1962)

Sinopsis: Jane y Blanche Hudson eran dos de los nombres más famosos (y más solicitados) del cine de Hollywood. Sin embargo, el destino les tenía preparada una desagradable sorpresa a estas dos hermanas, que deben compartir la misma casa en las circunstancias más controvertidas posibles, poniendo a prueba a diario su salud psicológica (y física).

¿Hasta dónde puede llevarnos una interminable batalla de egos? ¿Cuáles son las causas de estos actos en nuestras vidas? ¿Cómo podemos elegir el lado correcto en tal situación? ¿Cómo podemos encontrar la manera de resolver todos los conflictos que surgen ante una "burbuja psicológica" tan corrosiva y altamente destructiva? Estas son solo algunas de las muchas otras preguntas fascinantes que esta película plantea al público, haciéndoles reflexionar profundamente sobre diferentes aspectos del comportamiento humano, especialmente hasta qué punto es posible amar a quienes solo nos dañan (no importa cuánto amor les demos... de alguna manera, la raíz del mal siempre estará "plantada" allí).

En la trama (basada en el libro homónimo de Henry Farrell), una ex estrella infantil del competitivo mundo del showbiz se encuentra completamente atrapada en su propia casa (una mansión de Hollywood algo abandonada) mientras cuida de su hermana (quien la ayudó a hacerse famosa, pero que quedó parapléjica tras un accidente). No les queda más remedio que vivir bajo el mismo techo, pero en circunstancias diferentes. Mientras Jane es libre de ir a donde quiera, Blanche depende en gran medida de Jane, ya que está en silla de ruedas. En su día fueron actrices muy famosas y solicitadas, pero con el paso de los años fueron olvidadas, marginadas y amargadas.

El guion, escrito por Henry Farrell y Lukas Heller, intentó crear (y lo hizo muy bien, de hecho) una relación que proporciona una estructura narrativa simbiótica, pero a la vez parasitaria, entre las hermanas. En un mar de resentimientos y situaciones no resueltas de un pasado acosado por fantasmas, Jane y Blanche mantienen sustanciales enfrentamientos verbales, que favorecen el crecimiento de la tensión dramática en la trama, que va escalando hasta alcanzar un buen pico al final del tercer acto, pero que hasta entonces se construye dentro de un ritmo algo lento, pero siempre de satisfactoria calidad por invertir fuertemente en el desarrollo de su excelente (e intenso) dúo de protagonistas.

Hay una atmósfera de terror psicológico muy palpable a lo largo de toda la trama, desde que la película muestra a Jane y Blanche de niñas hasta que se convierten en mujeres adultas. Aunque este lapso de tiempo no se explora en su totalidad (de hecho, esta parte del guion es extremadamente apresurada, lo que impide al público comprender mejor algunos de los conflictos que impiden a las dos hermanas vivir juntas en paz), es evidente que la película trata sobre un importante ajuste de cuentas entre Jane y Blanche, en medio de la discrepancia en la fama de las actrices (una más famosa que la otra) que las separaba como hermanas.

Retenida en una especie de "prisión privada", Blanche se convierte en "rehén" de los caprichos de su "torturadora", Jane. La ironía reside en que, en realidad, ambas terminan prisioneras en la misma casa (aunque desde dos perspectivas completamente diferentes, que el público debe interpretar y procesar mentalmente tras el giro argumental revelado en los últimos minutos del tercer acto). Me encantó cómo el guion logró "jugar" con mis expectativas sobre lo que realmente estaba sucediendo. Literalmente, la trama "subvirtió" muchas cosas que ya imaginaba pero que nunca sucedieron, creando así un gran "efecto sorpresa" que elevó la calidad del guion.

Las hermanas Hudson intentan revivir sus respectivos pasados a través de los recuerdos que nutren su presente (y ambas lo hacen de forma opuesta). Sin embargo, el guion crea dos hilos narrativos distintos (como el plan de Jane de volver a los escenarios), y el espectador inevitablemente desarrolla una empatía natural por ambos personajes. Sin embargo, hay un suspense que siempre se mantiene como el motor de la trama (obligando a las hermanas a elegir qué bando defender en este tira y afloja emocional), que solo puede analizarse a fondo después de que todo haya terminado. Hasta ese momento, todo es especulación.

Las situaciones antagónicas impregnan el guion durante casi toda la película. Esto es una hazaña admirable, ya que es precisamente la dualidad de conceptos, acciones y pensamientos la que crea mundos bastante "paralelos" entre Jane y Blanche. Así, es como ver dos historias separadas (ambas con ego, envidia y resentimiento como argumentos), pero al mismo tiempo, están "conectadas" por las causalidades impuestas por sus propias decisiones (aunque ambas tienen sus propias motivaciones para seguir siendo "rivales" a lo largo de sus vidas). En medio de todo esto, todavía hay espacio para breves toques de humor, con un marcado nivel de acidez.

La dirección de Robert Aldrich es verdaderamente magistral, eficaz y puntual en sus matices, y, además, brutalmente asertiva tanto en su tono psicológicamente "noir" como en la intensidad de todo lo que sucede en la trama (aunque hay acciones cuestionables que la hacen un tanto " improbable"). Bette Davis y Joan Crawford ofrecen actuaciones sensacionales, y la química entre ellas es literalmente surrealista. Davis es fascinante desde el momento en que entra en escena (y lo sigue siendo durante toda la película), y Crawford se muestra muy segura de todas las emociones que debe transmitir al interpretar a un personaje físicamente limitado.

Quizás uno de los pocos puntos negativos (en cuanto al reparto) de esta película es el grupo de personajes que destacan como secundarios. Tenían un claro potencial de desarrollo, pero terminaron infrautilizados, con inserciones que no tuvieron un impacto significativo en la trama en general, y en ocasiones, también fueron olvidados dentro del guion como factores que complicaban la trama, siendo "descartados" de forma muy escapista. Otro aspecto sería la limitada escenografía, que no se aprovecha bien para crear mejores momentos de tensión y suspense en la trama (que obviamente existen y son geniales, pero podrían haber sido aún mejores si hubieran sido más numerosos e intensos).

¿Qué fue de Baby Jane? es un auténtico clásico de los 60, que refuerza el legado cinematográfico de un período que aún se considera uno de los más importantes de la historia del cine. A pesar de su producción relativamente sencilla (con un merecido reconocimiento por la excelente banda sonora que intensifica cada escena), nada de esto impidió que la película se convirtiera en un auténtico clásico, demostrando que no se necesita un presupuesto desorbitado para producir un proyecto de gran calidad. Esta es una auténtica lección de cómo hacer películas de calidad, utilizando la psicología del comportamiento humano como materia prima para abordar temas cruciales.

---

CRÍTICA DE FILME: “O que Terá Acontecido a Baby Jane?” (1962)

Sinopse: Jane e Blanche Hudson foram dois dos nomes mais famosos (e mais requisitados) do cinema hollywoodiano, no entanto, o destino reservou uma ingrata surpresa para essas duas irmãs, que precisam dividir a mesma casa sob as circunstâncias mais controversas possíveis, desafiando diariamente a saúde psicológica (e física) de ambas.

Até onde uma interminável briga de egos pode nos levar? Quais seriam todas as causas desses atos em nossas vidas? Como escolher o lado certo em uma situação assim? Como encontrar a saída para resolver todos os conflitos que são apresentados diante de uma “redoma psicológica” tão corrosiva e altamente destrutível? Essas são apenas algumas de tantas outras questões interessantíssimas que esse filme joga na cara do público, os fazendo pensar fortemente sobre diferentes aspectos do comportamento humano, principalmente, até onde é possível amar aqueles que só nos fazem mal (não importa o quanto amor nós damos a eles... de alguma maneira, a raiz do mal sempre vai estar “plantada” lá).

Na trama (que foi baseada no livro homônimo escrito por Henry Farrell), quando uma ex-estrela infantil do competitivo mundo do showbiz se vê totalmente “presa” em sua própria casa (uma mansão meio “abandonada” em Hollywood) ao ter que cuidar de sua irmã (que ajudou a torná-la famosa, mas que após um acidente ficou paraplégica), ambas não outra opção a não ser conviver sob o mesmo teto, mas em situações diferentes. Enquanto Jane é livre para ir onde ela quiser, Blanche é muito dependente de Jane, porque ela está em uma cadeira de rodas. No passado, elas foram atrizes muito famosas e requisitadas, mas ao longo dos anos foram esquecidas até cair no ostracismo, e se tornarem amargas.

O roteiro escrito pela dupla Henry Farrell e Lukas Heller tentou criar (e fez isso muito bem, aliás) uma relação que traz uma estrutura narrativa simbiótica, e ao mesmo tempo parasita, entre as suas irmãs. Em um mar de ressentimentos e situações mal resolvidas de um passado assombrado por fantasmas, Jane e Blanche tem embates verbais substanciais, que favorecem o crescimento da tensão dramática na trama, que gradualmente vai sendo escalada até atingir um bom ápice no final do terceiro ato, mas que até lá é construído dentro de um ritmo um tanto quanto lento, mas sempre de qualidade satisfatória por investir fortemente no desenvolvimento da sua excelente (e intensa) dupla de protagonistas.

Há uma atmosfera de terror psicológico que é muito “tangível” durante a trama por inteiro. Desde o momento em que o filme mostra a Jane e Blanche enquanto crianças, até o momento em que elas se tornam mulheres crescidas. Mesmo que essa passagem temporal não seja devidamente explorada (aliás, essa parte do roteiro é extremamente acelerada, privando o público de entender melhor alguns dos conflitos que impedem as duas irmãs de terem uma convivência mais pacífica em um mesmo lugar), é muito visível que o filme se trata sobre um grande “acerto de contas” entre Jane e Blanche, em meio a discrepância da fama de atrizes (uma mais famosa que a outra) que as separou enquanto irmãs.

Mantida dentro uma espécie de “cárcere privado”, Blanche se torna “refém” das vontades do seu “algoz”, Jane. A ironia fica por conta do fato que, na verdade, as duas acabam sendo prisioneiras dentro da mesma casa (ainda que por duas óticas completamente diferentes, que precisam ser interpretadas e mentalmente processas pelo público depois que o “plot twist” é revelado nos minutos finais do terceiro ato). Eu adorei como o roteiro consegui “brincar” com as minhas expectativas sobre o que de fato estava acontecendo. Literalmente, a trama “subverteu” muitas coisas que eu já estava imaginando, mas que nunca aconteceram, criando assim um ótimo “efeito surpresa” que elevou a qualidade do roteiro.

As irmãs Hudson tentam reviver os seus respectivos passados através das memórias que nutrem o momento presente das suas (e ambas fazem isso de maneiras opostas). No entanto, o roteiro cria duas linhas narrativas diferentes aqui (como destaque do plano de Jane em retornar aos palcos), e o telespectador inevitavelmente vai criando uma empatia natural pelas duas personagens, mas há um suspense que é sempre mantido como a “força motriz” da trama (forçando que haja a “escolha” de um dos lados a ser defendido entre as irmãs nesse “cabo de guerra” emocional), que só pode ser analisada por inteiro depois que tudo realmente acaba. Até o momento em que isso acontece, tudo é especulação.

Situações antagônicas permeiam o roteiro quase que durante o desenvolvimento do filme inteiro. Esse é um feito bem admirável, porque é justamente a dualidade de conceitos, ações e pensamentos que acaba criando “mundos” bastante “paralelos” entre Jane e Blanche. Sendo assim, é como assistir duas estórias separadas sendo desenvolvidas (ambas tendo ego, inveja e ressentimentos como argumentos), mas que ao mesmo tempo, estão “amarradas” por causalidades impostas pelas decisões delas mesmas (ainda que ambas tenham suas próprias motivações se manterem como “rivais” à vida inteira). No meio disso tudo, ainda há espaço para breves toques de humor, com um nível de acidez proeminente.

O trabalho de direção feito por Robert Aldrich é realmente magistral, eficientemente pontual em suas nuances e, além disso, ainda consegue brutalmente assertivo tanto no seu tom psicologicamente “noir”, quanto na intensidade de tudo o que acontece na trama (ainda que hajam ações questionáveis que a tornam em algo um tanto quanto “inverossímil”). Bette Davis e Joan Crawford entregam performances sensacionais, e a química entre elas é literalmente surreal. Davis é hipnotizante desde o primeiro momento em entra em cena (e se mantém assim durante o filme inteiro), e Crawford é muito segura sobre todas as emoções que precisa entregar estando na pele de uma personagem fisicamente limitada.

Talvez, um dos poucos pontos negativos (em termos de elenco) que esse filme tem é o grupo de personagens que tem um destaque coadjuvante. Eles tinham o potencial de crescimento bem nítido, mas acabaram sendo subutilizados com inserções sem maiores impactos para a trama como um todo, e em certos momentos, também esquecidos dentro do roteiro enquanto fatores complicadores por terem sido “descartados” de maneiras muito escapistas. O outro aspecto seria a cenografia limitada que não é tão bem explorada para criar melhores momentos de tensão e suspense na trama (que obviamente existem, e são ótimos, mas poderiam ter sido ainda melhores se fossem mais numerosos e intensos).

O que Terá Acontecido a Baby Jane? é um verdadeiro clássico dos anos 60, e reforça o legado cinematográfico de uma época que até hoje é considerada como uma das melhores da história do cinema. Apesar de ter uma produção bastante simples (com um destaque mais do que merecido para a ótima trilha sonora que intensifica todos os eventos), nada disso impediu esse filme de se tornar um verdadeiro clássico, mostrando que não é preciso ter um orçamento “inflado” para produzir um projeto de extrema qualidade. Eis aqui uma verdadeira aula sobre como fazer cinema de qualidade, usando a psicologia comportamental dos humanos como “matéria-prima” para debater assuntos de vital importância.

_{Cover made in Canva. Image}

¡Hola amigos! En el día de hoy les traigo la reseña de una película que tarde en ver, pero tenía muchas ganas ya que soy muy fan de todas estas entregas sobre dinosaurios. Les estoy hablando de Jurassic World: El renacer.

Hello friends! Today I bring you the review of a movie that took me a while to see, but I was really looking forward to it since I'm a big fan of all these dinosaur movies. I'm talking about Jurassic World: Rebirth.

Trama - Plot

_Source

La historia está ambientada en nuestro mundo actual con los dinosaurios muriendo a causa de que no son compatibles con la vida moderna. Solo hay un lugar en el que sobreviven, una isla en Ecuador. Allí van un grupo de personas como parte de una expedición secreta para recolectar ADN de los dinosaurios más grandes y así fabricar un medicamento que cure las patologías cardíacas en los humanos. Pero muy pronto se darán cuenta que no se debe desafiar a la naturaleza y que está siempre se las ingenia para seguir su curso. Verán que los humanos no son recibidos en ese lugar que los dinosaurios reclamaron como propio. 

The story is set in our current world with dinosaurs dying out because they are not compatible with modern life. There is only one place where they survive, an island in Ecuador. A group of people go there as part of a secret expedition to collect DNA from the largest dinosaurs to make a drug to cure heart disease in humans. But very soon they will realize that nature should not be defied and that it always manages to follow its course. They will see that humans are not welcome in the place that the dinosaurs claimed as their own.

Reseña - Review

_Source

Una nueva entrega de esta especie de saga siempre es bienvenida por mí porque me trae mucha nostalgia y me dan ganas de ver con qué cosas nuevas nos vamos a encontrar. La película estuvo bastante bien en mostrar como los dinosaurios de verdad no son compatibles con la vida moderna y eso me hace pensar en que sería muy cruel intentar revivir lo que ya sé extinguió que por algo habrá sucedido. Es triste, pero es la ley de la naturaleza, no se debe jugar con la genética porque estaremos alterando todo el ecosistema y también nos perjudicamos a nosotros.

A new installment of this kind of saga is always welcomed by me because it brings me a lot of nostalgia and makes me want to see what new things we are going to find. The movie was pretty good in showing how the real dinosaurs are not compatible with modern life and that makes me think that it would be very cruel to try to revive what I already know is extinct and that it must have happened for a reason. It is sad, but it is the law of nature, we should not play with genetics because we will be altering the entire ecosystem and we will also harm ourselves.

La película muestra un poco de esto, pero también es mágico ver cómo se reagruparon y siguieron con sus vidas en aquella isla que se adecua a sus necesidades, hasta que la mano del hombre de nuevo viene a molestarlos. Salvo que en esta ocasión la única meta es conseguir algo de sangre, sin necesidad de matar a ninguno, y salir con vida en el proceso. Pero claro, esa no es una tarea tan sencilla como parece en un principio.

The film shows a bit of this, but it is also magical to see how they regroup and go on with their lives on that island that suits their needs, until the hand of man again comes to disturb them. Except this time the only goal is to get some blood, without the need to kill any of them, and get out alive in the process. But of course, that's not as simple a task as it first appears.

_Source

De alguna manera sentí esta historia más cercana a sus primeras versiones, tuvo ese humor característico y escenas de humanos siendo devorados por ellos. Que sí, que sentí lástima por algunos. Pero bueno, otros se lo merecían. También me encantó el escenario en el que sucedió y que no se tratara de un parque está vez, sino de ellos andando libremente por la naturaleza. 

Somehow I felt this story closer to its first versions, it had that characteristic humor and scenes of humans being devoured by them. Yes, I felt sorry for some of them. But hey, others deserved it. I also loved the setting in which it happened and that it wasn't a park this time, but them walking freely through nature.

No sé porqué esperaba una mayor participación del T-REX como nos tiene acostumbrados a que suele aparecer para ser el héroe del día o dar una buenísima impresión jajaja. Tuvo su momento de estrella, pero no me gustó que casi se comiera a los más inocentes en toda esa aventura. También apareció una nueva mutación que daba impresión verla de verdad. Y, por supuesto, no podía faltar el pequeño dinosaurio que te roba el corazón, love you Dolores.

I don't know why I expected a greater participation of the T-REX as he usually appears to be the hero of the day or to make a good impression hahaha. He had his star moment, but I didn't like that he almost ate the most innocent people in that whole adventure. There was also a new mutation that was really impressive to see. And, of course, we couldn't miss the little dinosaur that steals your heart, love you Dolores.

_Source

La trama no es nada del otro mundo, al final no sé sabe en qué queda lo del medicamento porque no es lo principal. Sino un medio para llegar a la isla e interactuar con los dinosaurios. Así que hay varios detalles y cosas sin sentido que no tienen explicación. Pero tampoco creo que se trate de una producción que necesite de ellas. Uno está acá y las sigue viendo por ellos, las estrellas son los dinosaurios. O al menos eso es lo que espero ver cuando sale una nueva de Jurassic. Así que esto lo cumple bien.

The plot is nothing special, in the end I don't know what happens with the medicine because it's not the main thing. It's just a way to get to the island and interact with the dinosaurs. So there are several details and nonsense things that have no explanation. But I don't think it's a production that needs them either. You're here and you keep seeing them for them, the stars are the dinosaurs. Or at least that's what I expect to see when a new Jurassic comes out. So this fulfills that well.

También me gustó ver nuevas caras dándole vida a este mundo. Cada uno aportando de su parte, me gustaron los actores que eligieron y el papel que desempeñaron. Así que es una buena producción para ver y pasar un rato entretenido, si les gusta la saga tal vez sientan cierta nostalgia o quizá no les guste tanto, a mí me gustó mucho. Por lo que es una secuela que recomiendo ver si les gusta el universo. 

I also liked seeing new faces giving life to this world. Each one doing their part, I liked the actors they chose and the role they played. So it's a good production to watch and have an entertaining time, if you like the saga maybe you feel some nostalgia or maybe you don't like it so much, I liked it a lot. So it is a sequel that I recommend to see if you like the universe.

_Source

Bueno amigos, hasta acá mi opinión acerca de la película. Espero que les haya gustado y los animo a verla si les llama la atención. Si ya lo hicieron me encantaría saber qué les pareció. Gracias por llegar hasta acá y apoyar mi contenido. ¡Hasta la próxima! 

Well friends, this is my opinion about the movie. I hope you liked it and I encourage you to watch it if it catches your attention. If you have already done it, I'd love to know what you thought of it. Thanks for making it this far and supporting my content. See you next time!

After an intense and relatively long behind-the-scenes battle, the acclaimed and beloved animated TV series South Park has been renewed with no less than 50 new episodes. The deal between Paramount Global and the creators was reached for a hefty $ 1.5 billion, bringing relief not only to them but also to their fans (as everyone was apprehensive about the future of this project amid political turmoil).

South Park not only made a "simple" (but highly anticipated) return, but also, in its very first episode, offered a glimpse of what it's willing to do throughout this new season. In this case, the current controversy involves the then-President of the United States (Donald Trump), on a topic that seems very sensitive to him: his possibly very small genitals, within a perspective where he appears in bed with Satan.

Going a step further, Trump (an animated version created using artificial intelligence technology) appears naked, crawling in the desert and having pointless conversations with the character who reminds him of one of his main insecurities. In the episode, the audience follows a selfish version of Trump, where he ignores "points of improvement" in Americans' lives in favor of what's good for him alone (couldn't this be the real version of this person?).

It didn't take long for the White House to react vehemently to this "provocation," and this reignited a political issue involving Trump's control over possible interference within the American entertainment industry (especially in the fields of film and television), where he is allegedly using his power and political influence to "define" what can and cannot be done and broadcast on screens (both big and small).

I'm a huge fan of what South Park represents, not only as an animated TV series (which to this day "breaks" countless paradigms of the most conservative society in large parts of the world), but mainly as a type of media product that, besides entertaining the audience, makes a considerable portion of them think about many subjects that are still considered taboo in different social classes. Television badly needs this boldness.

---

”South Park”, más afilado que nunca.

Tras una intensa y larga batalla tras bambalinas, la aclamada y querida serie animada South Park ha sido renovada con nada menos que 50 nuevos episódios. El acuerdo entre Paramount Global y los creadores se alcanzó por la considerable suma de 1.500 millones de dólares, lo que supuso un alivio no solo para ellos, sino también para sus fans (ya que todos estaban preocupados por el futuro de este proyecto en medio de la agitación política).

South Park no solo tuvo un regreso "simple" (pero muy esperado), sino que, en su primer episodio, ofreció un adelanto de lo que está dispuesto a hacer a lo largo de esta nueva temporada. En este caso, la controversia actual involucra al entonces presidente de los Estados Unidos (Donald Trump), sobre un tema que le parece muy delicado: sus genitales, posiblemente muy pequeños, desde una perspectiva en la que aparece en la cama con Satanás.

Yendo un paso más allá, Trump (una versión animada creada con tecnología de inteligencia artificial) aparece desnudo, arrastrándose por el desierto y manteniendo conversaciones sin sentido con el personaje que le recuerda una de sus principales inseguridades. En el episodio, el público sigue a una versión egoísta de Trump, que ignora las "mejoras" en la vida de los estadounidenses en favor de lo que le conviene solo a él (¿no podría ser esta la versión real de esta persona?).

La Casa Blanca no tardó en reaccionar con vehemencia a esta "provocación", lo que reavivó un problema político relacionado con el control de Trump sobre la posible interferencia en la industria del entretenimiento estadounidense (especialmente en los ámbitos del cine y la televisión), donde supuestamente está utilizando su poder e influencia política para "definir" lo que se puede y no se puede hacer y transmitir en pantallas (tanto grandes como pequeñas).

Soy un gran fan de lo que South Park representa, no solo como serie animada (que hasta el día de hoy rompe innumerables paradigmas de la sociedad más conservadora en gran parte del mundo), sino principalmente como un producto mediático que, además de entretener a la audiencia, hace reflexionar a una parte considerable de ella sobre muchos temas que aún se consideran tabú en diferentes clases sociales. La televisión necesita urgentemente esta audacia.

---

”South Park”, mais afiado do que nunca.

Depois de uma intensa e relativamente longa batalha nos bastidores, a aclamada e querida série de TV animada South Park teve à sua renovação garantida com nada menos do que 50 novos episódios. O acordo entre a Paramount Global e os criadores foi firmado através de uma robusta quantia de US$ 1,5 bilhão, trazendo alívio não apenas para eles, mas também para seus fãs (porque todos estavam apreensivos sobre o futuro desse projeto em meio a problemas políticos).

South Park não fez apenas um “simples” (porém muito aguardo) retorno, como também já trouxe logo em seu primeiro episódio, uma amostra do que está disposto a fazer ao longo desta nova temporada. Neste caso, a controvérsia da vez envolve o então presidente dos Estados Unidos (Donald Trump), num tema que lhe parece ser muito sensível: o órgão genital possivelmente muito pequeno que ele tem, dentro de uma perspectiva onde ele aparece na cama com Satanás.

Indo um pouco mais além, Trump (versão animada que foi criada através da tecnologia de inteligência artificial) aparece nu, rastejando no deserto e tendo conversas despropositais com o personagem que lhe remete uma de suas principais inseguranças. No episódio, o público acompanha uma versão egoísta de Trump, onde ele ignora “pontos de melhorias” na vida dos americanos em detrimento do que é bom apenas para ele (não seria essa verdadeira versão desta pessoa?).

Não demorou muito tempo até que a Casa Branca reagisse veementemente sobre essa “provocação”, e isso reacendeu uma questão política, que envolve o Trump no comando de possíveis interferências dentro do setor do entretenimento americano (em especial quando os campos são cinema e televisão), onde ele estaria usando o seu poder e influências políticas para “definir” sobre o que pode ou não pode ser feito e veiculado nas telas (sejam elas grandes ou pequenas).

Eu sou um grande fã do que South Park representa, não apenas como uma série de TV animada (que até hoje “quebra” inúmeros paradigmas da sociedade mais conservadora em grandes partes do mundo), mas principalmente por ser um tipo de produto midiático que além de divertir o público, faz uma parte considerável dele pensar sobre muitos assuntos que ainda são considerados como tabus em diferentes tipos de classes sociais. A televisão precisa muito dessa ousadia.

Synopsis: In a desperate search for money to get his van back and return to work as a delivery driver, a casual thief finds a "golden opportunity" when he comes across a "lost" luxury SUV in a parking lot. Eddie then decides to break into the vehicle, but what he didn't know is that he had walked into a trap.

At one point, the antagonist and protagonist debate fiercely about the lack of justice without morality. This philosophical (and argumentative) aspect guides the entire script of this movie, which is a remake of 4x4: Bienvenido a bordo (an Argentine action movie directed by Mariano Cohn and Gastón Duprat). However, it doesn't fully sustain itself within a slow-paced plot, with a development that brings nothing new. Beyond the well-known revenge with "behavioral makeup" to justify illegal acts as a way to take justice into one's own hands, this American version brings a dramatic tone to this remake, which at times manages to be effective in its suspense.

The New York Times

Getting straight to the point, the script here wastes no time in immersing the audience in its plot. Just a few minutes into the opening scenes (which are used exclusively to introduce the protagonist's financial hardships in his quest for money), we already begin to sense the claustrophobic atmosphere Eddie finds himself experiencing when he decides to break into an SVU that has apparently been "abandoned" in a parking lot in a poor area of some dangerous neighborhood. Once locked inside the vehicle, the suspense begins to build. However, everything that began so curiously and highly promising soon runs out of steam later on.

Compared to the Argentine version (which I haven't seen, but which clearly has a completely different approach, especially considering it's an action film), there are substantial changes made to the American version. The dramatic appeal here revolves around the figure of a father seeking better living conditions. Although this character is seen on the margins of society as a potential "outcast" (violations mentioned throughout the script), he is still seen as a protagonist for courageously confronting the real antagonist at times. However, both sides have motivations that make them average characters.

Variety

Eddie's protagonism is limited to his defiance inside the car, as he begins to realize he's being held hostage by William, the tormentor who keeps him trapped inside. On the other hand, William's antagonism only reaches the audience through his intimidating voice, which echoes through the vehicle's loudspeaker. Trapped inside the car, the characters clearly can't interact face-to-face, but the script doesn't make much of an effort to create a connection between Eddie's motivations and William's. There aren't any major surprises throughout the script, and while there are some good moments of suspense, they're very isolated and don't sustain themselves over longer periods of time.

The writers persistently attempt to create psychological clashes between the two characters through discussions involving morals and ethics, using the so-called "evolution" of society as a starting point to generate narrative conflicts that serve as the foundation of the story. In addition to philosophical overtones, the script also brings political dilemmas to the table, as well as making some references to pop culture through cinema, for example (one of the script's few positive aspects). All of this could have worked very well, but the plot lacks the strength to sustain all these elements, as everything is rather shallow.

Bloody Disgusting

The entire movie takes place practically inside a single car. Within this scenario (which seems more like a third character), the audience is "dragged" directly into the "private prison" that Eddie is living in. But everything that seems promising at the beginning (deprivation of space, food, water, and internet access... for example) becomes a problem because the motivations become too fragile and repetitive within a context that brings nothing innovative. At a certain point, the script is already circling (without meaning to be redundant) within its own plot, thus evidencing its narrative fatigue (because the ideas are literally being drained, gradually).

Bill Skarsgård and Anthony Hopkins are equally competent in the construction of their respective characters. There are no spectacular performances, but what is offered is very functional. Skarsgård is astute in conveying his emotional traits (although sometimes he has some exaggeration), and Hopkins is very successful in demonstrating his mastery as a villain using his voice alone (because most of the time he doesn't see himself, he only listens), but also his intellect despite a limited script. The dynamic between the two is intriguing, even if the script doesn't manage to explore its full potential.

Tumblr

Also “flirting” with some technological aspects (which justify the complex and deadly trick that was created by the antagonist to keep the antagonist trapped inside the vehicle without anyone having access to the outside world), Locked is a forgettable movie (problematically directed by David Yarovesky, but produced by the experienced Sam Raimi), but in certain ways it works as fleeting entertainment (even when it is full of inconsistencies that can hardly be be seen as mere conventions to support a weak script and without great moments), which ironically makes us question our role in the world, not only as human beings (and as tales, holding important keys to the future of a nation), but mainly as a society.

---

CRÍTICA DE PELÍCULA: “Blindado” (2025)

Sinopsis: En una búsqueda desesperada de dinero para recuperar su camioneta y volver a trabajar como repartidor, un ladrón casual encuentra una "oportunidad de oro" al encontrar una camioneta de lujo "perdida" en un estacionamiento. Eddie decide entonces forzar el vehículo, pero lo que no sabía es que había caído en una trampa.

En un momento dado, el antagonista y el protagonista debaten acaloradamente sobre la falta de justicia sin moral. Este aspecto filosófico (y argumentativo) guía todo el guion de esta película, que es una nueva versión de 4x4: Bienvenidos a bordo (una película de acción argentina dirigida por Mariano Cohn y Gastón Duprat). Sin embargo, no se sostiene del todo dentro de una trama de ritmo lento, con un desarrollo que no aporta nada nuevo. Más allá de la ya conocida venganza con "maquillaje conductual" para justificar actos ilegales como una forma de tomarse la justicia por su mano, esta versión estadounidense aporta un tono dramático a este remake, que por momentos logra ser efectivo en su suspenso.

Yendo directo al grano, el guion no pierde tiempo en sumergir al público en su trama. Apenas unos minutos después de las primeras escenas (que se utilizan exclusivamente para presentar las dificultades económicas del protagonista en su búsqueda de dinero), ya empezamos a percibir la atmósfera claustrofóbica que Eddie experimenta cuando decide entrar en una Unidad de Víctimas Especiales (SVU) que aparentemente ha sido abandonada en un aparcamiento de una zona marginal de un barrio peligroso. Una vez encerrado en el vehículo, el suspense empieza a crecer. Sin embargo, todo lo que comenzó de forma tan curiosa y prometedora pronto pierde fuerza.

En comparación con la versión argentina (que no he visto, pero que claramente tiene un enfoque completamente diferente, sobre todo teniendo en cuenta que es una película de acción), la versión estadounidense presenta cambios sustanciales. El atractivo dramático gira en torno a la figura de un padre que busca mejores condiciones de vida. Aunque este personaje es visto al margen de la sociedad como un posible "paria" (violaciones mencionadas a lo largo del guion), sigue siendo visto como protagonista por enfrentarse con valentía al verdadero antagonista en ocasiones. Sin embargo, ambos lados tienen motivaciones que los convierten en personajes pormedio.

El protagonismo de Eddie se limita a su desafío dentro del coche, al darse cuenta de que William, el torturador que lo mantiene atrapado, lo tiene como rehén. Por otro lado, el antagonismo de William solo llega al público a través de su voz intimidante, que resuena por el altavoz del vehículo. Atrapados dentro del coche, los personajes claramente no pueden interactuar cara a cara, pero el guion no se esfuerza mucho por crear una conexión entre las motivaciones de Eddie y las de William. No hay grandes sorpresas a lo largo del guion, y si bien hay buenos momentos de suspense, son muy aislados y no se mantienen a largo plazo.

Los guionistas intentan constantemente crear conflictos psicológicos entre los dos personajes mediante debates sobre moral y ética, partiendo de la llamada "evolución" de la sociedad para generar conflictos narrativos que sirven de base a la historia. Además de las connotaciones filosóficas, el guion también plantea dilemas políticos, además de hacer referencias a la cultura pop a través del cine, por ejemplo (uno de los pocos aspectos positivos del guion). Todo esto podría haber funcionado muy bien, pero la trama carece de la fuerza suficiente para sostener todos estos elementos, ya que todo resulta bastante superficial.

Toda la película transcurre prácticamente dentro de un solo coche. En este escenario (que parece más bien un tercer personaje), el público es arrastrado directamente a la "prisión privada" en la que vive Eddie. Pero todo lo que parece prometedor al principio (privación de espacio, comida, agua y acceso a internet, por ejemplo) se convierte en un problema porque las motivaciones se vuelven demasiado frágiles y repetitivas en un contexto que no aporta nada innovador. En cierto punto, el guión ya está dando vueltas (sin ánimo de ser redundante) dentro de su propia trama, evidenciando así su cansancio narrativo (porque las ideas se van literalmente drenando, poco a poco).

Bill Skarsgård y Anthony Hopkins son igualmente competentes en la construcción de sus respectivos personajes. No hay actuaciones espectaculares, pero lo que ofrecen es muy funcional. Skarsgård transmite con astucia sus rasgos emocionales (aunque a veces exagera), y Hopkins demuestra con gran éxito su maestría como villano usando solo su voz (porque la mayoría de las veces no se ve a sí mismo, solo escucha), pero también su intelecto a pesar de un guion limitado. La dinámica entre ambos es intrigante, incluso si el guion no logra explorar todo su potencial.

“Coqueteando” también con algunos aspectos tecnológicos (que justifican el complejo y mortal truco que fue creado por el antagonista para mantener al antagonista atrapado dentro del vehículo sin que nadie tenga acceso al mundo exterior), Blindado es una película olvidable (dirigida problemáticamente por David Yarovesky, pero producida por el experimentado Sam Raimi), pero en ciertas maneras funciona como entretenimiento fugaz (aún cuando está llena de inconsistencias que difícilmente pueden ser vistas como meras convenciones para sostener un guión débil y sin grandes momentos), lo que irónicamente nos hace cuestionar nuestro papel en el mundo, no sólo como seres humanos (y como cuentos, poseedores de importantes claves para el futuro de una nación), sino principalmente como sociedad.

---

CRÍTICA DE FILME: “Confinado” (2025)

Sinopse: Numa busca desesperada por dinheiro para reaver à sua van e voltar a trabalhar como entregador, um ladrão ocasional encontra uma “oportunidade de ouro” ao se deparar com um SVU de luxo “perdido” em um estacionamento. Eddie então decide invadir o veículo, mas o que ele não sabia é que ele havia caído em uma armadilha.

Em um dado momento, antagonista e protagonista debatem fortemente sobre não haver justiça sem moralidade. Esse é um aspecto filosófico (e argumentativo) que norteia todo o roteiro deste filme, que é um remake de 4x4: Bienvenido a bordo (um filme de ação argentino dirigido por Mariano Cohn e Gastón Duprat), mas que não o sustenta por completo dentro de uma trama lenta, com um desenvolvimento que não traz nada de novo, além da já conhecida vingança com uma “maquiagem comportamental” afim de justiçar atos ilegais como formas para fazer justiça com as próprias mãos, esta versão americana traz um teor dramático para este remake, que por vezes consegue ser eficiente no seu suspense.

Indo direto ao ponto, o roteiro aqui não perde tempo nenhum em jogar o público dentro da sua trama. Poucos minutos depois das primeiras cenas (que são usadas exclusivamente para apresentar todas as dificuldades financeiras que estão sendo vividas pelo protagonista na sua busca por dinheiro), já estamos começando a sentir o clima claustrofóbico que Eddie está vivendo ao decidir invadir um SVU que, aparentemente, estava “abandonado” em um estacionamento numa região pobre de algum bairro perigoso. Uma vez trancado dentro do veículo, o suspense começa a ser construído aqui. No entanto, tudo o que começou de maneira curiosa e altamente promissora, logo vai perdendo o fôlego mais adiante.

Em comparação com a versão argentina (a qual eu não assisti, mas que obviamente tem uma abordagem totalmente diferente, até mesmo por ser um filme de ação), há mudanças substanciais que são feitas na versão americana. O apelo dramático aqui orbita o roteiro na figura de um pai em busca de melhores condições de vida, e ainda que esse seja um personagem que as margens da sociedade seja visto como um possível “marginal” (infrações que são mencionadas ao longo do desenvolvimento do roteiro), ainda é visto como protagonista por confrontar o real antagonista de maneiras corajosas em alguns momentos. No entanto, em ambos os lados há motivações que os tornam em personagens medianos.

O protagonismo de Eddie fica restrito a rebeldia dele dentro do carro, uma vez que ele começa a entender que é feito de “refém” por William, o algoz que o mantém preso no carro. Por outro lado, o antagonismo de William só chega até o público através da sua voz “intimidante”, que ecoa pelo alto-falante do veículo. Preso dentro do carro, é claro que os personagens não podem interagir frente a frente, mas o roteiro não se esforça muito em criar uma “conexão” entre as motivações de Eddie com a motivações de William. Não há nenhuma grande surpresa durante todo o roteiro, e mesmo que hajam bons momentos de suspense, são situações muito pontuais e que não se sustentam por prazos mais longos.

Há uma tentativa insistente dos roteiristas em criar alguns embates psicológicos entre os dois personagens através de discussões envolvendo aspectos como moral e ética, usando a então “evolução” da sociedade como ponto de partida para gerar conflitos narrativos que funcionam como alicerces da estória. Além de toques filosóficos, o roteiro também traz dilemas políticos para à mesa de discussões, assim como faz algumas referências ao cenário da cultura pop através do cinema, por exemplo (um dos poucos aspectos positivos do roteiro). Tudo isso realmente poderia ter funcionado muito bem, mas não há força suficiente na trama para sustentar todos estes elementos, uma vez que tudo é bem raso.

Todo o filme acontece praticamente dentro de um único carro. Dentro desse cenário (que mais parece ser um terceiro personagem), o público vai sendo “tragado” diretamente para o “cárcere privado” que Eddie está vivendo, mas tudo o que acontece de promissor no começo (privação de espaço, comida, água e acesso a internet... por exemplo), se torna um problema porque as motivações se tornam frágeis e repetitivas demais dentro de um contexto que não traz nada de inovador. Em um certo momento, o roteiro já está dando voltas (sem querer ser redundante) dentro da sua própria trama, evidenciando assim o seu cansaço narrativo (porque as ideias vão literalmente sendo escoadas, gradualmente).

Bill Skarsgård e Anthony Hopkins são igualmente competentes nas construções dos seus respectivos personagens. Não há nenhuma performance espetacular aqui, mas o que eles entregam tem uma qualidade muito funcional. Skarsgård é astuto ao demonstrar suas feições emocionais (ainda que faça isso com um certo exagero em alguns momentos), e o Hopkins é muito pertinente ao demonstrar o seu domínio como vilão usando não apenas à sua voz (porque na maior parte do tempo ele não é visto, mas sim, apenas ouvido), mas também todo seu intelecto diante de um roteiro limitado. A dinâmica entre os dois é intrigante, ainda que o roteiro não consiga explorar todo o potencial que estava disponível.

“Flertando” também com alguns aspectos tecnológicos (que justificam a complexa e mortal armadilha que foi criada pelo antagonista para manter o antagonista preso dentro do veículo sem qualquer acesso ao mundo externo), Confinado é um filme esquecível (dirigido problematicamente por David Yarovesky, mas produzido pelo experiente Sam Raimi), mas que de certo modo funciona como um entretenimento passageiro (ainda que esteja repleto de inconsistências que são difíceis de serem encaradas como meras convenções para sustenta um roteiro fraco e sem grandes momentos), que ironicamente nos faz questionar sobre o nosso papel no mundo, não apenas enquanto seres humanos (e como tal, sendo peças-chaves para o futuro de uma nação), mas principalmente enquanto uma sociedade.

Requiem is a word that comes from Latin and means rest. The rest of souls, so to speak, is also the name of some compositions used in masses for the dead or ceremonies before a burial. Interpreting the title of the film I am reviewing today, it would be something like the dreams of the dead, a meaning I understood after watching the film in the literal sense.

Requiem for a Dream is a 2000 American film based on the 1978 novel of the same name by Hubert Selby Jr. and directed by Darren Aronofsky, starring Ellen Burstyn, Jared Leto, Jennifer Connelly and Marlon Wayans. Although I saw it several months ago, I have not been able to forget it and I don't think I ever will. It stirred up many emotions in me and made me more empathetic towards people with mental health issues and addiction problems.

The story revolves around four characters: a mother and her son, his girlfriend, and his best friend. They are four different lives united by the same problem: addiction in general and drugs. The story is divided into three seasons or episodes titled summer, autumn, and winter. I like it when I realise that another stage of the story is beginning; spring never came.

Characters:

Sara Goldfarb: She is the mother, a widow who spends her days sitting in front of the television. She loves a game show that she never misses and dreams of being invited to appear on it one day. She is addicted to television and food and lives practically alone because she only sees her son when he steals her television, which I will explain in more detail later. She sees herself as fat, but in reality it is a distortion of her body image. She is a woman who has been depressed since the death of her husband and is still mourning him. She resists ageing and wants to return to the past and look as she did before.

Harry Goldfarb: He is the son, a young man who likes the easy life and quick gratification. He is addicted to drugs, and his only concern is running out of them. When this happens, he resorts to selling anything he can. He has a nice relationship with his girlfriend, they make plans to live together, and deep down he loves his mum, even though he makes her suffer a lot. He has no bad feelings and wants to start a business one day.

Tyrone C. Love: He is Harry's friend, a loyal companion who supports him in everything. He also loves his mother, is astute and honest. He is addicted to drugs because of childhood trauma.

Marion Silver: She is Harry's girlfriend, a beautiful but stupid woman who is also addicted to drugs and, because of love, has fallen into a dead-end tunnel.

Plot

It all begins when Sara receives a call inviting her to participate in a TV contest and decides to attend with a new look. She wants to feel renewed, like the woman she once was, so she takes an old dress out of the closet that she wore when her son graduated, but it no longer fits, causing her distress and anxiety. I think all women have been through a similar moment, and it certainly makes us sad, but Sara wants to feel happy again, like she did when she wore it for the first time. Back then, she felt beautiful, loved, and respected. To fill the void, she went on a strict diet to lose those extra pounds, believing that the dress would fit her. When it didn't, she felt even more frustrated, so she went to a doctor with dubious procedures and got involved in his diet plan. It was the worst thing she could have done.

While Sara's focus was on making drastic changes to her image without reviewing her inner self and health habits, her son continued to live the deceptive happiness of drugs and looking for money to pay for his addiction. This is where he repeatedly goes to his mother's house to steal her television, which he often finds chained to prevent him from taking it. I found these scenes heartbreaking. I felt the suffering he caused his mother by taking away her only entertainment. It was like taking her life away. Harry also suffered because he did not want to make his mother suffer. He consoled himself by saying that it was only temporary and that he would return it. In the end, the same woman recovered her pawned television, and the vicious cycle repeated itself. I cried during this scene.

At another point in the film, Harry found a way to make a lot of money as a drug dealer. We know that this business cannot be successful for long, but at this stage I felt a glimmer of hope, as he moved out, bought clothes, brought his mother a wonderful gift, and it seemed that everything would be better. In this episode, Sara was already very ill, both physically and mentally.

And in the last part, reality hit them all and they began to fall apart. At this stage, Harry's girlfriend takes centre stage, the business is over and their lives are in danger because of their debts, but the saddest thing is to see that Marion has become so addicted that she has no choice but to prostitute herself, even with her boyfriend's permission. 🥲 Very sad.

If this film was designed to send a message, it is that addictions destroy, they easily creep into a home where there are gaps and unhealed wounds. All addictions have something in common: the addict feels alone, loneliness is the void they fill with drugs, they are people who are sad inside and need to get outside with sweets, pills, and stimulants that make them feel good.

In terms of production, there were many shots that made me feel inside the characters, living their experiences. The shots were special for that, and the soundtrack heightened those emotions. It has a retro style, and although it was released in 2000, it gives the impression of being in the 80s or 90s. It is a film that, after the halfway point, makes you feel confused with so many camera movements, dark and fluorescent colours, and all those special effects, which I suppose are meant to make the viewer feel a bit drugged.

After watching it, I felt sad for the characters. I felt sorry for them; they were very vulnerable. I don't want to watch it again, but I don't rule it out either. It concluded by saying that people with addictions are dead; they only live in their dream world.

Synopsis: After getting lost in a vast forest in western Ireland, Mina, a young artist, finds shelter, but must deal with a strange reality that keeps her trapped with three strangers, all of whom are watched daily by mysterious nocturnal creatures.

Movie debuts are always a kind of "trial by fire" for any filmmaker, especially when expectations are exceedingly high on certain occasions. In the case of this movie, we're talking about the cinematic debut of Ishana Shyamalan, daughter of director (screenwriter and producer) M. Night Shyamalan. The ideas she brought to the movie are quite interesting (and it's worth mentioning that she was also responsible, along with writer A.M. Shine, for writing the screenplay for this project), but the entire package here is better than the gift.

Galáxia Nerd

Set within an aesthetically interesting setting (and which, in a way, manages to be effectively exploited to convey to viewers a real dimension of the cinematography in which everything unfolds), the script begins with relatively minimalist touches (which are reinforced by a production that typically had a low budget to be shot as a feature film). Up to a point, it's functional, but the entire plot takes too long to gel, and by the time it actually did, I was too bored to care.

Amidst characters who are completely uninteresting from the moment they're first introduced (something that doesn't change throughout the plot... in fact, some characters become even more irritating), the flimsy plot attempts to present itself to the audience as a stupidly intriguing mystery (which relies on the idea that all four characters must be "locked" in a room at night - where they are forbidden to leave to avoid being killed - while being watched by mysterious creatures), but it's actually very far from that.

MUBI

There are few suspenseful scenes, and no aspect of terror or horror is heightened (even though the script persistently attempts to do so, always relying on its "dark side" to "embrace" the audience). There are no situations where any degree of dread is imminent; what exists are only the promises that the characters are being threatened by creatures that seem to communicate (and act) through "coordinated codes" to keep them in a "private prison." Amidst all this, the investigative aspect is gradually eroded, until it is almost completely lost in the plot.

Riddled with loose ends, the plot fails to untangle its own "knots." Opting for resolutions without major logical explanations (which in a way makes sense when the whole “big” mystery is revealed... even so, even within the surreal aspect of the script, the fiction created in the plot could have been more “palatable” within the mystical and fantastical proposal that was constructed), the film begins and ends with a good dramatic connection and good touches on “local culture folklore”, but which could have been better used than they really are.

Nerdist

Dakota Fanning leads a boring cast (including herself, who, despite being a good actress, is apathetic here with her one-sided character, as poorly constructed as the other characters), who don't seem to have the slightest connection with one another. To be fair, the whole problem here (in terms of performances) isn't just the cast's, but mainly the script itself, which lacks a decent material base for them to work with. There's no way to deliver something more tense if the plot itself doesn't support it, but the cast helps fragment this "desire."

This project's greatest asset is having a truly attractive and inviting setting, which is undoubtedly a very creative part of the movie. If this technical aspect is stripped away, there's almost nothing interesting left in what's seen on screen. The play of light and color, which enhances this pseudo-"tale" (which, by the way, is very reminiscent of those campfire gatherings in the middle of nowhere in vast forests), is another positive point, but it only fuels the idea (and the intention) of creating something grand, but it never arrives. Other technical aspects are merely quite irrelevant.

Gruesome Gazette

There's no doubt that this is a well-intentioned work, and even though The Watchers was a project where the weight of its debut added pressure to its execution, it's impossible not to notice the lack of "identity" that permeates almost the entire movie. It's literally as if the daughter is copying the techniques she learned, or simply admires, in her own father's work (and it's fine to follow references, but not without incorporating something unique from your own repertoire, even if it's still under construction). A significant disappointment.

---

CRÍTICA DE PELÍCULA: “Los vigilantes” (2024)

Sinopsis: Tras perderse en un vasto bosque del oeste de Irlanda, Mina, una joven artista, encuentra refugio, pero debe lidiar con una extraña realidad que la mantiene atrapada con tres desconocidos, todos ellos vigilados a diario por misteriosas criaturas nocturnas.

Los debuts cinematográficos siempre son una especie de "prueba de fuego" para cualquier cineasta, especialmente cuando las expectativas son excesivamente altas en ciertas ocasiones. En el caso de esta película, hablamos del debut cinematográfico de Ishana Shyamalan, hija del director (guionista y productor) M. Night Shyamalan. Las ideas que aportó a la película son bastante interesantes (y cabe mencionar que también fue responsable, junto con el escritor A.M. Shine, de escribir el guion de este proyecto), pero el conjunto completo es mejor que el regalo.

Ambientada en un entorno estéticamente interesante (y que, en cierto modo, se aprovecha eficazmente para transmitir al espectador una dimensión real de la cinematografía donde se desarrolla todo), el guion comienza con toques relativamente minimalistas (que se ven reforzados por una producción que, por lo general, contaba con un presupuesto bajo para rodarse como largometraje). Hasta cierto punto, es funcional, pero la trama completa tarda demasiado en cuajar, y para cuando finalmente lo hizo, estaba demasiado aburrido como para preocuparme.

Entre personajes que resultan completamente aburridos desde el primer momento (algo que no cambia a lo largo de la trama... de hecho, algunos personajes se vuelven aún más irritantes), la endeble trama intenta presentarse al público como un misterio absurdamente intrigante (que se basa en la idea de que los cuatro personajes deben estar "encerrados" en una habitación por la noche - de la que tienen prohibido salir para evitar ser assinados - mientras son observados por criaturas misteriosas), pero en realidad dista mucho de serlo.

Hay pocas escenas de suspense, y no se intensifica ningún aspecto de terror ni horror (aunque el guion insistentemente lo intenta, recurriendo siempre a su lado oscuro para cautivar al público). No hay situaciones donde el miedo sea inminente; lo único que existe son las promesas de que los personajes se ven amenazados por criaturas que parecen comunicarse (y actuar) mediante códigos coordinados para mantenerlos en una prisión privada. En medio de todo esto, el aspecto investigativo se erosiona gradualmente, hasta perderse casi por completo en la trama.

Plagada de cabos sueltos, la trama no logra desenredar sus propios nudos. Optando por resoluciones sin mayores explicaciones lógicas (lo cual en cierta forma tiene sentido cuando se desvela todo el “gran” misterio… aún así, incluso dentro del aspecto surrealista del guion, la ficción creada en la trama pudo haber sido más “digerible” dentro de la propuesta mística y fantástica que se construyó), la película empieza y termina con una buena conexión dramática y buenos toques de “folclore de la cultura local”, pero que pudieron haber sido mejor aprovechados de lo que realmente son.

Dakota Fanning lidera un reparto aburrido (incluida ella misma, quien, a pesar de ser una buena actriz, se muestra apática con su personaje parcial, tan mal construido como los demás), que no parecen tener la más mínima conexión entre sí. Siendo justos, el problema aquí (en cuanto a las actuaciones) no reside solo en el reparto, sino principalmente en el propio guion, que carece de una base material decente con la que trabajar. Es imposible ofrecer algo más tenso si la trama no lo sustenta, pero el reparto ayuda a fragmentar este "deseo".

La mayor baza de este proyecto reside en su ambientación realmente atractiva y acogedora, que sin duda es un aspecto muy creativo de la película. Si se prescinde de este aspecto técnico, no queda casi nada interesante en lo que se ve en pantalla. El juego de luz y color, que realza este pseudo-cuento (que, por cierto, recuerda mucho a esas reuniones alrededor de fogatas en medio de la nada en vastos bosques), es otro punto positivo, pero solo alimenta la idea (y la intención) de crear algo grandioso, pero nunca lo logra. Otros aspectos técnicos son simplemente irrelevantes.

No cabe duda de que se trata de una obra bien intencionada, y aunque Los vigilantes fue un proyecto donde el peso de su debut presionó su ejecución, es imposible no notar la falta de identidad que impregna casi toda la película. Es literalmente como si la hija copiara las técnicas que aprendió, o simplemente admira, en la obra de su padre (y está bien seguir referencias, pero no sin incorporar algo único de tu propio repertorio, aunque aún esté en desarrollo). Una decepción considerable.

---

CRÍTICA DE FILME: “Os Observadores” (2024)

Sinopse: Depois de se perder dentro de uma extensa floresta na região oeste da Irlanda, Mina, uma jovem artista acaba encontrando abrigo, mas precisa lidar com uma estranhar realidade que a mantém presa junto a três estranhos, onde todos eles são diariamente observados por misteriosas criaturas noturnas.

Estreias no mundo do cinema sempre são uma espécie de “prova de fogo” para qualquer cineasta, em especial, quando há uma expectativa acima do normal em algumas determinadas ocasiões. No caso deste filme, estamos falando sobre o debut cinematográfico de Ishana Shyamalan, filha do diretor (roteirista e também produtor) M. Night Shyamalan. As ideias que ela jogou no filme são bem interessantes (e vale à pena mencionar que ela também foi a responsável, junto com o escritor A.M. Shine, por escrever o roteiro deste projeto), mas toda embalagem aqui é melhor do que o presente.

Ambientando dentro de um cenário que é esteticamente interessante (e que de certa maneira consegue ser explorado com eficiência para entregar aos telespectadores uma dimensão real da cinematografia onde tudo acontece), o roteiro começa com toques relativamente minimalistas (que são reforçados por uma produção que tipicamente teve um tipo de orçamento baixo para ser filmado enquanto um longa-metragem), e até um certo momento é funcional, mas toda a trama demora muito até plugar, e quanto isso de fato realmente aconteceu, eu já estava entediado para me importar.

Em meio a personagens completamente desinteressantes desde o primeiro momento em são apresentados (algo que não muda ao longo de todo o desenvolvimento da trama... aliás, alguns personagens se tornam ainda mais irritantes), a trama frágil tenta se mostrar ao público como um mistério estupidamente intrigante (que recaí sobre a ideia de que todos os quatro personagens precisam ficar “enclausurados” em uma sala durante à noite - onde são proibidos se sair para evitar que sejam mortos - enquanto são vigiados por criaturas misteriosas), mas está realmente muito longe disso.

Há poucas cenas de suspense, e nenhum aspecto de terror ou horror é intensificado (mesmo que o roteiro insista nas tentativas de fazer isso apostando sempre no seu “lado escuro” para “abraçar” o público). Não há situações onde todo teor de pavor é iminente, o que existe são apenas as promessas de que os personagens estão sendo ameaçados pelas criaturas que parecem se comunicar (e agir) através de “códigos coordenados” para mantê-los dentro de um “cárcere privado”. Em meio a tudo isso, o aspecto investigativo vai sendo escoado, até quase se perder por completo na trama.

Cheio de pontas narrativas soltas, a trama não consegue desatar os seus próprios “nós”. Optando por resoluções sem maiores explicações lógicas (o que de certa maneira faz sentido quando todo o “grande” mistério é revelado... mesmo assim, ainda que dentro do aspecto surreal do roteiro, a ficção criada na trama poderia ter sido mais “palatável” dentro da própria proposta mística e fantasiosa que foi construída), o filme começa e termina com uma boa conexão dramática e bons toques sobre “folclore de cultura local”, mas que poderiam ter sido melhor aproveitados do que realmente são.

Dakota Fanning lidera um elenco chato (incluindo a ela mesma, que apesar de ser uma boa atriz, aqui está apática com sua personagem unilateral e tão mal construída quanto os outros personagens), que não demonstram ter o mínimo de entrosamento entre eles mesmos. Justiça seja feita, o problema todo aqui (em termos de performance) não é apenas do elenco, mas principalmente do próprio roteiro, que não tem uma base material decente para eles trabalharem. Não há como entregar algo mais tenso se a própria trama não favorece isso, mas o elenco ajuda a fragmentar esse “desejo”.

O grande trunfo desse projeto é ter uma ambientação justamente atrativa e convidativa, que sem dúvidas, é uma parte muito criativa do filme. Se esse aspecto técnico for retirado do projeto, não sobra quase nada de interessante sobre o que é visto na tela. O jogo de luzes e cores favorecendo esse pseudo “conto” (que aliás, lembra muito aquelas reuniões à beira de uma fogueira no meio do nada em grandes florestas) é outro ponto positivo, mas apenas alimenta a ideia (e a intenção) de fazer algo grandioso, mas que nunca chega. Outros aspectos técnicos são meramente bem irrelevantes.

Não há dúvidas de que estamos diante de um trabalho bem intencionado, e ainda que Os Observadores tenha sido um projeto onde o peso da estreia trouxe uma pressão adicional a execução do mesmo, é impossível não perceber a falta de “identidade” que orbita o filme quase que por inteiro. Literalmente, é como se a filha estivesse copiando as técnicas que aprendeu, ou que simplesmente admira, no trabalho do seu próprio pai (e está tudo bem seguir referências, mas não sem inserir algo exclusivo do seu próprio repertório, ainda que em construção). Uma decepção muito considerável.